La suave pendiente de Niños del Cerro

Publicado originalmente en revista Rockaxis #233, noviembre de 2022.

 

Conversamos con Simón Campusano y Pepe Mazurett sobre el nuevo álbum de la banda, “Suave Pendiente”, además del efecto de la pandemia, su visión del éxito y su salida de Quemasucabeza. «Hace años abandonamos la idea de que un disco nos va a cambiar la vida», se sinceran. 

 

Bastián Fernández

 

Si Niños del Cerro fuera un equipo de fútbol, sería uno de esos que, a punta de esfuerzo, trabajo en equipo y una hinchada fiel, se quedan con el campeonato. El que brilla por su cantera y la facilidad con la que sus jugadores pueden compenetrarse. Su periplo –al igual que el de algunos de sus compañeros de generación– ha estado acompañado de un trabajo hormiga, autogestión, tocatas en centro culturales, dedicación y profesionalismo. Los resultados están a la vista: participaciones en festivales internacionales y este año son la banda nacional con más presencia en la primera edición de Primavera Sound en Santiago. Todo un golazo. 

 

Con “Lance”, su segundo álbum, obtuvieron un reconocimiento importante por parte de la prensa nacional e internacional. Y si bien su trabajo fue catalogado como uno de los mejores de aquel 2018, Simón Campusano (voz y guitarra) y Pepe Mazurett (batería) cuentan que no todo es como se ve en redes sociales. «Tengo que decir algo sobre la palabra éxito: se ve súper bien hacia afuera y lo es en nuestros corazones, pero con “Lance” no es como que nos haya cambiado la vida como a la gente en los noventas o los 2000, ni que estuviéramos girando a cagar o no paráramos. Más bien siguió la vida tranquila, pasaron cosas, la pasamos súper bien y muchos de nosotros seguimos trabajando en otras cosas, menos Simón que con mucho esfuerzo solo vive de la música. Seguimos siendo personas muy normales, el éxito mediático o de internet no se ve reflejado muchas veces en la plata que nos llega», sentencia Mazurett. 

 

Campusano, por su parte, confiesa que uno de los avances más grandes que produjo su álbum anterior está en la profesionalización y el crecimiento paulatino de su audiencia: «pensamos que tendríamos un cambio inmediato, pero fue súper gradual. En general siento que hace años abandoné la idea de que un disco me va a cambiar la vida».  

Su ascendente carrera ha ido acompañada siempre de un crecimiento en lo sonoro. Si su debut “Nonato Coo” (2015) suena casero y con toques del denominado bedroom pop, sus siguientes pasos fueron hacia un sonido hi-fi. El crecimiento no ha sido solo en la grabación, Campusano ahora apuesta por letras más complejas y existenciales, dejando atrás las primeras composiciones sobre amor y pedalear por La Florida. En “Suave Pendiente”, el grupo decidió hacer un salto al vacío, ese que hacen los grupos atrevidos en el tercer álbum. Salir de lo establecido y crear nuevos lineamientos. Si bien no desaparecen los guitarrazos y el noise característico del grupo, el bajo y los sintetizadores toman más fuerza para crear paisajes ambientales.

  

La pandemia fue clave en la creación de las 15 canciones que componen el LP, no solo por el tiempo, sino también porque Simón encontró nuevas referencias e inquietudes para dar rienda suelta a su pluma. Durante el encierro, al grupo le llegó una propuesta del Centro Cultural Gabriela Mistral, la que fue clave para la realización de su álbum.

  

¿Cómo llegaron a los estudios del GAM? 

 

Simón Campusano: Durante la pandemia, en 2020, nos hablaron a través de una agencia de publicidad porque querían usar una canción para los 10 años del GAM. Pero no había lucas porque a los centros culturales durante la pandemia les recortaron su presupuesto, entonces ofrecieron canje con algunas de sus dependencias. En un principio salió la posibilidad de usar una de las salas de concierto, pero ahí alguien se acordó que el GAM tiene un tremendo estudio de grabación. Resultó y tuvimos una mayor cantidad de tiempo para grabar el disco. Siempre habían sido dos o tres días, gracias a esta oportunidad nos pasaron 10.

 

Pepe Mazurett: Fue como el “Nonato”, se sintió más familiar. 

 

SC: Somos hijos del rigor porque estamos acostumbrados a grabar en poco tiempo, entonces tuvimos que hacer una preproducción exhaustiva. Ensayamos mucho. Nos propusimos grabar las primeras 10 canciones en la primera semana y terminamos el jueves todo. Nos fuimos a comer a un restaurante peruano a celebrar. Fue como, «weón, nos sobra tiempo». La segunda semana terminamos yéndonos más temprano, lo que me daba cargo de conciencia porque perdíamos horas de estudio, pero ya estaba todo hecho, qué más íbamos a hacer. Terminó siendo algo muy gratificante. 

 

PM: Quiero escaparme un poco de la pregunta y detenerme en los centros culturales que han sufrido recortes de presupuesto este año y hacen una labor súper importante para la música. Está el GAM, hace poco grabamos una sesión que vendimos a México en M100, la estaba reviviendo ahora en YouTube y es de un carácter súper profesional, de estándar elevado, el cual no se nos cobró. Es una ayuda muy importante para la masificación de proyectos, la que ahora se ve media atacada por una agenda que no entiendo. Comprendo que hay una crisis mundial, pero ojalá que eso se vaya revirtiendo. También está el Centro Cultural Rojas Magallanes, que en nuestra carrera nos ha ayudado bastante. 

 

SC: Que le recorten plata a los pacos y a los milicos. Metan plata a los centros culturales. 

 

Está pasando harto que varios proyectos no tienen recursos para girar. ¿Cómo se toman esta situación como músicos?

 

SC: Esa es la realidad. Nosotros acabamos de posponer una gira por México por los mismos motivos, se nos cayó el fondo con el que íbamos a viajar y no alcanzamos a tener tiempo de reacción. Pretendíamos usar otras formas de financiamiento, lucas que nos tenían que llegar por otros lados, pero los pasajes estaban carísimos y no se pudo nomás. Ante eso es mejor decir la verdad, para que la gente entienda la manera en que vivimos, lo precario que es trabajar en la música en Chile y Latinoamérica en general. No estamos todo el día echados ni somos estrellas de rock, es más pega que la cresta. Si uno no trabaja, las cosas no suceden. Está bien comunicar eso. La Tiare Galaz –Niña Tormenta–, el mismo día que subimos esta información de la gira por México, nos dijo «oye, yo voy a cancelar una fecha en Valpo porque se han vendido pocas entradas. Es mejor cancelarla, no voy a hacer el esfuerzo de ir con la banda y perder plata». Hablábamos de eso, lo bueno de transparentar las cosas para que la gente entienda nuestro contexto. Los artistas, acá en Chile, no estamos cagados de la risa. 

 

PM: A eso iba con el éxito en la primera pregunta, esto sirve para transparentar. El éxito es solo mediático, lo que es bacán, lo agradecemos, pero eso no se ve reflejado en la plata que le llega al proyecto. La industria está así, el streaming – Altafonte, Spotify– y todo eso cambió para siempre. Yo me vi beneficiado con la democratización de la industria, pero también eso nos hace tener solo una fuente de ingreso que son las tocatas, lo otro es más segmentado. Es una pena vivir de una sola forma. Con respecto al viaje, tuvimos que cancelar por una visión súper paternalista del Ministerio de Cultura con la entrega de fondos, una visión que te hace sí o sí depender de ellos. No puedes hacer un trabajo en paralelo ni puedes armar nada. Es algo que podría cambiar el Ministerio de Cultura para darle más movimiento a todo esto. Es demasiado burocrático. Y lo que me llamó la atención lo que comentabas de Niña Tormenta, es que T13 sacó una nota con la cancelación del show, pero perfectamente pudieron hacer una nota diciendo que iba a existir ese concierto. 

 

SC: El chiste se cuenta solo. T13 probablemente nunca había escrito una nota de la Tiare y sacaron eso... cómo dueles Chile. Medio masivo hablando de este hecho desafortunado, en vez de haber promocionado la tocata.

 

 

Volviendo al álbum, son 15 canciones. Imagino que compusieron harto en la previa. ¿Cómo funcionó eso? 

 

SC: En un principio eran 20 canciones que pretendíamos grabar en marzo. Fue súper tenso, era la época que decían: la otra semana volvemos a Fase 2, Fase 1, qué sé yo. Hasta el viernes en la tarde no sabía si podíamos llegar el lunes a grabar. Al final llegamos con las mejores 15 y esas otras que quedaron fuera se van a ir colando más adelante, quizás en un EP. Esta es la primera vez que hacemos un disco tan extenso. Acumulamos material y pudimos ver qué era lo mejor para el relato del disco que queríamos hacer. Había ideas que salieron de este taller que hacemos de banda, más lo que pensaba en solitario. Fue determinante que sea un disco de pandemia porque tuvimos mucho tiempo para hacerlo. Siento que las dimensiones son algo que juegan un rol importante. Son muchas canciones, mucha música, lo grabamos en un periodo de tiempo distendido, el estudio era gigante, es algo que se nota en la batería, los micrófonos del ambiente, el espacio. Suena muy hi-fi.

 

PM: Bueno, las letras están muy poderosas en este disco, Simón hizo un ejercicio de ensayo muy potente con su misticismo cristiano. Me pasa que cada vez que sale el disco y comenzamos a tocar en vivo se me revela el verdadero carácter de los temas, algo que no alcancé a entender totalmente en el estudio. Es un proceso que a mí me agrada. Como que a medida que toco me vuelvo a enamorar de las canciones. 

 

Creo que en este álbum lograron acompañar de mejor manera la letra con la música. En ‘Tentempié’, por ejemplo, hay un momento de clímax para procesar lo que se dice y luego volver a explotar. ¿Lo sienten así? 

 

SC: En los últimos años me he apropiado del oficio de hacer letras, algo que en este disco disfruté mucho y lo trabajé más a conciencia. Recuerdo que ya en “Cuauhtémoc” (2020) me metí más en las letras y me sentí más realizado con el proceso de trabajo. En el “Nonato Coo” me sentía perdido con lo que escribía, y me sorprendió mucho que se hablara de ellas porque la energía estaba en la música. En los últimos años me he dado la vuelta larga y es algo que disfruto mucho, y va de la mano con explorar otros intereses. 

 

¿Cómo cuáles?

 

SC: Exploré en lecturas de carácter espiritual, particularmente el misticismo cristiano, donde llegué por la poesía. Ese es el siglo de oro de la literatura poética, donde aparecen los autores más importantes. Los que más me llegaron a mí fueron esta gente que vivía en claustro y le dedicaban mucho tiempo a la meditación, y a través de eso llegaban a un arte muy elevado. Eso viene de la mano con otra idea que venía dando vueltas, que es llegar a una versión más sofisticada de nosotros mismos y que nos hiciera mucho sentido. A raíz de conversaciones y esta misma volá, sentí que tenía que hacer este trabajo con las letras. No quería escribir tonteras de adolescente, con todo el respeto y cariño a eso, porque a la gente le gusta mucho; tampoco de mi vida, no la encuentro tan interesante; prefiero hablar desde mis intereses. Entonces, descubrí esta poesía muy elevada y me hace sentido con la propuesta. Y eso conlleva mucho estudio. 

 

PM: Es bacán ese camino de las letras en nuestra discografía, se ve que va madurando, que no hablamos de nosotros mismos, o lo hacemos desde otro plano. Me pasa con la discografía de The Walkmen que me gusta mucho, donde el loco (Hamilton Leithauser) siempre está como un adolescente y tiene 40 años. Entonces, si fuera fan de Niños del Cerro, agradecería estos cambios. 

 

¿Dirían que es su disco adulto joven?

 

SC: Nosotros siempre forever young. No sé si adulto joven es la palabra, pero sí más maduro. Un referente importante para lo que hicimos es el “Fome” de Los Tres. Eran un poco más jóvenes que nosotros cuando lo hicieron, pero se siente un disco maduro de una banda que lleva un tiempo tocando. Tenemos vidas más adultas, los chiquillos tienen trabajos, vivimos con nuestras parejas. Pepe se fue a vivir a otro lado, yo vivo donde vivía Pepe. Esa es nuestra vida ahora: pagar arriendos. No es lo mismo que cuando teníamos 20. Era entretenido, otra época, ahora hay que hacer coincidir otro tipo de tiempos. Son compromisos no tan a la ligera. También el mismo hecho de independizarnos, nos fuimos de Quemasucabeza, entonces es la primera vez que nos hacemos cargo de todo. Durante mucho tiempo descansamos en el sello y ahora que estamos un poco más solos ha resultado súper bien. Eso habla de ese momento adulto en nuestras vidas. 

 

PM: Hacerse cargo de una banda no es como una licitación que va dando trabajo, es una montaña, veo a Quemasucabeza y Piloto, que son una montañita de trabajo en la cual uno puede crecer también desde otro lugar. Ellos ayudaron a montar la imagen de la banda, una especie de arropo, familia y contención hacia afuera. 

 

SC: Es el trabajo que ahora hacemos con Sello Fisura, a Rodrigo (Herbage) le confío todo plenamente. Le digo hace lo que quieras, confío en tu criterio. Es bacán estar en un sello donde se hable de música, sin desmerecer el trabajo de Quemasucabeza y Piloto, me recuerda a esa primera etapa de Piloto. Un sello que era bien desastroso, pero que tenía opiniones muy intensas. Ahora con Rodri es bacán, dando opiniones de cosas artísticas, cosa que hace años no me pasaba. Todo esto sin dejar de hacer su pega.

 

¿A qué se debió su salida de Quemasucabeza?

 

SC: Fin de un ciclo, un desgaste generalizado de las cosas. En ese momento nos hacía más sentido trabajar solos. Estábamos en pandemia y es normal que le pusieran más energía a los proyectos que le generaban más capital. Está bien, eso es de lo que tiene que vivir un sello. Se terminaron replanteando un poco igual después. Como dice Pepe, nos sentimos agradecidos con el trabajo que hicieron ellos, pero se cumplió un ciclo.