Meridiano de Zürich: "La música instrumental permite que cada persona arme su propio relato"

Entre 2015 y 2020, el post-rock en Chile vivió un periodo especialmente fértil y logró un impulso inédito: bandas como Baikonur —los primeros chilenos en llegar al Dunk!Fest, en 2016— abrieron camino para que proyectos como La Ciencia Simple, tortuganónima o La Bestia de Gevaudan comenzaran a girar por Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. A esa efervescencia se sumaron nuevos actos como Llueven Animales, Volkan, Howenh, Cola de Zorro o Covarrubias, respaldados por el trabajo de sellos y colectivos como Manjar Records, LeRockPsicophonique, Feral y Ladrido, consolidando una escena cada vez más visible.

 

Pero en pleno auge, la pandemia de 2020 frenó en seco ese crecimiento: lanzamientos, festivales y giras quedaron suspendidos. Entre los afectados estuvo Meridiano de Zürich, entonces un quinteto santiaguino que acababa de publicar “Saudade” (2019), su primer LP, y se preparaba para debutar en la edición 2020 del Dunk!Fest. Como muchas otras bandas, debieron detenerlo todo, esperar… y luego seguir esperando.

 

Hoy, con una nueva formación –ahora un cuarteto compuesto por Francisco del Campo, Alejandro Riveros, Matías Cabezas y Diego Cubillos– y, también una nueva perspectiva, la banda prepara un concierto especial para el próximo 3 de diciembre en Sala Master -con la apertura de Templos Lejanos-, instancia en la que lanzarán oficialmente su más reciente EP “The Circles Vol. 2”, la conclusión de un proyecto iniciado en 2024 y que marca el inicio de esta nueva etapa que Francisco del Campo, guitarrista y productor del conjunto (y antiguo bajista) señala que es “el cierre”, pero también “el inicio” de un ciclo.

 

“El final termina llegando al mismo punto de inicio”, asegura del Campo, quien en una entrevista exclusiva explica cómo, tras la pandemia, el conjunto debió replantearse aspectos tan esenciales como sus propias labores dentro del conjunto y el cómo perseguir objetivos cada vez más ambiciosos, pero desde la más completa y pura autogestión. Algo visible (y audible) en este conjunto de epés que fue grabado y mezclado por la misma banda con un resultado impresionante.

 

-Meridiano de Zürich lleva un buen tiempo ya como banda, pero se han enfrentado a distintas etapas de cambios, ya sea por situaciones personales o externalidades, como la pandemia. ¿Cómo ha modificado esto sus dinámicas de trabajo?

 

-La banda existe desde 2013 y, en todo ese recorrido, hemos pasado por distintas etapas y rotaciones que, más que quiebres, han sido un camino de aprendizaje. Cada cambio —personal, musical o externo— nos obligó a replantear la forma en que trabajamos y a reencontrarnos con la esencia del proyecto. La pandemia también fue un punto clave: además de frenar procesos, impidió nuestra participación en el Dunk!Fest, que era un hito muy importante para nosotros. Teníamos esta especie de “eurotrip” listo junto a Jason Sissoyev de la banda Coastlands. Y todo eso se perdió.

 

Fue horrible, pero entendemos ahora que es parte del ciclo: un quiebre que nos empujó a volver también a nuestras raíces. Por lo mismo, esta nueva etapa que hoy estamos viviendo se siente con más claridad y energía que nunca. Y por esa razón también creemos que nuestras dinámicas se volvieron más conscientes, más simples, más conectadas. Hoy trabajamos desde un lugar muy real, sin tantas vueltas, y creo que eso se refleja totalmente en “The Circles Vol 1 y 2”.

 

-Tú pasaste del bajo a la guitarra. ¿Cómo han afectado los cambios de alineación al trabajo de composición actual de la banda?

 

-El paso del bajo a la guitarra se dio a partir de un cambio natural en la banda. La salida de un integrante nos obligó a reorganizar roles y ahí decidí asumir la guitarra, que para mí en lo personal es un pilar sonoro fundamental en el sonido de Meridiano. Es un puesto que tomé con harto respeto y responsabilidad, pero también con la motivación de aportar ideas nuevas. Ese cambio me abrió completamente el espectro musical: tomar clases de piano con mi hermano Eduardo del Campo me dio herramientas que hoy son claves en nuestro sonido y en cómo abordamos esta nueva etapa.

 

En ese mismo proceso pensé en quién podía ocupar mi lugar en el bajo, y fue cuando llamé a Diego Cubillos. Para mí no fue fácil soltar el instrumento con el que fundé la banda, pero se dio de forma muy natural y cercana. Diego se integró con mucha energía y se transformó rápidamente en un pilar importante para este ciclo. Hoy estamos componiendo piezas más cortas, más directas y hechas con mucho cariño. Todo este movimiento interno terminó renovando la identidad de Meridiano, impulsándonos hacia un sonido propio y más consciente

 

-Háblame de estos dos EP’s, el volumen 1 y 2 de “The Circles” que salieron entre el 2024 y 2025. Hay todo un concepto sobre lo circular o lo cíclico, el retorno a donde todo comienza. ¿A qué se debe esto? ¿Cuál es la inspiración?

 

-La idea de lo circular y lo cíclico no es solo un concepto artístico: es nuestra realidad como banda. Entre 2024 y 2025 volvimos a encontrarnos después de años de cambios, y sentimos muy fuerte esta idea de regresar al origen, a ese lugar donde partió todo. Con Alejandro y Matías nos conocemos hace más de 20 años; fuimos vecinos, crecimos juntos, y nuestras primeras bandas nacieron literalmente entre nuestras casas. Ensayábamos en sus livings y en el mío —mi mamá nos dejaba tocar con batería desde las tres de la tarde hasta las ocho, un verdadero caos— y esos recuerdos son súper significativos para nosotros.

 

A fin de cuentas, antes que banda somos amigos, casi hermanos, y todo este recorrido nos llevó nuevamente a ese espíritu inicial: hacer música desde la simpleza, desde lo que sentimos, desde lo que nos une. “The Circles” nace justamente de ahí, de cerrar y abrir ciclos, de reencontrarnos con lo esencial y de aceptar que, aunque la vida dé mil vueltas, siempre terminamos volviendo al mismo lugar donde comenzó todo.

 

 

-¿Cómo puede la música instrumental transmitir o “hablar” de algo a través del sonido y sin la literalidad de las letras?

 

-Para nosotros, la música instrumental permite que cada persona arme su propio relato, comunica desde un lugar distinto. Uno que no necesita explicarse tanto. Las letras ordenan las ideas, pero el sonido te deja sentir. Trabajamos con texturas, silencios, atmósferas… cosas que te van llevando a un estado sin tener que decirlo literalmente. También vemos el instrumental de una manera un poco distinta a lo que se espera del post-rock. Tenemos gustos súper diversos, y eso hace que a veces un instrumento termine siendo casi la voz. En nuestro caso, la guitarra suele tomar ese papel y ahí construimos las melodías que cuentan lo que queremos expresar. Y, en lo personal, para mí las sensaciones son todo. La música te pega distinto según el momento en que la escuchas, y eso en lo instrumental es clave. Esa libertad de sentir y de interpretar es lo que más nos mueve cuando hacemos música.

 

-¿Qué es lo más importante para ustedes a la hora de componer y hacer música?

 

-Para nosotros lo más importante es sentirnos cómodos con lo que estamos haciendo, que la música nazca porque realmente nos gusta y no porque “tiene que salir algo”. También influye mucho el estado en el que uno está; todos tenemos trabajos y responsabilidades, y a veces cuesta desconectarse para entrar en el mood creativo. Por eso, nuestro proceso se volvió más híbrido. Hay momentos en que uno o dos avanzan en ideas y después el resto se suma. Muchas veces yo propongo una maqueta y desde ahí termina naciendo una canción totalmente distinta, pero ya con una base emocional o sonora que guía el camino. Ha sido algo nuevo para nosotros, porque antes componíamos de otra forma, más tradicional. Ahora trabajamos desde ideas más preproducidas, y cada uno va poniendo su sazón, su intención, su energía. Eso para nosotros es clave: que la música se arme de manera orgánica y que cada integrante pueda aportar desde lo que le nace. Así se ha ido construyendo esta etapa de Meridiano de Zürich.

 

-“The Circles, Vol. 2” se diferencia de su antecesor en varias cosas: si bien es un EP de post-rock de la 2da o 3ra ola bastante marcado –están las influencias clásicas del género–, pero también es posible encontrar ciertas sonoridades más ochenteras, hasta medias góticas. Además, tiene un trabajo de producción mucho más cuidado. ¿Cómo fue el proceso para la construcción de este sonido?

 

-El sonido de “The Circles, Vol. 2” nace totalmente desde un proceso DIY (do-it-yourself). Todo lo grabamos en casa, sin la presión de tiempos de estudio, y eso nos dio una libertad creativa enorme. Poder trabajar así nos permitió explorar, equivocarnos, probar ideas y encontrar un lenguaje propio. Igual siempre nos apoyamos en gente cercana que ha sido parte de nuestra historia —como Israel Muchnick y Rodrigo Arias Muñoz— que han estado desde los primeros discos y que siguen siendo un pilar para nosotros. En el “Vol. 1” estábamos aprendiendo a producirnos solos; era la apertura de esta nueva etapa. En el “Vol. 2” ya llegamos más maduros, aplicando samplers, capas de guitarras procesadas, delays que luego convertimos en texturas, y un trabajo de postproducción mucho más fino. Cada uno aportó un pedacito y eso terminó armando un sonido más sólido y definido.

 

En lo personal, este EP está súper influenciado por bandas que siempre han marcado nuestro ADN: The Cure, Slowdive, Caspian, Dredg, Clan of Xymox, Deftones, Radio Dept, Wild Nothing, Lucybell. Pero también la era noventera, medio shoegaze, de Soda Stereo, es para mí un punto clave sonoro. Y obviamente hay muchas cosas actuales. Aunque somos una banda que se cataloga dentro del post-rock, venimos de escuelas muy distintas: el hardcore californiano, el indie, el new wave, el post-punk, el shoegaze… y también escuchamos música nueva de muchos géneros. Esa mezcla termina dándole un sello particular a Meridiano. A mí me encanta escuchar de todo, y eso me nutre para producir. Descubrir herramientas como los plugins de sintetizadores clásicos abrió mi espectro creativo. Todas esas exploraciones terminaron influyendo en cómo construimos las atmósferas y las sensaciones de este “Vol. 2”.

 

-Además, entiendo que el arte de estos EP tiene un componente visual importante, ¿no?

 

-Sí, ha sido muy especial colaborar con Paris Bilal, un ilustrador pakistaní que nos aportó con su arte para las carátulas de esta etapa. Su estilo y su visión conectaron perfecto con el concepto de “The Circles”, y sentimos que logró darle un universo visual que complementa súper bien nuestra música.

 

-Han pasado seis años desde “Saudade”, su primer y único LP, que, desgraciadamente, se vio un poco “truncado”, primero por el Estallido Social, y luego por la pandemia que retrasó todos los procesos de presentaciones en vivo e, incluso, su viaje al Dunk!Fest. ¿Cómo ven en retrospectiva ese álbum y, por supuesto, la época en que salió?

 

-A “Saudade” lo miramos con mucho cariño. Fue un disco que nos tomó cuatro años hacerlo y que, más allá del resultado, significó un proceso enorme de aprendizaje. Tiene recuerdos bonitos, momentos importantes, nuestro primer videoclip ‘EVRST’, que se hizo gracias a nuestro amigo, el director Marcelo Sanhueza que con esa pieza audiovisual fue a lucirse a otros países y hasta ganó premios. Lamentablemente no pudimos vivirlo como queríamos: no hubo lanzamiento en vivo, se cayeron fechas y la gira a Europa, y todo se vio totalmente frenado por que coincidió primero con el estallido social y después la pandemia. Aun así, no lo vemos con frustración, sino como un hito que nos enseñó mucho para esta etapa actual. Hoy preferimos no tocar tan seguido. Queremos que cada show de Meridiano sea algo especial, que tenga sentido, que tenga intención. Sentimos que así la música se vive de forma más honesta.

 

Hace poco subimos “The Circles – The Journey Complete”, que reúne los dos volúmenes, los dos EP en un solo LP. Para nosotros tenía lógica juntarlos, porque hay canciones de ambos discos que conversan entre sí, casi como hermanas. Escucharlo de principio a fin es entender ese ciclo completo: cómo el final termina llegando al mismo punto del inicio. Esa es la invitación que les hacemos: escucharlo sin apuro, dejarse llevar y encontrar la sorpresa que guarda ese viaje.

 

-¿Ya no trabajan con LeRockPsicophonique?

 

-Con LeRock siempre hubo una muy buena relación y estamos agradecidos por la etapa que compartimos, sobre todo en los años de “Saudade” y la gira que pudimos hacer al sur del país. Fue un periodo importante para la banda y lo recordamos con cariño. Pero hoy estamos funcionando de otra manera.

 

-¿Optaron por autogestionar todo?

 

-Sí, sí, nos movimos hacia un formato mucho más do-it-yourself. O sea, producimos, grabamos y trabajamos el sonido desde casa, junto a amigos que han sido parte fundamental del proceso. También estamos autogestionando la distribución y el vínculo con medios, y ahí ha sido clave trabajar con nuestro amigo Felipe Arriagada, que nos ha ayudado muchísimo a ordenar esta nueva etapa.

 

-El post-rock tuvo una época muy de auge en Chile hace algunos años, sobre todo por ahí entre el 2015 y el 2019. Pero pareciera que posterior a la pandemia muchos de esos proyectos o se movieron para otros sonidos o simplemente desaparecieron. ¿Qué les hace a ustedes seguir explorando estos sonidos?

 

-Para nosotros el post-rock sigue siendo importante porque es el lenguaje donde sentimos que nuestra música realmente encaja. Es el espacio donde nos reflejamos y donde podemos expresarnos con libertad. Lo que nos motiva a seguir en este territorio no es repetir lo que ya existe, sino abrir el género a otras posibilidades sonoras. Nos interesa mezclar mundos: traer influencias de distintos estilos y hacer que convivan dentro del instrumental. Esa conexión entre géneros, entre texturas y lenguajes que no necesariamente vienen del post-rock, es lo que nos mantiene creando. Creemos que ahí hay un terreno muy rico para seguir explorando.

 

-Van a cerrar el año con un gran show en Sala Master. ¿Qué esperan de esta presentación?

 

-Hace poco tocamos en el Club Subterráneo y fue muy especial, apenas nuestra segunda presentación en esta nueva etapa. Sentimos que fue una linda previa para lo que viene ahora en Sala Master. Para este show esperamos algo realmente significativo: conectar con la gente y que la gente conecte con nosotros. Estamos preparando un concierto muy cuidado, que además será transmitido por la radio ese mismo día. Nos gustaría ver la sala llena: amigos, familia, gente que nos sigue desde los inicios y quienes se han ido sumando. Es un momento importante para presentar estas dos piezas que cierran el ciclo de “The Circles”. La idea es que este show marque un puntapié para lo que queremos hacer el próximo año: tocar más, planear giras —incluido el sur— y mover este material en vivo como corresponde. También tendremos la edición física del Vol. 2 disponible ese día. Los tickets aún están en preventa, así que están todos invitados.

 

-¿Qué es lo mejor de tocar en vivo?

 

-La vibra que se genera ahí, en el momento. Esa energía no puede replicarse en ningún otro lado. Para mí también ha cambiado mucho la percepción desde que pasé de bajista a guitarrista. Son experiencias distintas: las dos son bonitas, pero cada una tiene su propia forma de sentir el show. Ahora, desde la guitarra, juego más con texturas y atmósferas, y eso hace que la conexión con el público se sienta distinta. Pero en verdad cada integrante tiene un rol clave: todos aportamos a esa emocionalidad que hace que un show cobre sentido. Cuando todo eso se junta en vivo, cuando las sensaciones se alinean, ahí aparece lo más especial de tocar.

 

Fabián Escudero