Syd dePalma: "La música es mi vía de escape"

Entre ciudades y melodías, Milton Castellar recorre su propio camino

Jueves, 13 de Noviembre de 2025

Desde tocar guitarras e interpretar temas de The Strokes, Blur y Arctic Monkeys en los pueblos alrededor de Granada, hasta consolidarse como Syd dePalma, Milton Castellar ha recorrido un camino de constante exploración musical y transformación personal. Tras su paso por M.A.D! y su etapa solista como Galera, el músico encontró en esta nueva identidad una forma de reconstruirse a sí mismo a través de la experimentación y la emoción. Su debut “El Lugar de Arder” (2023) lo mostró introspectivo y visceral, mientras que su próximo álbum, “paris”, promete ser una evolución más clara y consciente: canciones más directas, con un enfoque pop y una producción cálida, sin perder la profundidad que lo caracteriza.

Milton, primero formaste parte de M.A.D!, luego comenzaste tu camino en solitario bajo el alias Galera, y ahora te presentas como Syd dePalma. ¿Cómo definirías este proyecto actual y en qué se diferencia de tus etapas anteriores? ¿Y cómo fue ese paso de trabajar en banda a hacerlo solo?

Mi primera banda la formé con 15 o 16 años, en los pueblos alrededor de Granada. Éramos tres colegas, tocábamos versiones de The Strokes, Blur, Arctic Monkeys, cosas así. Yo cantaba y tocaba la guitarra. Después, a los veinte o veintiún años, toqué en M.A.D! con dos amigos de Rubí -un municipio cerca de Barcelona-, y ahí empezamos a hacer música más electrónica. Fue un cambio natural, empecé a conocer gente que usaba Ableton, a comprarme mis propias máquinas y dejé de darle golpes a las guitarras.

Syd dePalma nació cuando quería hacer algo más redondo, más conceptual y más cercano a mí. Llevaba años sacando EPs y necesitaba ponerme una nueva careta para atreverme a sacar un álbum. Este proyecto nació en Berlín, en un momento donde sentía que podía hacerlo con libertad.

Has vivido en lugares muy distintos, desde Granada hasta Berlín y ahora Barcelona. ¿Cómo han influido estos entornos en tu música?

Cada ciudad me ha marcado de forma distinta. Granada es raíz, Berlín es inspiración pura y Madrid es humanidad. En Berlín me sentía muy inspirado, cada esquina tenía algo, aunque la ciudad sea fea; todo era más fácil, más relajado para crear, más libre para ser artista. Madrid, en cambio, me inspira por la gente, la noche y lo que pasa en los bares: es una ciudad que te acoge. Barcelona, en cambio, me cuesta más; no me inspira casi nada, la siento como un parque temático que ha perdido su magia, vendida al diablo, parece un Starbucks.

¿De dónde nace ese amor por la música?

De mi padre. Me ponía música todo el tiempo: Frank Zappa, de todo. Era un melómano. Me llevó a conciertos, me apuntó a clases de música… Me puso tanta música que al final creó un monstruo.

El 1 de octubre lanzaste “Plataformas y Sexo”. ¿Qué nos puedes contar sobre él y qué buscabas transmitir?

Tiene una onda muy triphopera. Lo compuse yo, y la voz la grabó una amiga de toda la vida, Heather Cameron. Intentamos que cantara en castellano, pero no quedaba bien, así que terminó haciéndolo en inglés. La idea nació una noche en Madrid, cuando fui con un amigo a una fiesta de techno. Era un sitio con muchas chicas con plataformas, mucha gente, pero yo sentía un silencio raro, como si estuviera fuera de lugar. Esa sensación fue lo que me inspiró.

Tu primer álbum largo, “El lugar de arder”, tiene un sonido muy particular, oscuro y con muchas texturas. ¿Qué aprendiste de ese primer disco que te sirvió para este EP?

Ese disco nació de la sensación de dejarse arder, muy lentamente, de sentir el fuego como algo que te va consumiendo poco a poco. Hubo mucha experimentación, sobre todo en cómo quería que sonaran las voces y las guitarras. Entre las canciones había una retroalimentación constante: todo avanzaba en paralelo hacia un mismo sitio. Lo grabé en un estudio en Berlín, durante dos o tres años. Pasaron muchas cosas entre medio -mudanzas, trabajos-, pero ese proceso me ayudó a encontrar mi identidad. Satisfecho del todo no quedé, pero encontré quién era.

Has comentado que muchas de tus canciones empiezan como ideas iniciales y que tu proceso es de prueba y error. En este EP, ¿te dejaste llevar más por la improvisación o trabajaste de manera más estructurada?

Sigo funcionando por prueba y error. Empiezo una canción, hago un 30% y salto a otra. Si encuentro algo que me gusta, lo repito o lo transformo en otra canción. Al final todas se retroalimentan.

Tu música mezcla influencias muy diversas, desde Sega Bodega hasta Enrique Morente, y usas sampleos de todo tipo. ¿Cómo decides qué incorporar y cómo hacerlo tuyo?

Creo que tengo algo muy mío en la forma de hacer melodías. Muchas veces “copio” acordes que ya hice antes, pero los trato de otra forma. También me inspiro inconscientemente: escucho algo, se me queda en la cabeza, y cuando lo reproduzco ya suena distinto, más mío.

Cuando quiero buscar un sonido flamenco, por ejemplo, pienso en Enrique Morente. Uno ya tiene en la mente cómo suena cada estilo, y a partir de ahí lo reinterpreto.

“paris”: nuevas formas de identidad

Tu segundo álbum “paris” saldrá el 31 de octubre. ¿Qué podemos esperar de este nuevo trabajo y qué tiene de distinto a lo anterior?

“paris” no tiene nada que ver con la ciudad. El título nace de mi amor por el nombre, simplemente. Las canciones son como diferentes personalidades, un ente que no se sabe si es masculino o femenino, ni siquiera si es una persona. “paris” engloba a todas esas voces; por eso está en minúscula, para que se entienda que no es alguien en particular. Hay temas en primera persona, otros en tercera, otros donde canta una chica… Al final no hablo de mí, sino de ese ente.

A nivel sonoro, intenté componer canciones más pop. En el primer disco, muchas piezas eran como un puzzle que dependía de la producción. En este quería que, si alguien toma una guitarra o un piano, pueda tocarlo. Hay más guitarras acústicas, la voz está más alta, las letras son más largas. Es un disco más vendible, pero igual de personal.

Mirando hacia adelante, ¿hay sonidos o colaboraciones que tengas ganas de explorar en tus próximos proyectos?

No me gusta forzar nada. Las colaboraciones que he tenido han sido por casualidad, por destino. Con El Niño de Elche fue así: me escribió para saber cómo iba el disco y a las dos semanas ya me había mandado su parte. Me gusta que haya confianza, un “colegueo”. Si pudiera elegir, me gustaría colaborar con Valentina Magaletti, una baterista que me encanta. Me gustaría trabajar más con baterías, porque no es un instrumento que controle bien.

¿Has tenido algún tipo de vínculo con la escena musical chilena o conoces algo de la música que se hace acá? ¿Te gustaría presentarte en Chile?

No, la verdad es que no he tenido contacto. El único chileno que conocí se llamaba Pablo, lo conocí en Berlín, ayudaba a grabar a otros músicos. Pero tengo muchas ganas de tocar en Sudamérica. Solo he tocado en Europa, y me gustaría intentarlo el próximo año.

Creo que México es más fácil para empezar, sobre todo porque el chico que toca la batería conmigo es mexicano, y quizás por ahí se puede armar algo.

Mirando atrás en tu trayectoria, ¿qué te ha enseñado la música sobre quién eres y cómo eso influye en lo que creas ahora?

La música la necesito continuamente. Es mi vía de escape. Si no hago música, me pongo mal. Cuando toco, me siento al cien por cien. No soy un gran oyente de música: no la pongo de fondo, porque sería una falta de respeto hacia el artista. Pero cuando la escucho, la vivo, la siento. Me he puesto a llorar con canciones mías.

Y para quienes escuchen tu música, ¿qué te gustaría que sientan o se lleven?

Que se lo lleven a su terreno. Que lo hagan suyo, que lo moldeen con su personalidad y su corazón. Si se lo apropian y lo sienten propio, eso ya es lo más genial del mundo.

Luciano Van Gatti