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Los sonidos de la década 2008-2018: Pt.2

Los sonidos de la dcada 2008-2018: Pt.2

Tras el lanzamiento de su debut, Greeta Van Fleet levantó mucho polvo en la prensa especializada y la crítica no se hizo esperar. Los detractores ladraron  inmediatamente y conceptos como “plagio”, “falta de originalidad” o “refrito” inundaron los comentarios de un disco que, como advertimos en la primera parte de este artículo, todo el mundo se lanzó a devorar. Por supuesto, esta situación no es nueva, ya que no han sido pocas las bandas vapuleadas en sus primeros reviews por dejar que sus influencias salten demasiado a la vista.

En el otro lado del espectro, están los que ponen rápidamente la cruz de la renovación sobre los hombros de cualquier agrupación que gane un mínimo de reconocimiento, lo cual termina causando un efecto nocivo y no deja que estas se desarrollen a sus anchas en un mundo que gira demasiado rápido. No olvidemos que los mismos Led Zeppelin fueron destrozados por ciertos pasquines en su momento, ¡y miren lo que nos hubiésemos perdido si hubiesen hecho caso a tanta mala leche!

Puede que la última década tenga mucho de reutilización y poco de originalidad, pero recordemos que la gracia del reciclaje es tomar un material y darle una nueva vida, consigna cómoda para muchas bandas, pero en ningún caso despreciable. Más allá de cualquier comentario negativo o búsqueda afiebrada para encontrar a los próximos salvadores del rock, no podemos negar que esta década ha sonado - y sigue sonando- muy bien.

Asking Alexandria
El guitarrista Ben Bruce formó originalmente AA en Dubai, pero fue su regreso a Inglaterra y a una segunda alineación lo que los llevó a protagonizar festivales de la mejor talla como una de las puntas de lanza del metalcore británico. Su carrera ha sido tan vertiginosa como el recorrido de una montaña rusa, ya que han ganado una fiel base de fanáticos y el reconocimiento de la industria, pero también han tenido que enfrentar rehabilitaciones, diversos cambios de formación y las idas y vueltas de su vocalista Danny Worsnop. Actualmente, siguen en pie y el año pasado lanzaron el homónimo “Asking Alexandria” (2017), disco que cuenta con su formación original y se reconcilia con su historia a pesar de sus aventuras y desventuras.

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Pierce The Veil
Se formaron en el 2006 a partir de las cenizas de la banda Before Today, en la bullada escena punk rock de San Diego. Ya como Pierce The Veil, Vic Fuentes, Tony Perry, Jamie Preciado y Mike Fuentes lanzaron dos discos exitosos como “A Flair To The Dramatic” (2007) y “Selfish Machines” (2010), pero fue “Collide With the Sky” (2012) el que los posicionó en el circuito rockero mundial con su tono más pesado y complejo. “Misadventures”(2016) es su último larga duración, un registro intenso que espera su sucesor durante el 2019 y que marcaría el regreso de los estadounidenses tras el hiato ocasionado por las acusaciones de abuso sexual que Mike Fuentes enfrentó en noviembre de 2017.

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Bring Me the Horizon
Con seis discos de estudio que muestran una respetable evolución, Oliver Sykes y los suyos han vivido un ascenso gradual hacia el firmamento rockero, convirtiéndose en uno de los puntales de una generación que no teme a los cambios de piel y está dispuesta a crecer con su audiencia a punta de perseverancia y shows demoledores. Su transformación desde el deathcore con tintes emo que encantó a una audiencia joven en “Count Your Blessings” (2006) y “Suicide Season” (2008) hasta el rompedor éxito comercial de “That’s the Spirit” (2015) ha acrecentado la expectativa ante su inminente nueva placa “Amo” (2019), del cual ya podemos escuchar ‘Mantra’ y ‘Wonderful Life , cortes que de seguro acompañarán el amplio catálogo que mostrarán en las próximas ediciones de Lollapalooza Chile, Argentina y Brasil.

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Bullet For My Valentine
Los liderados por Matt Tuck se erigieron como uno de los líderes indiscutidos del metalcore británico con “The Poison” (2005) y “Scream Aim Fire” (2008) para alcanzar el estatus de verdaderos referentes generacionales con su tercer largo “Fever” (2010), inyectando sangre nueva al estilo y cimentando su carrera como uno de los actos más contundentes del mundo. Pero tras “Temper Temper” (2013) y “Venom” (2015), la banda giró hacia un estilo moderado que los fanáticos más conservadores no recibieron de muy buena gana, pero que aún así genera cifras meteóricas. En la actualidad, “Gravity” (2018) refuerza la tendencia, demuestra su madurez y extiende sus alas para seguir creciendo.

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Black Veil Brides
En los albores de BVB, el vocalista Andy Biersack tenía la película bastante clara: aprovechar el último aliento del metalcore de finales de los 00s, estructurarlo con guiños al heavy metal más clásico y vestirlo a la manera de Mötley Crue y Kiss. La fórmula dio resultado y se materializó en el debut “We Stitch These Wounds” (2010), con el que entraron directamente al puesto 36 en la lista Billboard’s Top 200. Cambiando de estilo frecuentemente, con paradas incluso en el glam rock o el hard rock,  la banda sigue encantando a sus fanáticos con “Vale” (2018), placa que los ve más resueltos, lanzando ganchos por doquier y manteniéndose fieles a un sonido que, a pesar de coquetear con épocas pasadas, se mantiene fresco para seguir rockeando corazones solitarios.

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Alcest
Lo de Alcest podría catalogarse simplemente como música de otro planeta. El proyecto está comandado por el compositor y multiinstrumentista francés Neige, quien estableció las bases para lo que luego se conocería como Blackgaze, mezcla entre black metal y shoegaze que desembocaría en su primer EP “Le Secret” (2005) y se extendería en los registros “Souvenirs D Un Autre Monde” (2007), “Écailles De Lune” (2010) y “Les Voyages De L Ame” (2012). Ampliaron su audiencia con “Shelter”(2014), cruzando hacia planicies con aromas a dream pop, pero regresaron a la sonoridad que sus fanáticos adoran en “Kodama” (2016), álbum inspirado en la película "La Princesa Mononoke" de Hayao Miyazaki que combina elementos poéticos con pasajes oscuros, los cuales producen un registro extraño y a la vez interesante que refleja la revitalización del black metal.

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Deafheaven
Provenientes de California, Deafheaven se formó en 2010 con la misión encontrar el punto de unión entre la desgarrada oscuridad del black metal y la belleza espacial del post rock, fórmula que ganó reconocimiento a gran escala en su segundo disco “Sunbather” (2013), el cual los  transformó en una de las bandas de culto más requeridas del blackgaze norteamericano. Con el éxito vino el frenesí y el grupo tuvo que enfrentarse a sus demonios para renacer en su último disco “Ordinary Corrupt Human Love” (2018), entrega que deja atrás su pasado oscuro y alcanza nuevos horizontes para reinventarse, siempre amparados en un sonido de calidad que le entrega frescura a la escena metalera.

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Kvelertak
Formados en el 2007 y amparados en la mitología nórdica, el sexteto noruego cortó unas cuantas cabezas con su debut homónimo “Kvelertak” (2010) y su secuela “Meir” (2013), en los que se aprecia una interesante convergencia entre el Rock N Roll y el death metal, pero que experimentó un giro en el siguiente “Nattesferd” (2016), bajando las revoluciones en pos de aires más clásicos que dividieron a sus fanáticos, a pesar de ser un paso muy inteligente. Justo en el momento de mayor visibilidad, su vocalista Erlend Hjelvik dio un paso al costado en julio del 2018 por motivos personales, noticia que dejó petrificado a sus seguidores y a un medio que se ha mantenido atento a todos sus pasos. Afortunadamente, el sexteto ya reclutó a Ivar Nikolaisen para ocupar el micrófono principal y planean un cuarto disco para el 2019, tarea que el recién llegado tiene bastante difícil considerando los zapatos que debe llenar.

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Zeal & Ardor
Hijo de padre suizo y madre estadounidense, Manuel Gagneux es el artífice de un experimento que transgrede las barreras genéricas para crear ambientes sonoros que transitan por el blues, el gospel, la electrónica y el black metal. Su radical combinación no pasó desapercibida para el mundo del metal, por lo que fanáticos y críticos se deshicieron en alabanzas comentando el debut “Devil Is Fine” (2016), capaz de unir galaxias musicales inalcanzables para cualquier mortal. En 2017, el proyecto se convirtió en una banda completa con la adición de Denis Wagner y Marc Obrist como vocalistas de soporte, Tiziano Volante en la guitarra, Mia Rafaela Dieu en el bajo y Marco Von Allmen en la batería, lo que les permitió participar en el Roadburn Festival en el mismo año. “Stranger Fruit” (2018) es su registro más reciente y sigue desafiando los parámetros de lo establecido con la difícil misión de gozar con la aceptación del medio y aún así mantenerse en la resistencia sin transar los valores que los hacen únicos.

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Torche
Pueden tener riffs desopilantes y baterías estridentes, pero ellos no se consideran como una banda de metal. Sus composiciones no esconden el gusto por la melodía y logran trazar un puente entre estilos como el stoner o el sludge y el rock de arenas con un gancho infalible. Luego de tres discos de estudio, firmaron con Relapse records y lanzaron “Restarter” (2015), producción con la que regresaron al sonido más pesado después de “Meanderthal” (2008) o “Harmonicraft” (2012), siempre en sus propios términos. Lejos de la imaginería clásica del estilo, Torche se define como un grupo de tipos normales que tocan canciones en tonos bajos, pero con un ánimo bien arriba combatiendo todo tipo de estereotipos.

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Turnstile
El combo de hardcore está metiendo ruido desde el 2010 y lograron convertirse rápidamente en uno de los más visibles de su natal Baltimore, Maryland. Tras el debut “Nonstop Feeling” (2015), obtuvieron reconocimiento gracias un disco entretenido que encantó incluso al fanático más purista, con secciones agresivas que se combinan a la perfección con texturas alternativas. El sophomore “Time And Space” (2018) demuestra que Turnstile maneja su lenguaje a la perfección, tanto así que establecen sus propias reglas y corren el cerco de lo establecido en un género que, extrañamente, aún intenta mantener la idea de “pureza” en un ecosistema musical que se precia de su heterogeneidad.

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Black Stone Cherry
El cuarteto conformado por Chris Robertson en la voz y guitarra, Ben Wells en la guitarra principal, Jon Lawhon en el bajo y John Fred Young en la batería defiende a muerte los valores del rock sureño y así lo han mantenido a través de seis discos que solo han entregado canciones redondas. Los de Kentucky siempre han luchado por mantener las cosas en su estado más puro, y por eso tomaron la sartén por el mango para producir y mezclar sus trabajos como respuesta a las presiones que vivieron en el pasado. “Kentucky” (2016) y “The Family Tree” (2018) dan cuenta de ese espíritu libre y entregan un rock que no reinventa la rueda, pero la mantiene girando. El mismo Robertson lo resume así: “Solo queremos hacer música que nos haga sentir bien. Si no te estás divirtiendo, no hay razón para hacerlo”.

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The xx
Reconocidos ampliamente por su minimalismo musical, Rommy Madley Croft, Olvier Sim y Baria Qureshi lograron encaramarse en las listas con el debut “XX” (2009), acaparando rápidamente la atención del circuito indie y electrónico por sus atmósferas envolventes y cautivantes que se podían percibir desde que el single “Crystalized” apareció en el radar. Tras el segundo “Coexist” (2012), las tensiones que vienen con el éxito empezaron a hacer mella en el seno de la banda, pero superaron todo tipo de desavenencias para reconectarse con su amistad y crear “I See You” (2016), disco más reciente en el que encaran una nueva etapa y resume bien la actualidad de un trío que se siente más maduro y conectado consigo mismo.

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Metz
Amparados en la mítica Sub Pop, Metz se ha ganado el respeto del medio como una fuerza indiscutible en el directo y tres discos que avalan una carrera incuestionable. Su homónimo generó ruido gracias a sus 30 y tantos minutos de puro caos originado a partir de un sonido crudo que mantuvo su desenfreno en el siguientes “II” (2015), probando que lo suyo venía en serio. El último “Strange Peace” (2017) tuvo al gran Steve Albini en las perillas, sacando a relucir toda la rabia y la suciedad que el trío canadiense bota a destajo por los parlantes a punta de guitarrazos sucios y distorsionados.

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King Gizzard and The Lizard Wizard
Es increíble pensar que King Gizzard and The Lizard Wizard ya suma 13 publicaciones, considerando que su viaje discográfico recién comenzó en el 2012. Hiperactivos como ellos solos, los australianos son capaces de poner el mundo de cabeza con desvaríos psicodélicos como “I’m In Your Mind Fuzz” (2014) o lanzarse de lleno a lo acústico en Paper Mâché Dream Balloon (2015), demostrando que la versatilidad es su mejor cualidad. Armados como septeto con una verdadera orquesta eléctrica que incluye flautas, armónicas y percusiones varias, KG&TLW desarrolla directos pletóricos que azotan con la fuerza de un huracán, cimentando la leyenda de una agrupación que se encuentra en lo más alto de la vanguardia mundial y que vale la pena seguir atentamente.

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Ty Segall
El compositor, productor y multiintrumentista es conocido por su abundante carrera en la que viene publicando casi un disco por año hace ya una década, ciertamente un nombre ineludible para los seguidores de la escena alternativa actual. Ha madurado desde el garage rock hacia un sonido mucho más ecléctico que en “Freedom’s Goblin” (2018), uno de los cinco discos que publicó solo este año, alcanza un nivel de composición muy trabajado que golpea de inmediato con sus detalles psicodélicos o su recorrido por estilos como el funk, el soul o incluso el free jazz, lo que proporciona un verdadero viaje sensorial sin escalas. Claramente, el californiano no da señales de agotamiento y apuesta a convertirse en uno de los artistas más prolíficos de nuestro tiempo.

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St. Vincent
Anne Erin Clark, conocida en todo el mundo como St. Vincent, trajo una nueva clase de sofisticación al panorama musical, capaz de entrelazar paisajes etéreos con hermosas melodías que van desde el soft rock al jazz, pasando por la música experimental y el electropop con gran soltura. Con cinco trabajos de alta factura, la artista visitará nuevamente Sudamérica el próximo año, instancia en la que presentará el reciente “Masseduction” (2017), un disco en el que, según la misma artista, convergen la visión artística del fotógrafo Guy Bourdin y la sonoridad destemplada de The Cramps para relatar historias íntimas que revelan el carácter de uno de los personajes más transgresores de nuestra época.

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Alabama Shakes
Muchos quedaron prendados con su carisma y su sonido directo cuando visitaron nuestro país el 2013 en la tercera versión de Lollapalloza Chile, pero la verdad es que el fenómeno empezó un poco antes cuando tomaron a todos por asalto con “Boys & Girls” (2012), un debut descarado que emanaba franqueza por todos sus rincones. Con el mundo a sus pies, volvieron el 2016 para consolidar ese respeto que se ganaron a punta de canciones honestas y una vibra íntima que imprimen sin importar cuán grande sea el escenario. “Sound & Color” (2015) es su último disco y demostró ser un gran salto en comparación con el primero, además prueba con argumentos sólidos porque el grupo liderado por Brittany Howard deslumbra a tantos con su música del alma.

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Monster Truck
El cuarteto canadiense se formó en 2009 y desde ahí se forjaron como cultores de un rock a la vena que brilló desde su debut “Furiosity” (2013), el cual los hizo ganar el premio Juno como Banda revelación de ese año. Tras girar en 2014 con Alice In Chains, lanzaron “Sittin’ Heavy” (2016), segundo álbum que cosechó tantas buenas críticas como el primero, y en la actualidad están defendiendo “True Rockers” (2018), que incluye un dueto con el ex Twisted Sister Dee Snider, interesante unión de generaciones que respalda a un combo que ya ha triunfado en los escenarios principales de los mejores certámenes del planeta.

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The Amazons
Con el respaldo de medios como The Independent, MTV, BBC y NME, The Amazons llega en el momento justo desde la cuna del rock, Inglaterra, con un homónimo lanzado el 2017 que beben del rock alternativo noventero y lo mezclan con el indie de principios de los 2000, algunos elementos electrónicos y folk. Reciben buenas críticas cada vez que aparecen en algún festival, gracias al carisma que Matt Thomson, Chris Alderton, Elliot Briggs y Joe Emmett imprimen en presentaciones energéticas que dan mucho que hablar.

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Shame
“La idea del rockstar es ofensiva”, comenta el veinteañero vocalista Charlie Steen a un periodista de The Guardian, una proclama casi tan incendiaria como su primer y único registro llamado “Songs Of Praise” (2018), colección de canciones descaradas, venenosas y ásperas que tienen un tufillo a The  Fall, pero con el vigor y la furia necesarias para tomar por asalto a cualquiera. Su tenacidad los convierte en un objeto exquisito en el panorama actual y eso los destaca en una nueva escena londinense que se forjó a puro pulso y mantiene el gusto por las guitarras afiladas. Por lo pronto, habrá que estar atento a los próximos pasos de Steen y sus forajidos.

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Pablo Cerda



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