The Ocean: "Vemos la curiosidad como algo inocente y natural, y tal vez no lo es"

Tras la culminación de un ciclo marcado por la profundidad sintética y reflexiva de Holocene, el colectivo alemán de metal progresivo y post-rock The Ocean reemerge para transformar de forma radical su horizonte sonoro. Liderados por el guitarrista y compositor Robin Staps, la agrupación ha atravesado una profunda reestructuración en su alineación, abriendo los brazos a una nueva arquitectura vocal dividida entre los versátiles matices de Enrico Tiberi y la potencia de Leng Xi. Esta nueva metamorfosis cristaliza en "Solaris", un álbum conceptual que encuentra su brújula en el cine introspectivo de Andréi Tarkovski y las rutas históricas de intrépidos exploradores marítimos.

 

En esta extensa conversación exclusiva para Rockaxis, Staps profundiza en el proceso creativo detrás de su obra más ambiciosa hasta la fecha, el valor de abrazar la incertidumbre artística y el estrecho vínculo emocional que une al conjunto con los parajes australes de Chile y la Patagonia.

 

Hablar de The Ocean es tomar algo muy distinto dependiendo del disco que estemos abordando, todo tiene algo diferente y distintivo y eso obviamente debe venir desde la composición de estos proyectos. En ese sentido, ¿eliges a los músicos para que encajen en algo ya compuesto, o prefieres reunir a la banda primero y luego entrar de lleno al proceso creativo?

 

Para ser justos es un poco de los dos. El álbum ya estaba hecho una vez que la alineación anterior terminó y comencé la búsqueda de nuevos músicos, por lo tanto, sabía que tenía este disco y quería gente específica para poder trabajarlo. Sin embargo, también estaba muy interesado en poder ver qué podían aportar otros artistas a este trabajo que ya estaba armado y ver cómo podía transformarse al sumar nuevos elementos.

 

Creo que fue un proceso muy hermoso y que cuando comenzó no sabíamos dónde nos llevaría, porque fue un nuevo capítulo y donde tuvimos que conocernos para hacer este disco posible. Fue un proceso interesante que nos permitió experimentar mucho y eso también permitió aceptar fracasos, que es lo más importante, porque no todo llega al resultado final, pero cuando lo logras puedes llegar a algo asombroso y permitir eso es algo difícil. No tuvimos tabúes, ni una idea base, fue ir viendo que ocurría con las ideas que teníamos y como cada uno fue tomando sus propias direcciones.

 

The Ocean siempre está mutando y ofreciendo algo fresco. En mi opinión, es uno de los proyectos musicales más interesantes de los últimos 15 años, sobre todo porque eligen conceptos muy particulares para darles vida. ¿Cómo logras identificar cómo suena para  The Ocean, una era geológica o conceptos abstractos? ¿En qué momento dices: "este es el sonido del disco"? Y en especial, ¿cómo se da eso al contar con diferentes músicos?

 

Generalmente, la música siempre nace primero. Yo tiendo a componer desde un lugar puramente visceral e instrumental; busco texturas y progresiones armónicas que evoquen cierta pesadez, espacio o tensión narrativa. La única gran excepción a esta regla en nuestra discografía fue “Pelagial”, que desde el primer día estuvo preconcebido como un viaje conceptual descendente desde la superficie del océano hasta las profundidades abisales, por lo que la estructura musical tuvo que amoldarse rígidamente a esa física. Sin embargo, con “Solaris” el proceso fue fascinante: la base instrumental del álbum la escribí en 2021, durante los momentos más severos del confinamiento por la pandemia. En ese momento sentimos que el material era demasiado expansivo y complejo para el paso inmediato que queríamos dar, así que lo pusimos en pausa para enfocar la energía en “Holocene”. Cuando retomamos esas maquetas en 2024 junto a la nueva alineación, las piezas encajaron con una claridad asombrosa. Al sumar a Enrico y Lane Shi, el concepto abstracto que tenía en la cabeza sobre la observación espacial y la memoria humana tomó una forma tangible. 

 

Mencionas “Pelagial”, su sexto álbum, que en mi opinión fue el disco que les abrió las puertas del mundo entero. No solo fue cautivador, sino también intenso, dinámico y muy exigente a nivel técnico. ¿Cómo viviste la era post-"Pelagial"? ¿Sientes que te dio más seguridad para abordar los proyectos masivos posteriores como “Phanerozoic”?

 

“Pelagial” fue una prueba de fuego decisiva. Como mencionaba, fue un álbum escrito inicialmente como una pieza instrumenta (como “Solaris”) y es que al principio no sabía cómo abordar las letras porque era un viaje al océano y las voces humanas parecían algo fuera de lugar. Pero este trabajo fue influenciado por la estética y el ritmo de películas como “Stalker” de Tarkovski, que es un viaje desde la superficie a las profundidades de la mente humana y era una muy buena forma de poder representarlo. Fue pensado originalmente como un instrumental de una sola pieza, muy similar a “Solaris” y es que tienen muchos paralelismos estos dos discos, no sólo en forma de escribirse, sino que también en las influencias de Tarkovski. Este disco lo escribí en esta misma casa en dos semanas y desde su gestación no cambió mucho, pero definitivamente abrió muchas puertas para nosotros. 

 

Cuando logramos concretarlo y salir a defenderlo en vivo por Norteamérica, nos abrió las puertas a Australia y Latinoamérica, permitiendo que saliéramos mucho más. Fue un periodo muy intenso porque siempre interpretamos el disco de forma íntegra, pero el nivel de exigencia física y emocional terminó agotando a la formación de aquel entonces y fue un proceso muy agotador. Y si bien as formaciones de discos como “Pelagial” y “Phanerozoic” no siguieron, si estoy muy agradecido de haber pasado esas etapas con ellos y haber tenido la oportunidad de poder interpretar las canciones en conjunto. 

 

 

Hablando de "Solaris", mencionabas que guarda similitudes con "Pelagial" y que también se inspira en Andréi Tarkovski. ¿Qué te motivó a dar este nuevo salto en su historia musical y visual con Solaris? Se siente como una evolución integral en el concepto de la banda, yendo más allá de lo hecho en "Holocene".

 

Siempre es la misma idea, soy un fan de Tarkovski (Risas) y “Solaris” es un film que he visto muchísimas veces y siempre quise hacer algo para ese disco. De hecho, fue el nombre de todo este proyecto para el disco, que no siempre termina siendo el nombre del LP, pero descartamos todas las otras propuestas y nos quedamos con Solaris.

 

Pero ¿por qué usar este filme? Creo que es un lienzo perfecto para escribir música y es muy inspirador ese paso lento que lleva en el cual debes permitirte aburrirte, que es algo tan preciado y raro en tiempos como los de hoy en día, donde el algoritmo tiene 10 segundos para cautivarte, “Solaris” es todo lo contrario, debes permitir aburrirte por media hora para poder entrar en la experiencia. Creo que es algo muy importante en la música y el arte y es algo que debes permitirte. Por eso para mí, los discos que requieren más esfuerzo para atraparte son los que más me gustan, me hacen escucharlos una y otra vez y finalmente obtienes una recompensa. Esa es una de las experiencias más gratificantes que hay en el arte y para ello debes permitirte el espacio y el tiempo, eso nos enseña Solaris, sentarnos y dejarnos llevar por todo eso.  Debo mencionar que no lo conocí por la novela de Stanislaw Lem, sino que fueron los filmes de Tarkovski. Esto lo aclaro porque cuando lees el libro y luego ves la película te sientes traicionado (Risas) porque no son tus imágenes y no podrían serlo, pero cuando lo leí sentí que no era lo mismo. Es algo que tiene que ver con nuestra visión del arte

 

¿Estás dispuesto a recibir esa opinión de los fanáticos? ¿O es eso lo que quieres provocar?

 

El disco no está pensado para ser el soundtrack de Solaris, está basado en ella y hace referencia al filme y algunas escenas. Toma muchos elementos y referencias, pero no es una guía cronológica de la historia. Siento que eso sería muy simple y al mismo tiempo demasiado complicada de lograr.

 

La inclusión de dos nuevos vocalistas, Enrico Tiberi y Lane Shi, dará mucho que hablar. Es sumamente interesante considerando el trayecto de la banda desde sus raíces instrumentales hasta hoy. ¿Esta evolución era algo que contemplabas hacer en algún momento o se dio de manera orgánica?

 

No, esto no fue algo planeado, de hecho nunca ha existido una guía de lo que queremos hacer. Cuando lanzamos “Fogdiver” el primer borrador del proyecto tenía un vocalista, pero habíamos firmado con un sello que era más enfocado al sonido indie o progresivo y ellos adoraron las versiones instrumentales de los temas. Nosotros siempre habíamos querido publicar un disco con un sello grande y somos muy admiradores de los proyectos instrumentales, por lo que accedimos a publicarlo instrumental, pero ya contamos con un vocalista y nunca fue algo que no estuviera contemplado de hacer.

 

Los vocalistas siempre han sido una pieza fundamental de la banda, escribir letras y tener gente capaz de cantarlas, pero también es muy importante la parte instrumental. Me encantan ambas cosas, así como el post rock y como se puede proyectar la música hacia el espacio cuando no hay un vocalista, porque te permite enfocarte más en lo instrumental, pero también admiro el poder de las palabras y un buen vocalista puede transmitir eso. Tengo el placer de trabajar con grandes músicos en los 25 años de esta banda y ha sido algo maravilloso y ahora es un nuevo capítulo, con nueva gente y nuevas direcciones. Siento que aún estamos sólo rasgando la superficie y que aún queda mucho por explorar y hacer.

 

 

Entre sus influencias para este disco se incluyen exploradores históricos como Vasco da Gama, Fernando de Magallanes y Francis Drake. En cierta medida, el trabajo de The Ocean también es una expedición hacia lo desconocido. ¿Sientes que tu rol como músico comparte similitudes con la mentalidad de estos exploradores?

 

Totalmente, ese fue el punto de partida de este disco, poder ver los paralelismos entre los exploradores que llegaron a continentes y tierras desconocidas motivados sólo por la curiosidad o el deseo de llegar a algún lado que nadie había estado, es la misma curiosidad que tenemos como artistas, queremos hacer algo nuevo y expresarnos como nadie lo ha podido hacer. Son paralelismos obvios y que han sido muy motivantes, pero también un riesgo sano, porque hace que muchos artistas y músicos se identifiquen con estos exploradores. 

 

Hay muchas similitudes cuando lees sus historias, he tenido el gusto de leer varias de ellos en los últimos dos años. Muchos parten con motivos muy positivos, pero que los llevan a chocar su visión europea con otros valores de la gente que encontraron y luego su choque ante el genocidio y la dominación que ocurrió tras su llegada. Pero esa curiosidad temprana es algo que nos une para descubrir nuevas cosas, sin ese deseo de dominar o imponer nuestras visiones a otros. Es una pregunta intrigante, porque normalmente vemos la curiosidad como algo inocente y natural y tal vez no lo es, quizás siempre la hemos visto de forma equivoca o no sé, son algunas de las preguntas que me surgen con este trabajo y aún no tengo respuestas para ello, sólo diferentes perspectivas.

 

Varios de estos navegantes llegaron a Sudamérica, y en el álbum surge el nombre de un lugar en el extremo sur de Chile (Última Esperanza). En 2022 pudiste recorrer un poco más del país. La decisión de elegir este nombre, ¿responde a una conexión especial o a mantenerse fiel a la narrativa de los exploradores?

 

Es un poco de ambas, porque está todo este aspecto del nombre y su significado, que fue otorgado por un explorador en el Estrecho de Magallanes. Nuevamente eso me pone en una página similar a estos exploradores que iban a descubrir nuevas fronteras y una de esas para nosotros era Sudamérica. Hoy en día ya casi no quedan fronteras porque ya está todo mapeado y puedes estar ahí en menos de 24 horas, por lo que las únicas fronteras son el espacio y las profundidades del océano.  Los artistas y los exploradores siempre vamos en búsqueda de esos nuevos horizontes y Patagonia es como la meta para muchos exploradores de la época. Para mí tener la oportunidad de poder estar allá y tocar en Punta Arenas en 2022, fue algo espectacular, tocando en un pequeño café con la gente sentada alrededor de sus mesas, unas 30 o 40 personas. Pero ese privilegio de llevar mi música a un lugar histórico e interpretarla allá tan cerca de navidad, fue especial. Luego conocimos un fan, que ahora es un amigo y nos llevó a conocer Torres del Paine y pasar navidad allá. Fue una época muy especial en mi vida y que atesoraré por siempre.

 

La primera vez que vinieron a Chile en 2016, tanto la prensa como el público quedaron maravillados con ese concierto en el Teatro Nescafé de las Artes. ¿Podemos hablar ya de un posible regreso de la banda a Latinoamérica?

 

Sí, podemos hablar de eso porque estamos en el proceso de materializarlo para 2027. Estamos discutiendo los tiempos, espacios, posiblemente un festival y cuándo será mejor hacerlo. Estoy trabajando para volver pronto a Chile y todo Latinoamérica, donde también estuvimos en Rock al Parque en 2023, y estamos buscando repetir muchas de esas experiencias por el continente, incluso volver a Punta Arenas.

 

Para cerrar esta entrevista, Robin, el micrófono es todo tuyo para los seguidores de The Ocean en Chile.

 

Como dije antes, estoy ansioso por volver a sus costas y ojalá que sea para más de un show, pero vamos a ver. Es un nuevo capítulo, seguiremos tocando temas antiguos que son importantes para mí y más ahora con dos vocalistas en la banda. El foco obviamente será “Solaris” y están más que invitados a escuchar este nuevo disco.

 

Felipe Pino Guerrero