Historias que arden: Lollapalooza 2025 y la revolución femenina sobre el escenario

Publicado originalmente en revista Rockaxis #260, febrero de 2025.

 

 

El tiempo avanza implacable, deslizándose entre la ansiedad y las expectativas. Se acerca una nueva edición de Lollapalooza y, con ella, la necesidad de sumergirse en un lineup que, en esta ocasión, destaca por la presencia de mujeres que encarnan distintas facetas de la reivindicación feminista en el ámbito cultural.

 

Karin Ramírez

 

Los avances en la lucha por la igualdad de género han permitido a las mujeres ocupar espacios que antes les fueron negados, desafiando la tendencia a relegarlas a roles secundarios. Han abierto caminos en escenarios donde su trabajo ha sido históricamente invisibilizado, derribando barreras en contextos de gran impacto.

 

En esta nueva edición de Lollapalooza, el esfuerzo por dar visibilidad a proyectos liderados por artistas mujeres continúa siendo un desafío en el que cada año se busca avanzar hacia una mayor inclusión e igualdad de género. Por ello, queremos destacar a las artistas imperdibles de este año; mujeres que, desde su diversidad creativa, proponen nuevas estructuras de pensamiento y desafían los límites de la industria musical, convirtiendo su arte en un acto de resistencia y transformación.

 

 

Olivia Rodrigo: Composiciones de introspección e incomodidad 

 

El camino recorrido por la joven Olivia Rodrigo en el mundo de la música tiende a ser de aquellas trayectorias envidiables. Creció escuchando The White Stripes, Pearl Jam y St. Vincent, casi por la más pura influencia de sus padres. En este marco, la guitarra como musa protagónica se transforma en elemento medular en sus canciones. 

 

Con una excelente recepción de ‘SOUR’ (2021), la joven de cabellos largos se roba las principales listas internacionales, con tracks como ‘traitor’ y ‘drivers licence’, dotando de sentido aquellas rupturas que rompen en plena edad formativa. 

 

Es evidente que la juventud de Olivia guarda la inocencia de los primeros amores, la confusión de no ser correspondida, el dolor de haber entregado tanto, siendo que, en ocasiones, no existe mayor reciprocidad que un “buen día”; misma inocencia que ha permitido conectar con la incomodidad de habitar lugares que han sido históricamente cuestionado para las mujeres, como la imposibilidad de habitar aquel dolor, cuando por mandato se confabulan los imaginarios de la femme fatale.

 

Digna de un registro vocal que avanza en cada entrega, en ‘GUTS’ (2023), la joven de antepasados filipinos se atreve a cuestionar los estereotipos de género desde la tensión al canon de belleza hegemónica. Belleza inalcanzable y asesina, que lejos de avanzar a la posibilidad de construcción de autoestima, se confabula como ese enemigo inmarcesible que no abandona, y se imbrica en nuestras vidas como una dismorfia corporal. En este sentido, el talento de Olivia Rodrigo no reside solo en su capacidad para escribir himnos que resuenan en multitudes, sino en su don de convertir en versos aquellas inquietudes que desvelan a muchos, temáticas que apenas comienzan a pronunciarse o que, quizás, aún tememos abordar. En este escenario, la californiana se erige como una presencia imprescindible en Lollapalooza 2025, es la voz que, con sencillez y valentía, convierte la incertidumbre en arte, la duda en confesión, y la vulnerabilidad en un refugio donde sus letras se tornan abrigo y abrazo.

 

 

Girl In Red: La diversidad a corazón abierto

 

Para Marie Ulven, la joven tras Girl In Red, la identidad de género ha sido un terreno de constante exploración dentro de su mundo interno. Desde la templanza que entrega la introspección, la joven oriunda de Noruega encontró en la música un espacio de dispersión, de comunicación y exteriorización de emociones. 

 

Su historia comienza desde los ocho años, adoptando la música como su propio lenguaje. A los 14, la guitarra se convirtió en su instrumento de expresión. Con 'i wanna be your girlfriend', sus versos se convirtieron en un himno para la comunidad queer. Al elegir a Hannah como musa y destinataria de una carta abierta, normalizó las experiencias de amor y deseo más allá de los roles de género tradicionales. Su trabajo es un ejemplo de cómo el arte puede ser una herramienta poderosa para desafiar las normas sociales y tensionar las variables-pauta de un sistema cis-heteropatriarcal.

 

Tras el lanzamiento de los EP "chapter 1" (2018) y "chapter 2" (2019), las expectativas sobre Marie ya estaban sobre la mesa. La noble sinceridad con la que se atreve a escribir y musicalizar aquellos pasajes íntimos, que solo se encuentran escondidos en nuestros diarios de vida, dotan de sentido a su alter ego y proyecto musical. En esta misma línea, la irrupción del single 'summer depression' (2016) es una carta jugada para dar cuenta, en primera persona, cómo se siente la depresión estacional, la incapacidad de salir de tu casa e, incluso, la dificultad de interacción en contextos de autocrítica y baja autoestima.

 

Ya con 'if you could make it quiet' (2021) y 'DOING IT AGAIN BABY' (2024), Girl in Red trasciende a más que una mera artista, convirtiéndose en un símbolo cultural e identitario dentro de la comunidad queer. Su música no solo narra experiencias de amor y desamor, sino que también crea un espacio seguro donde las identidades LGBTIQA+ pueden explorarse y celebrarse sin temor. 

 

En un mundo que sigue luchando contra la invisibilización y los prejuicios, Marie Ulven emerge como una voz de resistencia, vulnerabilidad y autenticidad. Por ello, Girl in Red no es solo pertenencia: es también declaratoria e identidad.

 

 

Charlotte de Witte: Trincheras que se habitan en el techno y el dance

 

En las calles de Bélgica, Charlotte vivió en primera persona las dificultades de ser mujer en espacios tan lúgubres como la noche interminable del techno, fiestas y alcohol. Una carrera iniciada bajo el nombre de Raving George, Charlotte busca encontrar un espacio desde el anonimato para no ser víctima de los prejuicios patriarcales de mujeres en el mundo de la electrónica. 

 

Pero el anonimato no era su destino. Tras alzarse con el galardón Red Bull Elektropedia, entre sintetizadores y tornamesas, Charlotte dejó atrás a Raving George para renacer con su verdadero nombre, reclamando su espacio en un universo dominado por hombres. Dueña de un cateye que construye su identidad en conjunto con el piercing que muchas adoptan como símbolo de inspiración, De Witte no solo se impuso, sino que transformó el paisaje: fundó el sello KNTXT como una forma de seguir abriendo espacios de producción seguros para minorías que son relegadas por colegas que pinchan solo para las masas con poder. 

 

Una de sus trincheras es el retroceso colectivo que emerge desde la comparación entre las DJ, injustamente denominadas por el mundo rave como “Djane”, buscando formas de contrariarlas. Por este motivo, Charlotte se declara en tensión a estas lúgubres comparativas donde los DJ son solo espectadores, en sus palabras: «no estamos unas contra otras, estamos unas con otras. Somos hermandad y nos apoyamos mutuamente». 

 

Y así, el 2025 nos sorprende con un hito: su colaboración con Amelie Lens, como un manifiesto de sororidad en un contexto que todavía arrastra los lastres del machismo. Más que una alianza musical, es una declaración de principios: la electrónica como un espacio de resistencia, de reivindicación y de lucha compartida.

 

 

Nathy Peluso: Una perra sorprendente, curvilínea y elocuente

 

En el fulgor de los escenarios, donde la música es más que sonido y el cuerpo es discurso, Nathy Peluso se alza como un huracán de energía y palabra. Su voz no solo canta, interpela. Su presencia no solo ocupa, arrebata. Dueña de un mestizaje sonoro que danza entre el rap, el jazz, el flamenco y la música de raíz latina, su arte es un desafío a la etiqueta, un grito que rompe con los moldes impuestos a la mujer en la industria.

 

Tras el lanzamiento de ‘Esmeralda’ (2017), Nathy Peluso deja en claro que no pide permiso, irrumpe. Su estética es exceso y poder, su cadencia es fuego que quema los cánones de lo que debe ser una artista femenina. No se acomoda, se expande; no se amolda, se desborda. Con ‘Alabame’ desafía la fragilidad impuesta, la dulzura obligada, el recato convertido en jaula. Porque su feminismo es encarnado: en la manera en que mueve las caderas con la misma fuerza con la que escupe rimas, en la manera en que su boca no calla, en la forma en que su música se convierte en trinchera.

 

Ya con ‘GRASA’ (2024) bajo el brazo, la argentina-española fan del Piti Álvarez, se apropia del espacio y las nuevas narrativas que intentan encasillarla; sin embargo, Nathy no pertenece a nadie más que a su propia rebeldía. Como en un conjuro, ‘CORLEONE’ es una mezcla de lo clásico con lo irreverente. ‘GRASA’ mezcla lo sensual con lo feroz, el pasado con el futuro. Porque ser mujer en la música es una batalla constante, y ella la libra con el desparpajo de quien ya ganó, y con la fuerza de quien nunca se rendirá.

 

Nathy Peluso no es solo música, es sacudida. Es la voz de una generación que ya no se esconde, que se planta, que grita. Reivindicación en clave de rap, de tango, de salsa, de reggaetón y de furia, de una mujer que le fue arrebatado todo sueño por no calzar en las tallas más skinny del cuerpo de baile, por no pertenecer a los cuerpos hegemónicos que chocan con la dismorfia, baja autoestima y trastornos alimenticios. 

 

 

Mon Laferte: Folclore y reivindicación

 

En la garganta de Mon Laferte habita un volcán. Su voz, áspera y visceral, arrastra el dolor de quienes fueron silenciadas, la rabia de quienes no pudieron gritar. Canta con el pecho abierto, con la herida expuesta, con la certeza de que la música también es un arma, de que la ternura y la furia pueden habitar en un mismo verso.

 

Mon no teme ser incómoda. No le asusta la etiqueta de ser “demasiado intensa”, “demasiado política”, “demasiado mujer”. Porque ser mujer en la música no es solo cantar, es resistir. Y ella resiste con cada acorde, con cada grito que se vuelve himno en las gargantas de otras. Su feminismo no es discurso vacío; es cuerpo, es historia, es cicatriz. Es su pecho desnudo en la alfombra roja denunciando los feminicidios, es su protesta en canciones que tiemblan de dolor, es su nombre escrito en la historia de la música como un estandarte.

 

En “Mon Laferte (Vol. I)” (2015), su canto convive con la nostalgia de los boleros. En “La Trenza” (2017), en la crudeza de su folclore se encuentran destellos de Violeta Parra. No es una, es muchas. Como todas. Como las que vinieron antes y las que vendrán después. Porque Mon Laferte no solo canta para sí misma, canta para todas quienes necesitan un espacio de redención, para las que no pueden gritar.

 

Ya inmersa en lo que hoy define su identidad artística, Mon se apoderará del escenario Smart Fit con “Autopoiética” (2023) bajo el brazo, un proyecto conceptual inspirado en la teoría de la autopoiesis del pensador chileno Humberto Maturana, que describe la capacidad de los organismos de reproducirse a partir de sí mismos. Una metáfora que Mon convierte en bandera de independencia y resistencia, reflejo de una mujer que ha sabido levantarse y sostenerse por sí misma, transformando sus lágrimas en fuego; reflejando esto también en una trayectoria digna de mujeres que no se olvidan de los pasajes que construyen su historia, los dolores y las carencias. En este sentido, la muchacha oriunda del barrio porteño Gómez Carreño presenta en su natal Valparaíso la exposición Te Amo, Mon Laferte visual, donde expone su trabajo experiencial encarnado en el que su talento es el verdadero protagonista.

 

Con este abanico de posibilidades, la hoja de ruta por los shows liderados por mujeres en este nuevo Lollapalooza se convierte en un viaje a través de voces que resisten, que crean, que transforman. Cada acorde es un estandarte, cada letra un eco de las luchas que habitan lo cotidiano, lo artístico, lo profesional. En cada escenario, una historia; en cada canción, una trinchera. Porque la música no solo se escucha, también se combate, se reivindica, se vive.