In-Edit 2025: Música que se ve en pantalla grande

Publicado originalmente en revista Rockaxis #269, noviembre de 2025.

 

Del perfil al eterno Jeff Buckley, al necesario acercamiento a la mítica figura de Meredith Monk. El 21° Festival de Cine y Documental Musical In-Edit nos trae nuevamente una cartelera de lujo para cerrar el 2025, con películas sobre artistas como John Lennon, Jeff Buckley, Fugazi, Pavement y Culture Club. Acá, te dejamos los documentales internacionales recomendados que nadie debería perderse de esta edición.

 

César Tudela

 

 

It’s Never Over, Jeff Buckley

Amy Berg (EE.UU., 2025)

 

El primer documental autorizado que analiza la vida, obra y trágica muerte del influyente compositor estadounidense se estrenó en enero de este año en el festival Sundance con una respuesta sorprendente: aplauso cerrado y una audiencia emocionada hasta las lágrimas. It’s Never Over, Jeff Buckley profundiza en las influencias, carrera musical y relaciones personales del autor del fundamental “Grace” (1994); en una corta e intensa vida truncada por su accidental muerte en el río Wolf de Memphis en mayo de 1997, a la edad de 30 años. Con numerosos detalles personales –como sus cuadernos de composición, fotografías de infancia y grabaciones de archivo–, el documental de 106 minutos va abriendo las puertas a la intimidad y personalidad de Buckley, reforzadas por diversos testimonios a sus cercanos –principalmente mujeres–, quienes van recordando su talento musical sensible y vorazmente curioso.

 

La nueva película de la cineasta Amy Berg (de amplia trayectoria en el cine documental, con títulos que incluyen Janis: Little Girl Blue de 2015 y Phoenix Rising de 2022) trabajó en este proyecto durante 15 años: 10 intentando conseguir los derechos del patrimonio de Buckley, además de otros cinco en producción. «Para mí, esta es una historia de amor sobre uno de mis artistas favoritos, contada a través de las personas que amaba», dijo en la presentación del documental en Sundance, el que cuenta el actor Brad Pitt como productor ejecutivo, un fanático declarado de la obra de Jeff.

 

 

One to One: John & Yoko

Kevin MacDonald y Sam Rice (UK, 2024)

 

Realizada en torno a la cinta cinematográfica de 16 mm del único concierto de larga duración que dio John Lennon junto a su esposa Yoko Ono después de dejar a The Beatles –el legendario show benéfico One to One de 1972 en el Madison Square Garden–, este documental muestra una mirada conmovedora a la vida de la pareja tras su llegada a Greenwich Village, Nueva York, explorando su mundo musical, personal, artístico, social y político. Ambientada en el contexto de una era turbulenta en la historia de Estados Unidos, la película además presenta imágenes recientemente restauradas de aquella época (y audio remasterizado por su hijo, Sean Ono Lennon), así como también numerosos archivos personales nunca antes vistos ni escuchados, como llamadas telefónicas y cintas caseras filmadas por los propios John y Yoko, transformando a esta película en un inédito y profundo acercamiento a la vida de dos de los artistas más influyentes e icónicos de la cultura pop del siglo XX, experimentando las decisiones, pasiones y desafíos que enfrentaron entre 1971 y 1972.

 

«Quería hacer una película que sorprendiera y deleitara incluso a los fanáticos más dedicados de Lennon y Ono, centrándose en un período transformador de sus vidas y contando la historia a través de sus propias palabras, imágenes y música. Espero que la película presente al público una versión más íntima de ellos, y al mismo tiempo refleje sus lados políticamente radicales y experimentales», ha mencionado el director ganador de un premio Oscar, Kevin Macdonald. 

 

 

Rock Bottom

María Trenor (España, 2024)

 

Esta película de animación se sumerge en la colorida escena musical de los años setenta para relatar la historia tras “Rock Bottom” de Robert Wyatt, álbum clave para la música psicodélica, que contó con la ayuda de Nick Mason, Fred Frith y Mike Oldfield. Publicado en 1974, el disco –y el film– aborda la historia de amor autodestructivo entre Bob y Alif, una joven pareja de artistas inmersos en la vorágine creativa de la contracultura hippie, e inspirada en la propia experiencia personal entre el compositor británico y la ilustradora Alfreda Benge. Combinando la animación para adultos y el cine documental musical, Rock Bottom contiene buenas dosis de amor lisérgico y creatividad libre sobre la vida del experimental músico, en una suerte de homenaje inspirado por las canciones de aquel disco, que hablan sobre el poder transformador de la música. La euforia y la angustia de la creación artística, la fascinación inconsciente por las drogas, el desencanto por la rutina y la degradación física y mental son temas que Wyatt abordó hace más de 50 años, pero que aún siguen vigentes.

 

«La película tiene muchas herencias culturales – menciona la directora María Trenor sobre su ópera prima–; una de ellas son las artistas experimentales como Maya Deren, Shirley Clark y José Valdelomar. Hay un montón de referencias a artistas de cine experimental, me interesa mucho y aprovecho este cambio de estilo, esta técnica, para representar el cambio del estado mental de los personajes, sobre todo cuando toman drogas o cuando están los efectos del alcohol».

 

 

Ellis Park

Justin Kurzel (Australia, Indonesia y Francia, 2024)

 

Cómplice de Nick Cave y miembro clave de sus icónicos Bad Seeds, el multiinstrumentista australiano Warren Ellis ha sido una figura brillante y poco ortodoxa en la música pop durante más de tres décadas (también junto a Dirty Three). Pero esta película lo sitúa lejos de los teatros en los que ha ejercido su oficio. Al compositor australiano lo encontramos en Indonesia, en el corazón de un proyecto apasionante y muy diferente: un santuario de vida silvestre en los bosques del sur de Sumatra. Cofundado por él y la activista camerunés/holandesa Femke den Haas, Ellis Park es un sitio dedicado al rescate y conservación de animales traficados y maltratados. En ese contexto, este documental ofrece una visión profundamente personal de la vida de Warren que, con su inseparable violín, camisa desabotonada y barba gris al viento, nos transporta desde su infancia en Australia –marcada por la guitarra de su padre– al descubrimiento de su faceta a través del acto de crear, un recordatorio inspirador de cuánto se puede lograr cuando personas apasionadas se unen para hacer grandes cosas para impactar el mundo que los rodea.

 

Esta mirada cercana estuvo a cargo de Justin Kurzel, que ha dicho sobre Ellis Park que «lo que realmente nos inspiró fue la sensación de productividad –del personal del parque– donde, a veces, se trata simplemente de seguir adelante. Pasan por momentos horrendos de dolor, lidiando con muertes de animales y crueldad, pero tienen que seguir avanzando. Esa energía y espíritu hicieron que con Warren pensáramos mucho más en lo que hacemos. Realmente me encantó. Como cineasta, lo encontré enormemente liberador».

 

 

Kneecap

Rich Peppiatt (Irlanda, 2024)

 

Estrenado en Sundance 2024 –y consiguiendo el premio del público–, esta película sigue al incendiario trío de raperos de Belfast en el camino al reconocimiento en la industria musical, y también, en el que comienzan a convertirse en los improbables líderes de un movimiento por los derechos civiles para salvar su lengua materna: el gaélico (que no fue reconocida como oficial en el Reino Unido hasta 2022, a pesar de que miles de personas aún lo hablan en Irlanda del Norte). Pero este es un proyecto bastante singular, donde el director Rich Peppiatt propone muchos lenguajes, haciendo de la experiencia audiovisual un reflejo del espíritu de la propia banda, con un punzante sentido del humor y una fuerte carga política, situándose a medio camino entre la comedia musical y el drama social. Proyectada como un biopic poco ortodoxo sobre los miembros de Kneecap –e interpretados por ellos mismos–: los subversivos Mo Chara (Liam Óg Ó hAnnaidh) y Móglaí Bap (Naoise Ó Cairealláin), y el profesor de música y beatmaker DJ Próvaí (JJ Ó Dochartaigh); el periodista y cineasta británico también pone en evidencia sus influencias, mostrando la realidad de una nueva generación que vive al margen de la ley, abusando de las drogas y el sexo, mientras tratan de encontrar su camino en la vida, muy al estilo reflejado en Trainspotting por Danny Boyle en 1996.

 

Kneecap es un retrato salvaje y electrizante de una de las bandas más polémicas y fascinantes de Irlanda. «Quedé impresionado por ellos y su presencia en el escenario», confiesa el director luego de verlos en un bar. «Me llevó un tiempo conocerlos y luego persuadirlos para que protagonizaran la película. Una vez que lo hice, me sumergí en su cultura, incluso tomando lecciones de irlandés. Necesitaba entender por qué su idioma era tan importante, por qué elegían vivir sus vidas a través de un idioma minoritario que era rechazado por el país en el que nacieron. Pensé que eso era muy poderoso y un acto muy poético. Kneecap es más que una película, es más que una banda; es un movimiento. Se trata de jóvenes de clase trabajadora que intentan atacar al sistema, diciendo que no son felices y que, a través de la música y el arte, protestan».

 

 

Pavements

Alex Ross Perry (EE.UU., 2024)

 

Esta película sobre la icónica banda indie rock Pavement parece un documental musical, pero no lo es. Más bien es una propuesta anfibia que mezcla sin prejuicios realidad, ficción y comedia, difuminando sus límites, para retratar a los miembros de la banda mientras se preparan para su gira de reunión de 2022, tras 12 años de separación. Simultáneamente, se ve la producción de un musical tipo Broadway basado en sus canciones, de un museo fetichista dedicado a su historia y de un biopic hollywoodense –llamado Range Life– que debe vender a los californianos como la banda más importante de su generación, y que es protagonizado por el actor Joe Keery en el rol del inquieto Stephen Malkmus. Un híbrido narrativo con imágenes documentales de archivo, grabaciones de los ensayos, exhibición de memorabilia y una puesta en escena basada en su discografía, donde el director neoyorquino Alex Ross Perry tomó como excusa el regreso a los escenarios de la banda para darle forma a una película ingeniosa y estimulante que reinventa el género documental, donde su acierto reside en la edición y la consecuente construcción de un relato sincero, intrigante e inesperado que, al igual que la música de Pavement, genera una contagiosa sensación de placer.

 

En entrevista con Variety, Perry indicó que tras pensar en cómo abordar un documental sobre Pavement, su idea fue que usaría todos los trucos de los biopic de rock. «Para mí, era un arriesgado truco artístico, pero al mismo tiempo, un ejercicio que justificaba descomponer el legado de la banda en diferentes formas para luego intentar unirlo, y así alcanzar algo fascinante. Ellos utilizaron conscientemente referencias a otras bandas y tipos de música. En ese sentido, fueron súper irónicos y profundamente sinceros al mismo tiempo».

 

 

Monk in Pieces

Billy Shebar (EE.UU. y Alemania, 2025)

 

Ni antes ni ahora, la profunda influencia cultural de Meredith Monk –compositora experimental, actriz de performance y artista interdisciplinar– no ha sido reconocida. O no en los parámetros que debería. Su obra es pasada por alto, a pesar que a menudo es catalogada como una visionaria y pionera artística de nuestros tiempos. «Ella, entre todos nosotros, era –y sigue siendo– la única talentosa», profesa su célebre contemporáneo Philip Glass. En ese contexto, Monk in Pieces se presenta como un documental necesario, que explora la vida y el legado de Monk, siguiéndola en su séptima década de carrera, mientras reflexiona sobre los desafíos y logros de su trayectoria, desde los años de lucha con críticos machistas y hostiles hasta su consagración como una artista integral. Centrándose en la música de Monk, e incluyendo material de archivo y entrevistas con figuras como Björk y David Byrne, el documental es un mosaico que refleja la estructura de su incansable trabajo –donde ha dirigido y actuado en todas sus obras– y que ahora debe aprender a dejarse llevar. En ese cruce, se produce la tensión y profundiza sobre su mortalidad a través de una duda capital: ¿cómo puede su peculiar trabajo seguir existiendo después de ella? 

 

Para Billy Shebar, enfrentar como director este proyecto fue un enorme desafío, con una presión que fue menguando gracias a la generosidad de Monk. «Como cineasta, Meredith entendió que necesitaba libertad para crear mi propia interpretación de su trabajo y su vida. Eso le supuso un gran esfuerzo de moderación, ya que está acostumbrada a controlar todos los aspectos de cada trabajo en los que participa. Por esa misma razón, no le mostré ningún montaje preliminar, ya que le habría resultado imposible no intentar modificarlo. Le mostré la película una vez terminada y me llamó para decir que le había encantado. Fue un gran alivio y demuestra su enorme generosidad», comentó al respecto.

 

 

We are Fugazi from Washington, D.C.

Joe Gross, Joseph Pattisall y Jeff Krulik (EE.UU., 2023)

 

Un título que también es un grito de hermandad. Una película que es también un homenaje. En este documental –como no podía ser de otra forma– se captura la emocionante ferocidad de los shows en vivo y el legado perdurable de Fugazi, una de las bandas pivote del post hardcore y la ética DIY. En forma y fondo, We are Fugazi from Washington, D.C. está construido de manera colectiva, en donde todas las imágenes en vivo fueron grabadas por fanáticos entre 1987 y 2002, mostrando así la evolución de su sonido abrazador y su incendiaria presencia escénica. Lejos de la narrativa biográfica tradicional, el film –que comenzó en 2022, a exactos 20 años de su último show en vivo– deja que la visceralidad de sus conciertos y la emoción de algunos testimonios reflejen la integridad de una banda que creó una comunidad única entorno a la música y que nunca rifó sus principios, siempre manteniendo entradas asequibles, cero merch, ninguna discográfica ajena en medio, y autorización para grabar y compartir todo. 

 

Sin duda, esta película ayudará a los antiguos fans a revivir la experiencia de ver a Fugazi en directo y dará a los recién llegados una pequeña muestra de ella. Y más aún: deja en evidencia su legado musical catártico, sinuoso e intenso, que demostró que podía existir otra forma de ser influyentes y relevantes, sin plegarse a las reglas del mercado capitalista. Una filosofía de vida que sigue siendo inspiración para nuevas generaciones de artistas que forjan su propio camino sin concesiones.

 

Boy George & Culture Club

Alison Ellwood (EE.UU. y UK, 2024)

 

Lejos de ser el típico documental musical, Boy George & Culture Club es una película tremendamente divertida, encantadora e inesperadamente tierna. Con el telón de fondo de la Gran Bretaña de los años ochenta, la película explora cómo cuatro jóvenes formaron una banda multirracial, étnicamente diversa y sexualmente liberada, con un estilo y un sonido que desafiaron el statu quo durante la era de la new wave y el régimen de Margaret Thatcher. Con una visión provocativa, caótica y jolgoriosa, la australiana Alison Ellwood –directora de otros documentales de música como History of the Eagles (2013), The Go-Go’s (2020) y Cindy Lauper: Let the Canary Sing (2023)– traza el meteórico ascenso a la fama de Culture Club, su dramática separación y su notable reencuentro. Por primera vez, Boy George, Roy Hay, Mikey Craig y Jon Moss se reúnen para compartir su historia completa, ofreciendo una visión sincera de su proceso creativo, sus relaciones personales y el impacto cultural que definió a toda una generación. 

 

De hecho, en el corazón del documental se encuentra la historia de amor previamente inexplorada entre George y Moss, una relación que inspiró algunos de los mayores éxitos de la banda, pero que también contribuyó a su eventual ruptura. «Esta historia única es, quizás, más relevante culturalmente hoy en día que cuando se formó la banda. Contada desde una perspectiva interna, George, Jon, Mikey y Roy comparten un relato honesto y, en ocasiones, desgarrador de su ascenso vertiginoso a la fama, siempre con un alegre toque de humor», ha mencionado Ellwood respecto a su obra.