Fishbone: La banda a la que todos le deben

Los Fabulosos Cadillacs estarán de vuelta en Chile el próximo 29 de octubre en el Santander Arena de Santiago. En el cartel figuran, además de los trasandinos, Chico Trujillo, con una audiencia consolidada que probablemente volverá a acompañarlos. Sin embargo, el anuncio despertó especial interés por el regreso de Fishbone.

La influyente banda estadounidense volverá a Chile para ofrecer su segunda presentación en el país, transformándose en uno de los nombres más llamativos, para muchos el más inesperado, de la jornada.

Pocos nombres influyeron tanto en el rock de los últimos cuarenta años y recibieron tan poco a cambio. George Clinton, fundador de Funkadelic, lo dijo así en el documental "Everyday Sunshine": "eran demasiado blancos para el público negro, y demasiado negros para el público blanco". Esa frase explica casi todo lo que hay que saber sobre su carrera.

Una banda inclasificable

Fishbone nunca encajó en un estilo definido. En esta ecléctica agrupación conviven ska, punk, funk, soul, metal, grunge, reggae, dub, new wave, góspel, swing y jazz, mucho antes de que esa mezcla tuviera un nombre. Influenciaron a generaciones de músicos, pero, pese a su enorme creatividad, nunca lograron alcanzar el reconocimiento masivo que su propuesta merecía.

En 1991 sacaron "The Reality of My Surroundings", un disco incomprendido y muy adelantado a su época. Dos años después publicaron "Give a Monkey a Brain and He'll Swear He's the Center of the Universe", tan ambicioso como el anterior. Ninguno de los dos les dio el éxito que sí tuvieron bandas contemporáneas como Red Hot Chili Peppers o Alice in Chains.

No es un caso aislado. Agrupaciones afroamericanas como Pure Hell, formados en 1974 y pioneros del punk; Bad Brains, fundamentales para el desarrollo del hardcore; o Living Colour, referentes del funk rock, suelen quedar fuera del relato oficial del rock y de sus subgéneros, pese a que su influencia ha sido tan grande —o incluso mayor— que la de muchas bandas blancas hoy más recordadas. Es un patrón que merece un análisis propio; por ahora, basta con dejarlo planteado y volver a Fishbone.

Los años de formación y el primer quiebre

Fishbone se formó en 1979 en Los Ángeles. Los hermanos John Norwood Fisher (bajo) y Philip "Fish" Fisher (batería), junto a Chris Dowd (teclado, trombón y voces), Kendall Jones (guitarra), Walter Kibby (trompeta y voces) y Angelo Moore (saxo, voces y theremín), comenzaron como una banda escolar que poco a poco fue ganando terreno en la escena californiana. Para los años ochenta ya tenían fama de dejar en problemas a cualquier grupo que tuviera la difícil tarea de tocar después de ellos.

Justo cuando estaban por dar el salto, la banda empezó a desarmarse. El quiebre más duro llegó en 1993. El guitarrista Kendall Jones atravesaba una crisis personal grave —la muerte de su madre, problemas con el alcohol y la presión de un padre con creencias religiosas extremas— que lo llevó a dejar todo y unirse al grupo religioso de su padre. Norwood Fisher, algunos hermanos de Jones y su propia novia intentaron una intervención para ayudarlo, lo que derivó en una denuncia por intento de secuestro. El juicio fue largo y desgastante; para cubrir los elevados gastos legales, el 7 de enero de 1994 se organizó un concierto benéfico en el Hollywood Palladium de Los Angeles con Tool, Alice in Chains, Primus, Porno for Pyros y otras bandas. Norwood fue absuelto, pero el episodio les costó el contrato con Sony/Columbia y los empujó definitivamente hacia la autogestión. Esa misma porfía que nunca se pactó con la industria terminó siendo, en parte, el motivo por el que la banda quedó afuera de los circuitos grandes.

 

El segundo quiebre: La pelea por el nombre

Treinta años después, la historia volvió a repetirse, aunque esta vez la batalla no fue contra un sello discográfico, sino puertas adentro. En abril de 2024, Norwood Fisher y Walter Kibby dejaron la formación tras desacuerdos internos sobre la gestión de la banda. Fisher fue enfático en aclarar que no se trató de una renuncia, sino de una pausa forzada, según su propia versión, quedó al margen de decisiones que consideraba suyas por derecho, como cofundador y bajista histórico del grupo.

Lo que siguió fue un conflicto que recuerda, en menor escala, al de tantas bandas veteranas que terminan peleando por su propio nombre. Fisher llegó a enviar una carta legal cuestionando el uso de la marca Fishbone, mientras Angelo Moore y Chris Dowd optaban por seguir adelante con una nueva alineación. El resultado es, hoy, una situación incómoda y sin resolver del todo. En el 2025 esa nueva formación lanzó "Stockholm Syndrome", el primer disco de la historia del grupo sin su bajista fundador, un símbolo difícil de ignorar para una banda cuya identidad siempre estuvo tan ligada a lo colectivo. Que el conflicto de 2024 se parezca tanto, en el fondo, al de 1993 —una crisis interna que termina costándole a la banda algo irremplazable— dice bastante de una agrupación que nunca ha logrado separar su genio musical de su fragilidad institucional.

¿Banda para los músicos o para el público?

La pregunta de fondo es si Fishbone es una banda más querida por músicos que por el público general. Entre sus pares, la respuesta es clara. Les Claypool (Primus) dice en "Everyday Sunshine" que deberían haber llegado mucho más lejos que las bandas a las que influenciaron. Gwen Stefani, Flea, Perry Farrell y varios miembros de Rancid aparecen también reconociendo esa deuda.

Puede que la explicación no sea solo cuestión de gusto. Una banda negra que sonaba "demasiado rara" para el marketing racial de las disqueras de los 80 y 90 —que necesitaban encasillar un género para poder vender en las radios— era, casi por definición, indigerible para ese sistema. A los músicos, en cambio, ese mismo riesgo estilístico les resultaba irresistible. Fishbone no se consagró por falta de calidad; fue sencillamente porque la industria nunca supo donde podían encajar.

El 29 de octubre regresan a Chile para un concierto que promete convocar a un público mucho más amplio que el de su primera visita. Para quienes aún no los han visto en vivo, será una oportunidad para descubrir un espectáculo que se aleja de lo convencional. Y quienes ya vivieron la experiencia saben que será una noche difícil de olvidar.

Su historia en 14 canciones

Un repaso a lo mejor de su discografía a través de las canciones que mejor cuentan su historia, desde los primeros estallidos ska-punk de mediados de los ochenta, pasando por la ambición desbordante de los noventa, hasta sus etapas posteriores.

1. 'Party at Ground Zero' (EP, 1985)

El punto de partida. Un ska veloz, con estribillo imposible de olvidar y esa energía caótica que ya definía a la banda. Detrás de la fiesta hay una denuncia clara en plena Guerra Fría, con la amenaza nuclear cada vez más real, Fishbone se atrevió a hablar de "Ground Zero" cuando casi nadie lo hacía. Años después, Estados Unidos tendría su propio Ground Zero. Dato curioso: el videoclip lo dirigió un desconocido Henry Selick (el de "The Nightmare Before Christmas*). Simple, valiente y visionario.

 

2. 'Bonin' in the Boneyard' ("Truth and Soul", 1988)

Todo gran disco tiene su canción más reconocida, y en el universo de Fishbone esta es, proveniente del álbum que los sacó del circuito under. Con el bajo de Norwood Fisher en uno de sus mejores momentos, se convirtió en la favorita de los seguidores y en una muestra perfecta de la energía única de la banda.

 

3. 'Freddie's Dead' ("Truth and Soul", 1988)

La versión de Fishbone del clásico de Curtis Mayfield se convierte en un explosivo cruce de metal y funk. La canción retrata el problema de las drogas y la violencia en los barrios de Los Ángeles, una realidad que la banda no conocía por las noticias, sino por vivirla de cerca.

 

4. 'Ma and Pa' ("Truth and Soul", 1988)

La canción más personal de Angelo Moore, escrita a partir del divorcio de sus padres. Muestra una faceta vulnerable detrás de toda la energía y el caos musical del grupo.

 

5. 'Fight the Youth' ("The Reality of My Surroundings", 1991)

El comienzo de los momentos más iluminados de la banda. "The Reality of My Surroundings", considerado por muchos su mejor disco, arranca con esta apertura de actitud combativa, mensaje político y recursos líricos que Fishbone nunca ha abandonado.

 

6. 'Everyday Sunshine' ("The Reality of My Surroundings", 1991)

Casi seis minutos donde conviven funk, góspel y un ensamble de vientos impresionante, con un crescendo que aumenta en cada pulso. Tenía todos los elementos para convertirse en un clásico radial, pero el reconocimiento masivo nunca llegó. Sigue siendo un momento obligatorio en sus conciertos.

 

7. 'Naz- Tee May'en' ("The Reality of My Surroundings", 1991)

"The Reality of My Surroundings" contiene 18 canciones y es un disco completamente recomendable de principio a fin, sin desperdicio alguno. Dejamos varios temas fuera, pero era imposible no detenerse en este funk entretenido, provocador y sucio, muy en la esencia de Fishbone. Uno no puede evitar imaginar qué habrán pensado Red Hot Chili Peppers, Prince o los Chancho en Piedra al escuchar algo así.

 

8. 'Swim' ("Give a Monkey a Brain...", 1993)

El álbum recupera parte de las raíces más festivas de la banda en algunos pasajes, sin renunciar al tono sombrío explorado en los años anteriores. Avanza sobre un riff hipnótico y denso, una de las composiciones más accesibles de esta etapa oscura.

 

9. 'Servitude' ("Give a Monkey a Brain...", 1993)

Metal explosivo pero controlado, con un riff afilado, una base rítmica demoledora y una de las interpretaciones vocales más intensas de Angelo Moore. La letra cuestiona la obediencia y la sumisión.

 

10. 'Unyielding Conditioning' ("Give a Monkey a Brain...", 1993)

En medio de un álbum áspero, Fishbone recupera el espíritu festivo de Jamaica con un reggae vibrante, vientos eufóricos y coros contagiosos. La letra cuestiona el condicionamiento social y los mecanismos que moldean el pensamiento y la conducta -ecos de las reflexiones de Michel Foucault sobre el poder y el control-, prueba de que la banda podía lanzar sus mensajes más incisivos sin perder el sentido de celebración.

 

11. 'Let the Good Times Roll' ("The Mask Soundtrack", 1994)

Apenas un año después de "Give a Monkey a Brain...", la banda se viste de big band para reinterpretar el clásico del jump blues de Louis Jordan (1946), con una exuberante sección de vientos y el espíritu de las grandes orquestas del swing. Prueba de que podían adaptarse a cualquier tradición musical sin perder su identidad.

 

12. 'Alcoholic' ("Chim Chim's Badass Revenge", 1996)

Con varios de sus miembros originales fuera de la banda, Fishbone vivía tiempos difíciles. Aquí mezcla rock, funk y repentinas aceleraciones al punk para hablar, sin rodeos, de la adicción y sus consecuencias.

 

13. 'It All Kept Startin' Over Again' ("The Psychotic Friends Nuttwerx", 2000)

Una canción que parece hablar de la propia historia de Fishbone, entre soul, funk y rock, Angelo Moore entrega una interpretación cargada de emoción sobre una banda acostumbrada a reinventarse una y otra vez.

 

14. 'What's New Pussycat?' (con Los Fabulosos Cadillacs, 1996)

En plena efervescencia del rock latino, Fishbone y Los Fabulosos Cadillacs unieron fuerzas para reinterpretar el clásico de Tom Jones en el compilado benéfico "Silencio=Muerte: Red Hot + Latin". Una mezcla entre el caos funk-punk de Fishbone y el espíritu ska de los Cadillacs. Casi tres décadas después, muchos esperan que este encuentro vuelva a ocurrir sobre el escenario este 29 de octubre.

 

Ignacio Orellana G.