Kiss

1974, Casablanca Records

 

El fenómeno del Glam comenzaba poco a poco a ganar popularidad en un público más joven a inicios de los 70´s, aquí tanto la estética como la música estaban marcadas por la excentricidad y el espectáculo. Desde años anteriores y al igual que en otros géneros, la invasión británica ya era predominante. Sin embargo, la respuesta estadounidense no se haría esperar, siendo un primer turno para Alice Cooper, seguido de los no tan exitosos The New York Dolls, y luego la banda que formaría un legado con su imagen, pero que escondía un gran talento musical: Kiss. Con un icónico maquillaje y excéntricos atuendos cargados de negro, “La Estrella” Paul Stanley, “El Demonio” Gene Simmons, “El Gato” Peter Criss y el “Spaceman” Ace Frehley grabarían su debut en los Bell Sound Studios de Nueva York bajo el alero de Casablanca Records en 1974. Este álbum homónimo bebía mucho del Heavy Metal, pero también mostraba cierta influencia del Hard Rock, el cual ya tenía un gran estatus gracias a importantes bandas como Black Sabbath y Led Zeppelin.

 

Abriendo los primeros minutos del álbum, 'Strutter' tiene ese característico sonido de batería cargado de reverb, seguido de guitarras que se armonizan bajo una misma melodía para, luego de los versos, dar paso a aquellos coros al unísono por los que tanto se les reconocería en años siguientes. El timbre que tiene la guitarra en ocasiones juguetea con el Hard Rock, pero constantemente vuelve a los clásicos tonos del Glam. Además, cuenta con riffs interesantes y con un breve solo que se ve opacado por el bajo volumen que tiene en comparación al resto de los instrumentos, provocando que, al igual que las líneas de bajo de Simmons, se pierdan en la mezcla.

 

'Nothin to Lose' cuenta con la característica voz de Gene Simmons y Peter Criss. La incorporación del piano aporta un estilo blusero que acompaña a la perfección a los coros y la forma que cantan en esta pieza. Es una canción más juguetona que la anterior, que incorpora otro elemento clásico de la banda: voces que repiten el coro mientras la batería se mantiene en el fondo, seguido de una incorporación gradual de los demás instrumentos como el bajo, el piano y las guitarras. Esta vez el piano pierde protagonismo en el momento que más debería destacar por las interesantes melodías que incorpora en el final. 'Firehouse' es un tema que no destaca mucho, ya que se siente plano y bajo una misma línea durante toda la canción. 

 

Al entrar 'Cold Gin' pareciera que nos traerá más de lo mismo, pero para nuestra fortuna, logra dar la sorpresa con esos pegajosos cambios de ritmos en sus coros, teniendo el mayor quiebre en los minutos finales, cuando en un interludio musical las guitarras entran con potentes melodías que juegan entre sí. Esto mientras el bajo y la batería se complementan en una especie de competencia rítmica que termina con grandes redobles en el último coro. De esta manera mostraban todo el gran talento que tenían para aquella época, ya que 'Let me Know' repite esta infalible formula en sus minutos finales, con un quiebre espectacular que muestra uno de los ritmos más hardrockeros del álbum. Aunque su primera parte es bastante buena, con la voz de Stanley y Simmons creando coros que logran clavarse en nuestra cabeza, lo mejor llega cuando entran los increíbles solos de guitarra que se suman a toda la potencia con que suena la batería. Su único punto negativo es la corta duración de esto, ya que un temprano fade out nos deja con ganas de escuchar más.

 

Retomando un poco lo que hizo 'Cold Gin' en los momentos tempranos del álbum con ese peculiar ritmo en sus coros,  'Kissin´ Time', original de Bobby Rydell, los retoma y a su vez los lleva por un nuevo camino en sus versos. Las voces de Simmons, Stanley y Criss saca a relucir lo mejor de cada uno en el micrófono, mientras que nuevamente el protagonista son los solos de guitarra. Manteniendo las emociones en todo lo alto, 'Deuce' tiene un suave comienzo que se interrumpe por una guitarra mucho más ruda que se mantiene por toda la canción y que se complementa con la voz de “El Demonio”. Y para mantener las tradiciones, un increíble solo de guitarra despide esta canción, siendo tempranamente cortado por otro fade out.

 

Preparándonos para lo mejor del cierre, 'Love Theme From Kiss' es la pieza instrumental más corta del álbum, en donde el bajo de Simmons puede brillar libremente con un sonido claro y contundente. Esta además sirve como antesala a lo que será la potente '100.000 Years', la que muestra el sonido más crudo y motoquero que podía alcanzar esta alineación, siendo la voz de Stanley quien más brilla por lo bien que suena en este estilo musical. También cuenta con una de las mejores guitarras de todo el disco, las que, al igual que la batería, brillan en todo momento por su destreza y vertiginosos acordes, en donde también el bajo hace lo suyo ya que por fin logra apreciarse de mejor manera.

 

Para quienes pensaban que este debut cerraría con una clásica balada rockera al comenzar con una suave voz por parte de Paul Stanley, se llevarán una grata sorpresa cuando Peter Criss irrumpe con autoridad en su voz y la batería. La genial 'Black Diamond' mantiene aquellos tradicionales coros logran que se quedan grabados por horas en nuestra memoria gracias a su contagiosa melodía. Pero la mejor parte de esta canción se la lleva Ace Frehley al regalarnos uno de los mejores solos de todo el álbum. Y para cuando ya entregaron todo lo que tenían, lo platillos y acordes finales quedan sonando cada vez más lento, haciendo que el sonido se vaya distorsione cada vez más, dando la impresión de que en cualquier momento se transformará en un tema de Black Sabbath. Sin duda el mejor cierre que podía tener este particular debut.

 

Aunque haya sido un primer álbum un poco tibio al no haber sido trascendental ni revolucionario para la época, logra ser un primer paso importante para que el Glam alcanzara la fama que tuvo en la década siguiente. Tampoco le hace justicia el no haber envejecido del todo bien, ya que su sonido en ocasiones se siente como un demo que pierde momentos claves de la guitarra, pero sobre todo del bajo, quitándoles el protagonismo que merecen. Esto impide que la banda brille como lo hacía en las presentaciones en vivo de aquella época, ya que, como se vería a lo largo de su carrera, más allá de su maquillaje y vestimenta, estos poseían una gran calidad como músicos. Esta calidad se nota en las buenas ideas que contiene este debut, pero sobre todo en los interesantes ritmos y coros que nos dejan. Y para quienes busquen aquel icónico sonido de sus presentaciones en vivo, los trabajos posteriores como “Alive!” de 1975 y el "MTV Unplugged” del 96 son una opción infaltable para seguir disfrutándolos.

 

 

Aarón Vergara