América Paz: El desarrollo del etnowave

Publicado originalmente en revista Rockaxis #236, febrero de 2023.

 

América Paz ha forjado una carrera completamente versátil, ejecutando y mezclando diversos estilos como funk, soul, metal y folclore, entre otros. A pesar de haber pasado por diferentes agrupaciones, no es hasta después de haberse hecho viral con unos videos tocando en las calles del centro de Santiago que se plantea y decide comenzar su carrera solista. Desde ese momento, han pasado dos discos y tres EPs. Y todos, dan muestra de su constante inquietud y evolución musical. 

 

Ilse Farías

 

En noviembre de 2022, la bajista y compositora América Paz lanzó su último trabajo discográfico titulado “Message From the Stars”, un disco que musicalmente se define como etnowave, en el cual fusiona la cueca con los sonidos 8 bits y el vaporwave, dando como resultado un nuevo subgénero musical, variante del ethno jazz impulsado por Ernesto Holman. Dentro de este contexto, conversamos con la virtuosa bajista acerca de su visión musical y proceso de composición. 

 

Cuéntame acerca del título del disco y su significado dentro del contexto musical

 

El disco en general tiene hartos sonidos que son muy futuristas, lo encuentro muy espacial todo, entonces quería darle un nombre que tuviese que ver con el universo. Me encanta escuchar las sugerencias que te da semanalmente Spotify y, justamente, salió una canción que se llama “Message From the Stars”. La encontré tan buena que dije: «le voy a poner así al disco», y a raíz de eso comencé a crear el concepto. Cuando hice el primer tema –‘Cosmos’–, no lo hice pensando en que iba a hacer un disco instrumental, sino que fue un tema que simplemente salió y me gustó la mezcla que logré. Ahí empecé a considerar que quizás podría hacer temas en esa línea. 

 

Este trabajo lo defines como etnowave, y a su vez estás bautizando un nuevo subgénero musical. ¿Cómo nace esta fusión?

 

Escucho mucho synthwave, vaporwave y todas las ramas que tienen que ver con eso, como Future Fan y City Pop, entonces justamente esta mezcla nace un poco inspirada por Ernesto Holman, porque él es el propulsor del ethno jazz. Si bien nació de lo que ya venía trabajando él, no lo considero ethno jazz. Cuando comencé a hacer el disco, sentía que en realidad era algo nuevo, tenía que ponerle un título diferente como para también ir haciendo camino y para retribuir un poco a Ernesto. Esta otra rama tiene que ver también con la cultura de internet que hay hoy en día, porque estos estilos que yo escucho resurgen desde ahí, por eso decidí preservar el término wave, tomando en consideración que tiene la estética sonora de eso y la combinación de lo que me inspiró Holman. 

 

¿Cómo nace tu interés por la cueca y desarrollar su rítmica desde el bajo?

 

Eso viene de mucho antes, con la influencia de mis padres, porque ellos tenían la banda Sol y Medianoche, y lo que hacían era precisamente fusionar el progresivo o rock sinfónico con el folclore. Siempre encontré que la música de ellos era súper futurista, sobre todo su último trabajo, que fue el casete “América Paz” (1990), entonces la inspiración viene de ahí. Después, cuando ya estaba tocando bajo, a los 18 años comencé a estudiar con Holman, y como él es súper purista con lo suyo y sus conceptos, cuando le pedí que me enseñara a tocar slap me dijo: «ya, te voy a enseñar, pero con ritmo cueca», así que lo aprendí con él. Cuando comencé con este disco, desarrollé con más profundidad las técnicas, ritmos, acentos del slap y también incorporarlo en las canciones. Hay temas y partes, como que desarmamos un poco los patrones de la cueca, pero sin que se pierda la esencia. Y también influyó mucho que estuve un tiempo durante el 2019 reemplazando a Jorge Campos en Santiago del Nuevo Extremo. En una ocasión fuimos a una gira en Argentina y Luis Le-Bert, que tiene un libro y toda una teoría de dónde vino la cueca, me explicó el asunto de las métricas, de que la hemiola estaba en 4/4, que también se puede contar en 2/4, está el 6/8 y 3/4, dependiendo en donde uno ponga el acento; en realidad puedes encontrar todas las cuentas. Además de eso, hay que considerar también que la cueca la tocaba gente que no era estudiosa de la música, entonces tiene ese asunto del micropulso, que de repente se va para atrás o para adelante, entonces hay un mundo de acentos, ritmos y métricas que están metidos dentro de la cueca. Sentí que tenía que explotarlo en este disco, lo que intenté hacer fue aprovechar la rítmica, más que la armonía de la cueca. 

 

¿Y de dónde salen los sonidos 8 bit y el interés de hacer esta mezcla?

 

Siempre he sido súper nerd, me enamoran los sonidos de Nintendo de 8 o 16 bits. De hecho, me inspiré mucho en la música de Donkey Kong (compuesta por David Wise) para este disco, entonces quise incorporarlo. Quería integrar eso de una forma de que no fuera una caricatura, sino que fuera parte real de la música como arreglo, como algo serio, no como algo chistoso o divertido, sino como algo realmente de la estética.

 

Y en el arte del disco se ve reflejado tu gusto por el anime.

 

Justamente, durante todo este tiempo en que estaba desarrollando este disco, nació la posibilidad de que Dingwall me enviara un bajo para que pudiera hacerle una pintura especial y se me ocurrió la idea de que el artista El Miedo hiciera este arte sobre el bajo. Su técnica con los colores y esa psicodelia que él tiene llevada al anime, siempre me enamoró, es un artista que yo respeto y admiro muchísimo. Cuando vi el bajo terminado, pensé que este disco tenía que tener también esta estética flúor, con los colores, las luces, y empecé a imaginar cómo podía ser el show en vivo. De hecho, me puse los mismos colores en el pelo, queríamos que saliera de lo común. A pesar de que este disco cabe dentro de lo que es la fusión, quería darle ese sello con una estética muy fuerte y con algo que tiene que ver con el anime, específicamente con Sailor Moon, del que soy súper fan. En el fondo, no porque sea un disco fusión tiene que ser algo serio o demasiado apagado. Quería que fuera algo que resaltara y llamara la atención. 

 

 

También hay varios músicos invitados. Cuéntame acerca de estas colaboraciones.

 

En ‘Cosmos’, lo primero que inventé fue el patrón principal del bajo. Entonces, cuando lo empecé a tocar, inmediatamente sentí que sonaba muy Holman. Cuando llegué a la parte del solo, pensé en invitarle y hacer un solo tipo pregunta/respuesta. Era ideal, porque él usa un bajo fretless, entonces el sonido es notoriamente distinto al mío. Hice el arreglo de esta canción de tal manera que fuera imposible que Holman me dijera que no, porque como él fue mi profesor y lo conozco tanto, puse muchos códigos de cosas que él hace en sus canciones. Lo que quería es que cuando escuchara la canción, se sintiera en su zona de confort. Esa fue la lógica que ocupé con todos los invitados.

 

También están en los créditos otros grandes bajistas, como Felipe llabaca y Jorge Campos, además del invitado internacional, Bubby Lewis, que ha trabajado para gente como Stevie Wonder y Snoop Dogg, entre otros.

 

Sí, en ‘Continue?’ pensé inmediatamente en Felipe y lo invité, porque es el tema más ondero del disco, entonces si pensamos en bajos onderos acá en Chile, él es uno de los reyes del groove. Quería que hiciera un solo de slap porque ese es su fuerte, y lo hice en una tonalidad específica, porque sé que es lo que a él le podía acomodar. En el caso de “Trance”, de todos los bajistas, Jorge Campos es el más experimental, loco y oscuro, entonces dije: «la canción de él tiene que ser la más oscura y loca». En el caso de Bubby Lewis, quería mucho tener un invitado internacional y justo tocó la casualidad de que nos habíamos conocido en el Namm en Estados Unidos. Ahí tuvimos mucha buena onda, soy fan de su trabajo, nos empezamos a seguir en Instagram y él siempre le da like a mis cosas y yo a las de él.  Cada cierto tiempo, publicaba que tenía cupos abiertos para grabar y con toda la fe le escribí e inmediatamente me dijo que sí. Yo tenía como una fantasía de hacer que un gringo tocara en algo que fuera muy chileno, y el tema que toca él que es ‘Mapuchill’, que tiene ritmos mapuches y cuequeros. Así fue todo el proceso, traté de que cada invitado se sintiera muy cómodo y a gusto con su canción y su parte.

 

 

“Message From the Stars”, canción por canción

 

‘Halcón galáctico’: Este tema lo hizo Ives Gullé (Húsar). Le pedí a él esta misión porque quería que la introducción del disco fuera muy apoteósica. Le dije: «imagínate que cada tema del disco es una etapa de un videojuego», entonces él hizo una reinterpretación de cada tema. Es como un mix y está en 16 bits. 

 

‘Cosmos’: Es medio nostálgico, pero tiene esa cosa esperanzadora de «pucha, está todo mal, pero igual hay esperanzas de que salga el sol». Nace de la necesidad de inventar algo que tuviera el sabor de acá, era una cosa que tenía pendiente. Siento que todos los músicos chilenos tenemos una deuda con nuestra música e identidad, así que fue como una especie de reivindicarse con eso.

 

‘Inner strugle’: Es full drama, muy introspectivo. Toda esa esperanza que sonaba en ‘Cosmos’ se ve muy lejana y por eso tiene esa parte del medio que tiene varios cortes y sonidos como glitch, de internet, interferencias, cosas así. En el fondo, esa sensación de estar atrapado con la tecnología y que en la pandemia todo era virtual y no te podías ver con la gente. Tiene esa carga oscura.

 

‘Continue?’: Trata un poco de no abandonar los sueños. Es como «esto es mi vida y no voy a abandonar mis sueños, me voy a dejar llevar por las melodías que me hacen libre». Después de la intro de teclado, entra una parte súper dura, con un beat y un slap, ahí me imaginaba la ciudad de noche, los autos, la gente inmersa en la rutina, como yéndose a la casa en el Metro con cara enojada. Toda esa dureza de la ciudad. 

 

‘Mapuchill’: Representa la voz de la tierra y fue por eso mismo que se me ocurrió invitar a Luis Le-Bert. Sentía que la canción necesitaba esa voz más folclórica y él le dio todo ese toque especial. Lo que hay de letra es como el idioma ficticio del Lucho, pero al final tiene un “cara-cara-ca” y a nosotros nos encantó porque eso es muy de acá. En la composición en sí, me inspiré en la película de Studio Ghibli, La Princesa Mononoke (Hayao Miyazaki, 1997). Tenía esas imágenes en mi mente, de la naturaleza y todo ese mensaje. 

 

‘Mom spaghetti’: En la pandemia, una de las cosas que extrañaba mucho era compartir con mi mamá, porque ella vive en Punta Arenas y justo yo estaba viviendo sola, entonces se sentía más esa sensación de extrañar a la familia. Cuando ya se podía viajar, ella empezó a venir a mi casa y me preparaba sus tallarines que son espectaculares. Ella hacía hartos y los dejaba congelados, entonces después cuando no estaba, los descongelaba y era como estar con ella de cierta manera. Sentía que tenía que hacer una canción que reflejara ese momento. Para este tema invité a Koke Benavides, guitarrista de Octopus, y que además tenemos un proyecto juntos que se llama Hat Trick. Él le hizo ese solo que es maravilloso, muy virtuoso, lindo y elegante.

 

‘Trance’: Es el más oscuro y loco. En este tema, puse los sentimientos más pesimistas y creo que terminé de plasmar todas las sensaciones de la pandemia. Aproveché de ocupar la armonía más clásica de la cueca, que es precisamente en mi solo, justo cuando entran los sintetizadores y le dan esa oscuridad que se mezcla con una cueca típica chilena en tonalidad menor. La parte de Jorge Campos es la más sorpresiva, porque es como si te llevara a otro lugar, como que se destruye el planeta prácticamente. En esa parte sampleamos voces mapuche reales, lo que le da más la sensación de trance. Al final de la canción, salen unas melodías que son muy festivaleras, sentía que el disco tenía que terminar arriba, fuerte, grandioso y apoteósico.