"Pin Ups": el futurista espejo retrovisor de Bowie Sábado, 19 de Octubre de 2024 Cuando salió el séptimo largaduración de David Bowie, desconcertó tanto a la crítica especializada como a sus fanáticos. Considerado con los años como un proyecto menor, "Pin Ups" fue una apuesta y un desafío personal: resolver algunas deudas y reescribir su propia historia de cuando era David Jones, una figura terciaria del pop de los 60. Este disco compilatorio de viejas canciones mod, psicodélicas y beat reversionadas, fue la forma con la cual moldeó ese pasado y asoció –con su infalible ingenio– lo vivido en Londres entre 1964 y 1967, "en aquellos días donde era parte del público”. Por César Tudela Para 1973, el Camaleón se encontraba casi en lo más alto de su carrera y en un gran momento de popularidad, impulsado tras la edición de una envidiable tripleta discográfica entre 1971 y 1973 que se han convertido en clásicos incuestionables. Sin embargo, en la agonía de su alter ego Ziggy, convocó por última vez a su banda The Spiders From Mars –con excepción de Woody Woodmansey que fue reemplazado por Aynsley Dunbar en batería– para homenajear a parte de los músicos que admiraba y lo habían influenciado en su adolescencia. Tras el “Ziggy Stardust Tour”, Bowie estaba cansado y agotado creativamente, pero tenía una obligación con su sello RCA, quienes no querían desaprovechar el buen momento del Camaleón y tener material nuevo para la Navidad de 1973. Fue su manager Tony Defries, que valiéndose de una negociación del contrato de su representado, impulsó la creación de un álbum de covers. Pero sería injusto catalogarlo sólo como un acto oportunista. Es también un ejemplo de humildad y de una reivindicación eufórica, además de ser el último capítulo de su brillante asociación con Mick Ronson y el productor Ken Scott, con quienes trabajó durante casi un mes en Francia. Fue número #1 en el Reino Unido por cinco semanas por dos razones. Primero, la inteligente curatoría que él mismo realizó escuchando sus singles de 7”, como un fan que ansiaba por modernizar a esas bandas que pudo ver en vivo, y de las que había sido contemporáneo. Pero además, escogiendo con pinzas aquellos hits que lo habían influenciado en sus primeros años y que también sirvieran en los mercados de ambos lados del Atlántico. Ahí se entiende la ausencia de nombres como The Velvet Underground, Scott Walker o Jaques Brel (del que logra poner ‘Amsterdam’ como lado B del single ‘Sorrow’). Y es que Bowie no pretendía relatar algún tipo de autobiografía. Y segundo –su golpe maestro–, es que este particular emprendimiento fue una apuesta decidida a anticiparse al momento donde se hacía sentir la nostalgia de los 50 (con Brian Ferry de Roxy Music lanzando en esas mismas fechas su también álbum de covers "These Foolish Things"), dando un salto a la siguiente ola del revival: los 60. Para el crítico musical Greil Marcus, este no es un trabajo para desestimar tan fácilmente. “A pesar de los nobles experimentos a finales de los años 70, este llamativo tributo a la escena inglesa sigue siendo su peculiar triunfo. ¿Quién más podría cantar 'Here Comes the Night' como una reina delirante y hacer que suene la noche?”. Pero Bowie no solo hace de las suyas en la canción de The Beach Boys. Si bien muchos de sus arreglos mantienen las melodías originales, le inyecta el espíritu de la era glam rock (en donde era el monarca) y “su voz flota despreocupada por encima de la música, en contraste a las originales en donde los cantantes gritaban para llamar la atención”, escribió Greg Shaw en su reseña de la Rolling Stone. Así, logra enaltecer esa obra maestra del pop como lo es ‘Friday on My Mind’ de los Easybeats; tensiona la sicodelia que le plasmó Syd Barrett a ‘See Emily Play’ hacia la estética glam, manteniendo su inquietud experimental con un resultado al menos interesante; transforma la enérgica ‘I Can’t Explain’ de The Who a un ritmo atrayentemente sensual; y convierte el beat simple de ‘Where Have All the Good Times Gone?’ de The Kinks en una canción confesional y con alma. Fue un acercamiento personal y un respiro emocional, poniendo de manifiesto su propia condición de fanático. Simon Reynolds teoriza incluso que por eso tituló a este álbum “pin-ups”, una extraña palabra que evoca a los adolescentes que recortan fotografías de sus ídolos y las pegas sobre las paredes de la pieza. Bowie afirma la tesis en una entrevista: “eran bandas que solía escuchar en el Marquee. Cada una de ellas fue importante para mí en su momento. Es mi Londres de aquella época”. El menos popular de sus álbumes en los 70 deambula entre su crisis creativa y un acto innovador –romper con el culto a la originalidad–, que desde su portada, con su look andrógino al lado de la modelo Twiggy (en una foto que originalmente sería para la revista Vogue), significó un trabajo de transición, antes de sumergirse en el mundo orwelliano, de dejarse permear por el soul de Philadelphia, de convertirse en el Duque Blanco y de atravesar la cortina de hierro del Muro de Berlín. De alguna forma, y mirado con distancia, este episodio de retromanía fue también un acto de provocación y vanguardia que solo Bowie podía hacer posible. Tags #David Bowie # Bowie # MIck Ronson # Pin Ups # Ken Scott # Twiggy Please enable JavaScript to view the comments powered by Disqus. 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