Wayne Krantz: "Música divertida, activa y energética" Guitarrista estadounidense debuta en Chile Martes, 21 de Mayo de 2024 Guitarrista fiero, dotado y valorado como pocos por sus pares y por los fanáticos de la guitarra y la música instrumental, el intérprete de las seis cuerdas y compositor estadounidense Wayne Krantz debuta en nuestro país el próximo jueves 30 de mayo en el Club Chocolate de Santiago, junto a su trío de músicos argentinos, el baterista Tomy Sainz y el bajista Martín Varela. Parte de la relevante tradición de guitarristas de la fusión del país norteamericano, como John Scofield, John Abercrombie, Vernon Reid, Kevin Eubanks y Mike Stern, Krantz ha hecho un camino propio en el contexto de la música instrumental, debutando como solista en 1991 con el álbum “Signals”. Aparte de su trabajo como titular, que suma en su catálogo discos de la potencia de “Long to Be Loose” (1993), “2 Drink Minimum”, “Krantz Carlock Lefebvre”, “Good Piranha / Bad Piranha” (2014) y “Write Out Your Head” (2020), Krantz ha trabajado ampliamente con el saxofonista estadounidense David Binney y la guitarrista y cantante alemana, Leni Stern. En sus comienzos estuvo en una banda junto a Bill Frisell y salió de gira con Carla Bley, pero tambipen ha participado con grupos y solistas del calibre de Billy Cobham, Michael Brecker, Chris Potter y Steely Dan. Tuvimos la suerte de conversar con el guitarrista acerca de todos estos tópicos y más. -Hola Wayne, gracias por tu tiempo para esta conversación. El próximo 30 de marzo llegas a Chile con tu trío “argentino” conformado por el baterista Tomy Sainz y el bajista Martín Varela ¿Qué nos puedes contar de esta formación, de su sonoridad y dinámica musical y también de las composiciones que tocarán? -Qué te puedo decir; son los gatos más malos de Buenos Aires. Si conoces mi música, sabes la vibra básica de lo que hacemos: mucho ritmo e improvisación, con algo de composición mezclada para equilibrarlo todo. Los temas en su mayoría son canciones mías existentes, pero reorganizados y condensados para darnos espacio para improvisar de maneras diferentes a las habituales. Es de esperar que sea música divertida, activa y energética que no dependa de los solos para funcionar, sino de la dinámica del grupo y de una audiencia que escuche. -Esta es la primera vez que vienes a Chile. ¿Sabes algo de la cultura o la historia de nuestro país que te llame la atención? - Lamentablemente, no sé mucho sobre tu hermoso país. Soy estadounidense y no nos enseñan mucho sobre el mundo en nuestras escuelas, así que para saber algo tenemos que ir allí. Esta es la segunda vez que voy a Santiago, tal vez esta vez aprenda un poco más. Eso espero. -Hablemos de tus inicios ¿Cuáles dirías que fueron los guitarristas y los músicos en general, que te inspiraron para seguir el camino de la música? En otras palabras, ¿cuáles son tus influencias más importantes como compositor e instrumentista? -Francamente, los comienzos me parecen muy aburridos, no sólo los míos, sino que los de todos. ¿Influencias? No sé. The Beatles. Música negra americana en general. Miles Davis. Picasso. Richard Prior. Debussy. George Orwell. Sophia Loren. -¿Qué nos puedes contar de la escena jazzera en Nueva York? ¿Qué tan cohesionada está y cuáles son los músicos con los que te juntas regularmente para conciertos juntos o, simplemente, para compartir experiencias? ¿Cómo ves el estado de salud del jazz en Nueva York y, en general, en Estados Unidos? - En realidad, nunca he formado parte de la escena del jazz en Nueva York... No toco estándares y no baso lo que hago en el bebop u otras formas tradicionales del jazz, aunque la mayoría de mis amigos de allí sí lo hacen. La pandemia asestó un golpe bastante severo a la ciudad, algunos lugares importantes cerraron definitivamente y, aunque siempre habrá allí una energía musical valiosa, parece un poco perdida en este momento. Pero realmente no lo sé, no paso mucho tiempo allí estos días. Estados Unidos se encuentra en un lugar tan extraño en este momento que no me atrevería a adivinar dónde está el "jazz" en su lista; presumiblemente muy, muy abajo en alguna parte del fondo. -En 1990 debutaste como solista con el disco “Signals”, en el que participan músicos de la categoría de Dennis Chambers, Don Alias y Antonhy Jackson. ¿Qué recuerdas de la grabación de ese álbum y cuál es su importancia en el contexto de una carrera como solista que recién comenzaba? -Fue importante porque me ayudó a empezar mi camino propio y las piezas solistas que contenía, terminaron siendo fundamentales para mi estilo. Pero en realidad fue sólo una muestra de lo que estaba tocando en ese entonces. Todavía no tenía un concepto de grupo. Eso vino para el disco que le siguió, "Long To Be Loose". -En tu trayectoria has trabajado con grandes músicos, entre ellos, Billy Cobham, Michael Brecker, Mike Stern, Carla Bley y el dúo Steely Dan ¿Cuál dirías que es el aprendizaje que te deja tocar y grabar con estos músicos, con distintas maneras de entender el arte, la música y la vida? -Es una buena manera de plantear la pregunta. No estoy seguro de cómo responder. Yo era sólo un tipo en Nueva York que intentaba tocar bien, inicialmente como acompañante de las bandas que mencionas, luego como líder. Muchas veces depende de a quién conoces y con quién has tocado antes para que te contraten como músico. Por eso es importante ir al lugar donde se hace la música si quieres conseguir tocar con esos artistas. -Una parte importante de tu carrera discográfica, fue la que comenzó con tu inclusión en el importante sello Abstract Logix y grabaste discos con Tim Lefebvre en bajo y Keith Carlock en batería, entre otros músicos ¿Qué nos puedes contar de esa etapa de tu carrera, en la que grabaste discos como “Krantz Carlock Lefebvre” de 2009 y “Good Piranha / Bad Piranha” de 2014? -Abstract es básicamente un distribuidor que aceptó actuar como mi agente durante ese período. Desde mis primeros discos no he estado en ningún sello discográfico, aparte de un pequeño sello independiente de jazz de Múnich. Antes de hacer el disco “KCL” que mencionaste, era completamente independiente: ni sello, ni distribuidor, ni agente, ni manager. Eran los albores de internet y estaba tratando de hacerlo por mi cuenta. Sobreviví así durante casi 10 años. Pero, en última instancia, necesitamos aliados si queremos llegar a alguna parte. Al menos yo lo hice. Ideas y dirección -En 2012 lanzaste el álbum “Howie 61” con numerosos músicos como John Patitucci, Vinnie Colaiuta, Jeremy Stacey, Kenny Wollesen y Nate Wood solo por nombrar algunos. ¿Cómo fue la experiencia de grabar ese disco y cómo se da la referencia o relación con el clásico de Bob Dylan, “Highway 61 Revisited”? -Fue realmente un desafío. Sesiones en tres ciudades, Nueva York, Los Ángeles y Londres. Sin productor, 25 músicos. Cantando en un disco por primera vez, sin tener ni idea de cómo hacerlo. Pero eso es lo que estaba pasando entonces, eso es lo que tenía frente a mí, lo que quería hacer. Tengo que seguir ideas como esa, es todo lo que tengo como dirección. Lo de Dylan comenzó con el título “Howie 61”, que era simplemente una versión divertida de “Highway 61”. Una vez que decidí usarlo, basé mi escritura en la forma de la canción de Bob. No fue un homenaje ni nada. Apenas conozco su música. Fue simplemente divertido. Me gusta la pista. -Una colaboración que llama la atención es la que hiciste en 2015 con Markus Reuter en un tema del disco “Mundo Nuevo”. Te lo digo, porque Reuter está más asociado al mundo del rock progresivo ¿Cómo se dio ese encuentro y qué nos puedes contar de ese tema en particular? -Es curioso lo que sale por ahí, me había olvidado de esa canción. No recuerdo cómo conocí a Markus... amigos en común, probablemente. Yo estaba en Buenos Aires y él vino con Tony Levin y me invitó al espectáculo. Más tarde me dijo que estaba haciendo este concepto genial, pidiendo a amigos que habían estado en los conciertos que contribuyeran con música que reflejara la experiencia en Argentina de alguna manera. Nunca escuché el disco, como suele ocurrir. Ya sabes, estas etiquetas de género, como "jazz" y "rock progresivo", los propios músicos no las usan mucho; son más la audiencia y los periodistas quienes lo hacen. Los músicos son músicos y, afortunadamente, es bastante común interactuar fuera de los géneros. Mundo Nuevo de Markus Reuter with Wayne Krantz -Tus dos últimos álbum lanzados por Abstract Logix son “Write Out Your Head” de 2020 y “Music Room 1985” de 2021. ¿Cuáles son las características más importantes que destacarías de esos discos? Aprovecho también de preguntarte si hay un nuevo registro en camino… -“Write Out Your Head” fue escrito completamente lejos de la guitarra, utilizando el software Sibelius. Nunca había hecho eso antes. Apenas estoy en el disco, porque la muestra de guitarra del software era completamente aburrida y quería que Rhodes se hiciera cargo. La secuencia de Rhodes es lo que está registrado. El chico que quería interpretarlo no pudo asistir. Como sea, estoy orgulloso de lo escrito en ese disco. “Music Room 1985” es el primer proyecto que grabé, justo después de mudarme a Nueva York. Iba a ser mi primer disco, pero no sucedió. Lo encontré décadas después y me gustó tanto que lo publiqué yo mismo. Mucha esperanza y amor en ese álbum. Y sí, estoy trabajando en algo nuevo: un álbum de guitarra solista. Nunca he hecho uno y ya es hora. Gracias por preguntar. Héctor Aravena A. Tags #Wayne Krantz #Tomy Sainz #Martín Varela #Wayne Krantz Trio Please enable JavaScript to view the comments powered by Disqus. 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