Pedro Aznar: ''Una canción tiene que atravesar lo racional y conmover''

Pedro Aznar llega a Chile para cerrar un tramo decisivo de su gira Pedro Aznar 5.0 – 50 años de música Volumen 2, una celebración que ha mantenido al público latinoamericano profundamente conectado con su obra. Después de agotar varias funciones en el Teatro Municipal de Las Condes y sumar nuevas fechas en Santiago y Valparaíso debido a la alta demanda, el músico argentino vuelve a encontrarse con una audiencia que lo ha acompañado durante décadas y que reconoce en él a uno de los artistas más influyentes de la región.
    
Su trayectoria —que abarca desde su rol fundamental en Serú Girán hasta su paso por el Pat Metheny Group y una carrera solista llena de exploración y sensibilidad— lo ha convertido en un referente que trasciende generaciones y géneros. Aprovechando su visita al país y a pocos días de estos nuevos conciertos, nos reunimos en persona para conversar sobre su mirada actual, sus procesos creativos y la forma en que recorre medio siglo de música desde este presente.

- Pedro, regresas a Chile con varias funciones ya agotadas y un público que te sigue con enorme lealtad. ¿Cómo estás viviendo este nuevo reencuentro en un formato tan íntimo?
- Con mucha alegría. Es un show muy emocionante porque recorro mis 50 años de música en orden cronológico, así que es como meterme en un viaje en el tiempo acompañado por la gente. Han sido casi dos años de esta gira, muy emocionantes. Estos son los últimos conciertos; este show se despide y me va a dar un poco de pena dejarlo, porque realmente lo paso muy bien.

- Estos conciertos coinciden con el lanzamiento de "La Hora de la Infamia". ¿Qué te interesa compartir especialmente con el público chileno sobre estas nuevas canciones en vivo?
- Creo que son canciones necesarias para estos tiempos. Son mi crónica personal de cómo vivo este momento, y para quien le sirvan estas reflexiones, ahí están.

- Este EP nació en un espacio muy íntimo, buscando esa "primera chispa" creativa que valoras tanto. ¿Qué necesitabas encontrar personalmente para que estas canciones tomaran forma?
- Surgieron de manera muy espontánea, particularmente desde la poesía. Escribí las letras primero y después las musicalicé, algo que me gusta mucho porque me da mayor libertad. Como poeta me siento más libre trabajando de esa manera, aunque cuando sé que la letra será para una canción trato de mantener métricas repetibles para no dificultar luego la parte musical. Esa libertad me gusta: el poeta escribe libremente y después el músico se acomoda a lo que escribió el poeta. Me funciona bien.

- Las letras del EP abordan temas fuertes, pero con la poesía que caracteriza tu obra. ¿Cómo encontraste ese punto donde la crítica social convive con la belleza estética?
- Creo que es importante no perder la búsqueda de la belleza, porque para eso hacemos arte. Si no, sería simplemente una crónica periodística. Una canción puede tener un aire de crónica, pero tiene que tocar el corazón, atravesar lo racional y conmover a través de su belleza. Esa es la manera en que el mensaje se hace carne y realmente llega al alma.

- En 'Libertad' trabajaste con Agarrate Catalina, un universo coral muy distinto al tuyo. ¿Qué te atrajo de esa energía y cómo dialoga con esta etapa que estás viviendo?
- Cuando escribí la letra de 'Libertad', sentí inmediatamente que debía cantarla una murga, y en particular Agarrate Catalina, que me gusta muchísimo. Tuve la alegría de que cuando les mostré la canción, les encantó desde el primer momento. Me dijeron que sí de inmediato, y la experiencia fue hermosa. Es un tema muy bueno.

- También está 'El Lobo y las Ovejas', donde cantas completamente solo, sin música. ¿Cómo fue grabar algo tan desnudo, solo tu voz?
- Es una fábula, y sentí que debía ser dicha de esa manera: a cappella. Quería que la voz llevara todo el mensaje, para que el mensaje fuera lo más importante. Surgió espontáneamente que tuviera ese aire de copla española. Un amigo querido, cuando la escuchó por primera vez, me dijo algo que me impactó mucho: "Parece Federico García Lorca". Fue un honor enorme escuchar eso. Y sí, es fuerte. El uso del silencio, de las pausas, de la respiración… más el reverb preciso, todo contribuye. Es una obra de la que estoy muy satisfecho.

- Has hablado de la importancia de proteger la paz interior para sostener la creatividad. ¿Cómo cuidas ese espacio en medio de una agenda tan intensa?
- Se da espontáneamente. Soy meditador desde hace 40 años, y eso vive en mí. Está presente todo el tiempo, aunque a veces haya días en los que no tengo tiempo de sentarme a meditar formalmente. Creo que eso marca la tónica de cómo me muevo en el mundo. Ese espacio interior, ese espacio de paz, es lo que me permite ser un hombre de acción y enfrentar una agenda que a veces está muy cargada, y llevarlo sin perder esa paz, al menos en parte. Se hace lo que se puede.

- En esta celebración de tus 50 años de música revisitas distintas etapas de tu historia. ¿Qué descubrimientos has hecho al revisar tu propio catálogo desde este presente?
- Muchísimos. La gente me ayudó a armar el repertorio y eligió cosas muy bonitas, incluso algunas que quizá yo habría pasado por alto. Lo que encontré, felizmente, es un hilo conductor en toda esta historia: el respeto al oyente y la constante búsqueda de algo que me emocione a mí. Si no me emociono yo, difícilmente voy a emocionar a alguien más. Fue muy feliz encontrar que en todas las etapas había esa impronta: primero busqué algo que me tocara a mí para después intentar tocar a los demás.

- Del primer impulso creativo a la realización técnica hay un recorrido enorme. ¿Qué te sorprendió del proceso de transformar estas canciones para llevarlas al escenario en este formato unipersonal?
- Es un desafío enorme, porque en una antología de esta índole entran en juego muchas cosas. Entre ellas, cómo llevar cada obra al escenario, cuánto conservar de la versión original y cuánto modificar. Lo que hice fue poner las canciones a dialogar con mi momento presente, con cómo me gustaría que suenen desde hoy. En este show, el volumen 2 de la gira 5.0, el formato unipersonal hace el desafío doble, porque soy yo solo comunicando cada obra. Debo decidir de qué manera presentarla, con qué instrumento, qué arreglo, qué orquestación. En algunos casos me regrabo en vivo y hago dos o tres capas de sonidos; en otros uso algo pregrabado por mí. Cada decisión está hecha desde el respeto a la canción y desde la certeza de que está siendo interpretada en 2025, desde hoy. Con una discografía tan extensa y pasando por tantos géneros, no fue fácil elegir y adaptar todo ese material.

- Mirando tu evolución, ¿qué ha cambiado más en tu manera de componer con el paso del tiempo y qué rasgos sientes que siguen estando ahí desde tus inicios?
- Una de las cosas que cambié fue la manera de encarar la escritura: ahora escribo la letra primero y después la musicalizo. Eso me da una libertad distinta. Cuando se hace al revés, la letra debe ajustarse a la música: a la métrica, a la melodía. Aunque siempre trato de escribir con cierta periodicidad cuando sé que será una canción, no tener aún una melodía en la cabeza me libera para escribir con más espontaneidad. Otra cosa que cambió es que he tomado mayor conciencia de la potencia de la canción como medio expresivo. Esta idea de que el mensaje es más fuerte cuando se transmite con belleza. Eso me ha convertido en un autor más enfocado en las canciones. No sé si mejor; eso lo podrán decir quienes escuchan. Uno no tiene la imparcialidad necesaria para juzgar su propio trabajo. Cuando pasa el tiempo y vuelvo a escuchar algo, recién ahí puedo decir: "Esto está bien, esto no tanto". Ahí se gana algo de distancia. Pero siempre es difícil.

- Después de este EP y de esta gira, ¿qué curiosidad artística te está guiando ahora? ¿Hacia qué territorio creativo te gustaría avanzar?
- No lo sé con exactitud. Ahora estoy completamente dedicado a esto y disfrutando estos últimos conciertos, que me da un poco de pena que se terminen. Tengo un par de cosas en el horizonte, pero en cuanto a la dirección general de lo que haré, no lo sé aún. Creo que "La Hora de la Infamia" marca un rumbo, y "El Mundo no se Hizo en dos Días", el disco anterior, también. Hay un viraje ahí, y esos dos trabajos pueden marcar la pauta de hacia dónde vaya.

- Para finalizar, ¿qué te gustaría decirle a tus fans chilenos que están tan ansiosos por esta mini residencia en Santiago?
- Para mí es un placer enorme estar siempre acá. Vengo con muchísima alegría y sé que me voy a encontrar con un cariño enorme que es mutuo. Que disfruten, como voy a disfrutar yo.

Matias Arteaga S.