El otro 1991

(Publicado originalmente en revista #Rockaxis219, septiembre de 2021)

Desde producciones súperventas de la cultura pop como los exitosos “Stars” de Simply Red y “Joyride” de Roxette; hasta joyas del rock alternativo under como “Green Mind” de Dinosaur Jr. y “Forbidden Places” de Meat Puppets, pasando por trabajos que hicieron explotar al rap como “The Low End Theory” de A Tribe Called Quest y el debut homónimo de Cypress Hill, y por discos latinoamericanos que impactaron a sus escenas como “Doble Opuesto” de La Ley y “Acariciando lo Áspero” de Divididos. 1991 fue un año que deslumbró musicalmente de manera fundamental, incluso más allá de los evidentes. A 30 años de este fenómeno, revisamos 30 álbumes que han estado fuera del radar pero que también marcaron a la Generación X.     

Por Equipo RX

En nuestra época de constantes revisiones al pasado, destacar años claves para la historia de la música popular ha significado la aparición de diversas nuevas tesis que le han dado valor a diferentes revoluciones sonoras. Este año en particular, a tres décadas del fenómeno, 1991 aparece como cuna de la creación de discos que no solo marcaron el inicio de la última década del siglo XX, sino que también sentaron las bases de cómo sonaría el rock de ahí en más. Desde el urgente “Nevermind” de Nirvana al pulcro “Black Album” de Metallica; del innovador “Out of Time” de REM al adrenalínico “Blood Sugar Sex Magik” de Red Hot Chili Peppers; o del brutal “Badmotorfinger” de Soundgarden al criollo debut homónimo de Lo Tres. Todos estos trabajos tienen un «espíritu de trascendencia que ayudó a definir el rumbo de la música contemporánea», recordando la frase que usó el periodista Mauricio Jürgensen en una nota aparecida hace 10 años en esta misma revista cuando se escribieron de estos discos entre otros álbumes señeros de aquel año, como “Ten”, “Screamadelica”, “Achtung Baby”, “Innuendo”, “Use Your Illusion” y el homónimo de Mr. Bungle.

Sin embargo, no hay que hurgar tan profundamente en el catálogo de 1991 para encontrar otros tesoros que dejó aquel año. Discos que, con el tiempo, han cobrado un valor incalculable y que se han transformado en fuentes de inspiración para estilos que se desarrollaron tanto en los noventas como en las décadas siguientes. Las revoluciones iniciadas por “Loveless” (My Bloody Valentine) en el shoegaze, “Spiderland” (Slint) en el post-rock, “Blue Lines” (Massive Attack) en el trip-hop o “Goat” (The Jesus Lizard) en el post-hardcore, son catalizadores sonoros hasta hoy.

“Uncle Anesthesia”
Screaming Trees
Epic Records
Producción: Terry Date, Chris Cornell, Screaming Trees
Publicación: 29 de enero

El disco con el que Screaming Trees encuentra su voz. Con Terry Date y Chris Cornell en la producción, el quinto registro de estudio de la banda mejora y ordena los elementos de su trilogía en SST Records. Es difícil entender cómo un disco con tantos ganchos melódicos pasa tan desapercibido. Canciones como ‘Bed of roses’, 'Caught between’ o ‘Lay your head down’ tienen más que ver con el REM de fines de los ochentas que con Alice In Chains o Soundgarden. Con todo, “Uncle Anesthesia” sigue siendo una de esas joyas del sonido de Seattle que vale la pena seguir descubriendo. (Pablo Cerda)

“Green Mind”
Dinosaur Jr.
Blanco y Negro Records
Producción: J Mascis
Lanzamiento: 19 de febrero

J Mascis compuso e interpretó casi en su totalidad el disco, lo que tal vez provoque esa suerte de continuidad exquisita que tiene canción tras canción. Dicho de otra manera, “Green Mind” es un disco donde pareciese que todo el álbum fuese solo un solo combo melódico y rabioso de 41 minutos, sin importar mucho cada track. Hay quienes acusan a Dinosaur Jr. de ser una banda lánguida y aburrida, pero lo cierto es que ‘The wagon’ es uno de los mejores singles subterráneos de Estados Unidos y ‘Water’ una canción para entender el por qué Kurt Cobain se dedicó a la música. (Cristofer Rodríguez)

"Goat"
The Jesus Lizard
Touch and Go Records
Producción: Steve Albini
Lanzamiento: 15 de marzo

Desde la escena underground del hardcore estadounidense, The Jesus Lizard logró con el tiempo dos cosas que parecían imposibles en 1991: trascender e influenciar. Y es que su propuesta infectada de ruido, caos y locura –teniendo como escuela a The Fall, Minor Threat, Mudhoney, Shellac, Black Flag e incluso a The Stooges– no estaba en los manuales por aquel entonces. La base de “Goat” es un muro infranqueable de violencia sonora en ritmos complejos y vibrantes, que desfilan sin prejuicio a lo largo de sus 30 minutos, sin bajar la guardia. Un disco incomprendido, pero perfecto. (César Tudela)

“Spiderland”
Slint
Touch and Go Records
Producción: Brian Paulson
Lanzamiento: 27 de marzo

El remezón musical de 1991 en Estados Unidos fue tal que también alcanzó al underground. Slint deformó todo para llegar a la primera coraza sonora, logrando un disco que no se parecía a nada. Salvaje, pero sin lastimar. El post-rock es tal debido a trabajos como este, con ramificaciones de largo alcance: PJ Harvey, Mogwai, Pavement, Isis y Explosions in the Sky han alabado sus canciones. Pero aquí no hay final feliz: el reconocimiento llegó con el cuarteto ya disuelto, aunque su influencia sigue impactando como una gran onda expansiva. (Jean Parraguez)

“Joyride”
Roxette
EMI
Producción: Clarence Öfwerman
Lanzamiento: 28 de marzo

Si hablamos del dúo sueco formado por Marie Fredriksson y Per Gessle, no podemos dejar de mencionar este emblemático disco que acumula a la fecha más de 11 millones de copias vendidas. Superando la conmoción creada por “Look Sharp!” (1988), este tercer álbum logró demostrar que su talento para fabricar perfectas melodías pop era mucho más que un golpe de suerte. La joya de su catálogo entrega clásicos como ‘Spending my time’, ‘Fading like a flower’ y la propia ‘Joyride’, las que posicionaron a Roxette en la vitrina internacional. (Fernanda Hein)

“Blue Lines”
Massive Attack
Virgin Records
Producción: Jonny Dollar, Massive Attack
Lanzamiento: 8 de abril
 

Bristol, tierra bendita para muchos. De la santísima trinidad que entregó la ciudad del río Avon (Portishead y Tricky podrían ser los otros), la primera buena nueva fue “Blue Lines”. La etiqueta trip hop llegó años después, pero era más que eso: el reggae, el dub, el soul, el jazz, el hip- hop, la experiencia callejera y la migración se intersectan, dando origen en una cría indomable y elegante. Sui generis. “Blue Lines” confirma que el futuro también se puede construir escarbando en el pasado. Cuidado: la adicción puede ser inmediata. (Jean Parraguez)

“Cooleyhighharmony”
Boyz II Men
Motown
Producción: Dallas Austin
Lanzamiento: 30 de abril

El documental “This is Pop” (Netflix) intenta hacer justicia a Boys II Men, reconociendo su importancia como influencia de las boys band norteamericanas, pero no se detiene en que la gracia de esta agrupación se sostiene por sí misma como uno de los capítulos estelares del soul contemporáneo, el universo Motown y la revalidación de los grupos de doo woop. La historia comienza en este debut, con canciones como ‘It's so hard to say goodbye to yesterday’ y ‘Motownphilly’. El álbum se reeditaría dos años más tarde incluyendo la inmortal ‘End of the road’. (Cristofer Rodríguez)

“Sailing the Seas of Cheese”
Primus
Interscope Records
Producción: Primus
Lanzamiento: 14 de mayo

Sin duda, el disco más emblemático del virtuoso trío y el que marcó el sello y la personalidad única de los de San Francisco, reuniendo música completamente original –con base en el funk rock– y atrevida para los cánones de la época, con letras de abundante sátira, humor y crítica social, donde se desprenden dos canciones pilares de su catálogo: ‘Jerry was a race car driver’ y ‘Tommy the cat’. En este trabajo, además, Les Claypool se consagra como uno de los bajistas más originales de la escena. (Ilse Farías)

"Gish"
Smashing Pumpkins
Caroline Records
Producción: Butch Vig, Billy Corgan
Lanzamiento: 28 de mayo

Un debut que no goza de tan buena prensa en comparación a los de sus compañeros de generación, pero que se ha ganado su propio espacio con los años. Y es que no podemos obviar que fue “Gish” el encargado de pavimentar el camino para que los Pumpkins se convirtieran en una de las bandas de rock alternativo más influyentes de los noventas. De ineludible ADN grunge, Corgan y los suyos desatan un festín de riffs poderosos en ‘I am one’, ‘Siva’ y ‘Bury me’, así como adelantan su característico halo melancólico en ‘Crush’, ‘Rhinoceros’ y ‘Suffer’. La antesala perfecta para lo que vendría después. (Fernanda Hein)

“Forbidden Places”
Meat Puppets
London Recordings
Producción: Pete Anderson
Lanzamiento: 1 de julio

Cuando Nirvana dio su golpe de gracia ese mismo 1991 con “Nevermind”, Kurt Cobain cabeceaba –y fantaseaba– con otro álbum que había salido meses antes desde el underground de Arizona: “Forbidden Places” de Meat Puppets. En este disco, el grupo liderado por los hermanos Kirkwood propone una interesante mezcla entre el folk rock de influjo sureño y guitarras distorsionadas sobre la base de clásicas baterías de 4/4 (‘Sam’, ‘Open wide’, ‘Popskull’, ‘Forbidden places’). Esto, algo que Rivers Cuomo (Weezer) debe haber anotado en su libreta. (Bastián Fernández)

“Cypress Hill”
Cypress Hill
Ruffhouse Records
Producción: DJ Muggs
Lanzamiento: 13 de agosto

Cypress Hill debutó con un álbum que logró trascender su estilo y transformarse en punta de lanza de una revolución sonora cargada de samplers y rimas callejeras. El virulento y urgente rap del tridente californiano pisa fuerte de entrada con ‘Pigs’ y ‘How I could just kill a man’, mostrando algunos de sus sellos: los hit-hats oscuros y el exceso de flow. La facilidad de la rima y la representación del mundo latino –como en ‘Latino Lingo'– son dos elementos claves para su rápido ascenso y consagración como estandartes del gangsta rap noventero. (Bastián Fernández)

"Leisure"
Blur
Food Records
Producción: Steve Lovell, Steve Power, Stephen Street, Mike Thorne, Blur
Lanzamiento: 26 de agosto

A pesar de ser un disco errático, sin duda “Leisure” plantó los fuertes cimientos para que los londinenses construyeran luego su exitosa trayectoria, bajo el canon de lo que conocemos como britpop. A pesar que aún divide a los fans y que el mismo Damon Albarn aborrece, su entonces fresco y elegante sonido significó un remezón en la nueva música inglesa iniciados los noventa. La lectura propia que hizo Blur del shoegaze se traduce en canciones inmortales como los singles ‘She’ so high’ y ‘There’s no other way’, de ineludible sintonía pop; como también en las más distorsionadas ‘Slow down’, ‘Sing’ y ‘Fool’. (Fernanda Hein)

“Roll the Bones”
Rush
Anthem Records
Producción: Rupert Hine, Rush
Lanzamiento: 3 de septiembre

En este disco, los canadienses apuestan a un sonido más melódico –y moderno–, con canciones más cercanas al rock pop y con un Alex Lifeson en un rol mucho más protagónico desde su guitarra. Así mismo, afrontan la nueva década tomando más licencias y riesgos como incluir una sección rapeada en el corte homónimo por el mismo Geddy Lee. De todas formas, un álbum brillante y enérgico, de producción impecable, que vuelve a situar a los canadienses en la vereda del rock más canónico y que despacha un corte explosivo y emblemático como ‘Dreamline’. (Ilse Farías)

“Awake in a Dream”
Eleven
Morgan Creek Music Group
Producción: E.T. Thorngren, Eleven
Publicación: 12 de septiembre

Luego de algunos proyectos en los ochenta que no prosperaron, Alain Johannes conformó junto a su esposa Natasha Schneider y su amigo Jack Irons la que sería la banda que mayor réditos le significó y con la que consolidó un sonido único: Eleven, un fiel ejemplo de la banda favorita de tus músicos favoritos. En este debut, el chileno-estadounidense bebe a vaso ancho del soul y el funk melódico setentero (tipo Stevie Wonder), realizando un rediseño sonoro de todo ese groove desde la guitarra eléctrica, filtrandola por su propia escuela new wave (XTC), el sentido melódico beatlesco e integrando elementos modernos del rock alternativo, conformando una propuesta compositiva exquisita y refrescante para la época y que durante la década fue puliendo durante el resto de la discografía del trío. (César Tudela)

“Laughing Stock”
Talk Talk
Verve Records
Producción: Tim Friese-Greene
Lanzamiento: 16 de septiembre

Para lograr la luminosidad y espiritualidad que evoca “Laughing Stock”, Talk Talk se metió al estudio a grabar interminables sesiones en busca del quinto elemento del pop. Querían algo raro, ecléctico, misterioso y humano. Así, que continuando la senda experimental de “Spirit of Eden” (1988), el tándem entre los enigmáticos Mark Hollis y Tim Friese-Greene concibió un álbum introspectivo, perfecto –según la crítica especializada– y el último de la influyente banda británica, que resultó clave para el desarrollo de bandas como Doves, Tears for Fears, Radiohead, Placebo o Coldplay. (Bastián Fernández)

“Pretty on the Inside”
Hole
Caroline Records
Producción: Kim Gordon, Don Fleming
Lanzamiento: 17 de septiembre

En este disco, la dupla entre Ozzy y su fiel escudero Zakk Wylde es simplemente mágica. Un trabajo emblemático e indispensable, que mira sin prejuicio el rock moderno: la esencia glam se percibe tanto en los potentes riffs y solos marcados a fuego como también en las power ballads (entre ellas, la popular ‘Mama, I’m coming home’, co-escrita por Lemmy Kilmister); y también, en el imperecedero single homónimo, cuya línea melódica traza un hilo rojo con la enérgica propuesta de unos entonces jóvenes Faith No More. Un halo de luz en la oscuridad perenne del viejo Ozzy. (Ilse Farías)

"Wretch"
Kyuss
Dali Records
Producción: Catherine Enny, Ron Krown, Kyuss
Lanzamiento: 23 de septiembre

No fueron los iniciadores de la escena desértica. Tótems como Unsound o Across The River surgieron antes, pero eludían la atención mediática para no transar su libertad creativa. Kyuss tampoco lo hizo, pero su fórmula supo encajar en un terreno más amplio. Hicieron lo mismo que Nirvana en el grunge: apretaron el botón, aunando las bondades de una escena activa desde los ochenta en Palm Desert. “Wretch” es el final de un ciclo en el underground californiano y el comienzo de una conquista empujada por la creación de un sonido grueso e hipnótico. (Pablo Cerda)

“The Low End Theory”
A Tribe Called Quest
Jive Records
Producción: Skeff Anselm, A Tribe Called Quest
Lanzamiento: 24 de septiembre

Por motivos de sobra, los noventas fueron dominio del hip-hop. En el segundo álbum de los muchachos de Queens está una de las respuestas. A pesar de mostrar una destreza lírica compleja (proponiendo una sana alternancia de denuncia, conciencia social y humor), sostenida en el constante diálogo en voces de Q-Tip y Phife Dawg, que colorean las variantes jazz y funk disparadas por el DJ Ali Shaheed Muhammad, “The Low End Theory” basa su encanto y atractivo en su extraordinaria sencillez. Un monumento cuya influencia es rastreable hasta el día de hoy. Delicia para los oídos. (Jean Parraguez)

“El Circo”
Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio
BMG
Producción: Gustavo Santaolalla
Lanzamiento: 24 de septiembre

México no tuvo una dictadura como la nuestra, pero también vivió un periodo de represión que obligó al rock a esconderse por cerca de 15 años. Tal como en Chile, los noventas vieron explotar a una serie de bandas que buscaban revivir una identidad juvenil a través del rock. La intro mariachi de ´Pachuco´, el entretenido single que abre el disco, fue una declaración de principios. Este era rock mexicano, proletario, multicolor y completamente colérico. La historia de ‘Toño’, el bolero en ‘Kumbala’ y el ska desmadrado de ‘Solín’ son otros momentos altos. (Cristofer Rodríguez)

“Stars”
Simply Red
EastWest Records
Producción: Stewart Levine
Lanzamiento: 30 de septiembre

Número uno en ventas en el Reino Unido entre 1991-92 y 12 veces certificado como disco de platino. Las credenciales que presenta “Stars” son apabullantes. Pero más allá de los números, este es un disco que, en su búsqueda por dejar atrás el sonido más sintético de sus anteriores trabajos, se sumerge aún más en las aguas del soul pero con un infalible toque de un pop elegante logrado por el inspiradísimo Mick Hucknall. El resultado no fue otro que un puñado de excelentes canciones como ‘Something got me started’, ‘Stars’, ‘Thrill me’ y ‘Your mirror’. (Fernanda Hein)

“Apocalypse 91… The Enemy Strike Back 1.10”
Public Enemy
Def Jam
Producción: Gary G-Wiz
Lanzamiento: 1 de octubre

El que Public Enemy haya llegado a la cima de las listas de popularidad con este LP habla del impacto y conquista definitiva del rap en la música pop. Pero lo más importante es que lo consiguieron sin transar su poesía urbana, política y afrocentrista. Como un caballo de Troya, se infiltraron en el mainstream de la industria para dejar su mensaje: “la justicia solo implica que la injusticia sea derrotada”. Un disco que cierra la trilogía de su mejor época y que adelantó el fenómeno del rap metal gracias a la quimera que formaron con uno de los bastiones del thrash como lo son Anthrax, reimaginándose su éxito ‘Bring the noise’. (César Tudela)

“Doble Opuesto”
La Ley
Polygram
Producción: Mario Breuer
Lanzamiento: 11 de octubre

Con este trabajo, La Ley logra despegar su carrera, abriéndose paso en Latinoamérica – sobre todo en países como Perú y Argentina– en una industria en ciernes. El álbum define el concepto estético e identitario que los caracterizará desde entonces: un pop rock de altos estándares, sofisticado, elegante y audaz. La performance de un deshinibido Beto Cuevas y el talento de un compositor de fuste como Andrés Bobe lograron que los singles ‘Prisioneros de la piel’ y ‘Doble Opuesto’ se transformaran en temas icónicos del cancionero nacional. (Ilse Farías)

"Loveless"
My Bloody Valentine
Creation Records
Producción: Kevin Schields, Colm Ó Ciosóig
Lanzamiento: 4 de noviembre

Cuando hablamos de un álbum fundamental, generalmente es porque con el tiempo se transforma genuinamente en un “grandes éxitos”. Eso pasa con el segundo larga duración de Divididos. Al menos ocho de las canciones de “Acariciando lo Áspero” se han transformado en inamovibles de sus setlists en vivo (‘El 38’, ‘Sábado’, ‘Cielito lindo’, ‘¿Qué tal?’, ‘Ala delta’, ‘Azulejo’, ‘Vodoo Chile’, ‘Haciendo cola para nacer’), convirtiendo al power trío argentino, desde entonces, en “la aplanadora del rock”, apodo ganado gracias a su brutal desplante sobre los escenarios, llevando a otro nivel su estilo de funk/hard rock argentinizado. (César Tudela)

"Dangerous"
Michael Jackson
Epic
Producción: Bill Bottrell, Bruce Swedien, Teddy Riley, Michael Jackson
Lanzamiento: 26 de noviembre

Aún cultivando los éxitos de su época dorada, en 1991 veía la luz el octavo álbum de Michael Jackson. Un punto de inflexión en la carrera del Rey del Pop que no solo significó su emancipación del productor Quincy Jones,sino que una transición hacia un pop más sintético, experimental y cercano al rap. Bajo el imponente nombre de “Dangerous”, Jackson levanta un disco cargado de exploraciones alrededor de diferentes estilos, aunque el enfoque que más llama la atención es el de abordar temas de conciencia social como el racismo en ‘Black or white’ y el calentamiento global en ‘Heal the world’. (Fernanda Hein)

“Pelusón of Milk”
Luis Alberto Spinetta
EMI Odeon
Producción: Luis Alberto Spinetta
Lanzamiento: 5 de diciembre

De la mano de sus distintos proyectos y tras dos décadas de escribir buena parte del cancionero del rock argentino, el Flaco Spinetta marca el inicio de los noventas con una nueva obra maestra nacida en el seno del refugio familiar, dentro del contexto del nacimiento de su hija menor, Vera. Un disco íntimo, hogareño, colmado de belleza, en el cual abrazado al pop, desprende una de sus canciones más hermosas y populares como lo es ‘Seguir viviendo sin tu amor'. (Ilse Farías)

“Química (De la lucha de clases)”
Mauricio Redolés
Alerce
Producción: Mauricio Mena

Luego de ese fulgoroso –aunque subterráneo– debut que fue “Bello Barrio” (1987), Redolés entra a los noventas pisando fuerte a la transición. “Yo prefiero el caos a esta realidad tan charcha”, canta en ‘Química’, con una base rockera moderna, pero que no imita al grunge o al rock alternativo, sino que más bien busca un sonido retro y chileno. El poeta regala canciones bellas como ‘Motel Catedral’, hilarantes historias del exilio como ‘Chileno feo’, una lectura feminista de la sociedad en ‘Solo mujer’ y una interpretación lisérgica del choro chileno en ‘Sueños’. (Cristofer Rodríguez)

“Profetas y Frenéticos”
Profetas y Frenéticos
Alerce
Producción: Jaime Garrido

Claudio Narea siempre dijo que lo suyo era el rockabilly. No le gustaban los sintetizadores, ni cosas de ese estilo. Así que mientras sus excompañeros de Los Prisioneros se perdían entre las burbujas de los sonidos electrónicos, él volvió a las raíces del rocanrol. Reunió a un par de amigos y su hermano para dar vida a un álbum que es pura fiesta y diversión en sus 11 canciones que se mueven también entre el blues y el surf, anotando de paso dos hits en plena postdictadura: ‘Muévete, retuércete’ y una especie de declaración de principios: ‘Profetas y frenéticos’. (Bastián Fernández)

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