radio rock,metal y vanguardia

Cosecha de 1991

Los doce discos que marcaron a una generación

Cosecha de 1991

Fue un año atípico. No solo por la gran cantidad de buenos álbumes que salieron a la calle, sino porque cada un de ellos tuvo ese carácter generacional, ese espíritu de trascendencia, que ayudó a definir el rumbo de la música contemporánea.

“Innuendo”, Queen.
5 de Febrero.


Lo último de Freddie Mercury antes de partir al otro mundo, fue también el reflejo de una banda que en su disco número trece, todavía mostraba más sangre e inventiva que muchos de sus viejos colegas de generación. Armado con algo de oportunismo antes de la inminente muerte de su carismático líder, “Innuendo” fue un éxito comercial gracias a temas como el titular y, sobre todo, ‘The Show Must Go On’, una suerte de himno póstumo que incluso hoy estremece por la ineludible coyuntura dramática del fallecimiento del cantante.

“Pancho” Rojas: “Mis principales influencias como cantante vienen de Robert Plant y Freddie Mercury y, particularmente de este último, tengo la impresión de que es el frontman perfecto. Buen bailarín, compositor y músico. Un tipo completo. A la altura de este disco, seguía siendo imbatible, a pesar de que estaba bien deteriorado en lo físico, según se podía ver en los videos de la época. Mercury siempre mantuvo su capacidad artística y por eso creo que ha sido un tipo tan difícil de reemplazar.

“Out of Time”, R.E.M.
8 de marzo


Por cierto que para los de la vieja escuela, para esos que asistieron a los primeros asaltos de un conjunto que redefinió el concepto de college rock en los 80, la banda de Michael Stipe tuvo mejores momentos. Pero este fue el disco que los lanzó al estrellato y que supo decirle al mundo que se podía estar en la cresta de la ola sin traicionar su origen. Canciones como ‘Losing My Religion’, por ejemplo, fueron imbatibles en el dial y alimentaron la idea de que eso que llamaban “rock alternativo” también podía tener una estupenda salida comercial.

Felipe Toro (El Cruce): “Yo tenía diez años cuando escuché esa canción. Me la mostró un tío y la saqué en guitarra . Yo venía casi del coro de la iglesia, cuando canciones como estas empezaron a sonar en las radio y por eso es que las recuerdo como la banda sonora ambiental de una época en la que yo recién me estaba asomando en esto de la música. Creo que además representa el cambio de un sonido en esa época, de principios de los 90. Porque esta canción fue un éxito, uno que sonaba en todos lados, y eso hablaba de que el rock alternativo empezaría a ser muy masivo”.

“Metallica”, Metallica.
12 de agosto


Injustamente consignado como el álbum más comercial de Metallica hasta esa fecha (como si existiera cierta traición en el ánimo de ampliar el repertorio), el “Álbum negro” -llamado así por el color de su tapa- solo comete el pecado de meter ganchos melódicos a canciones que nunca, pero nunca, pierden el perfil metalero. Cortes como ‘Enter Sandman’ y ‘Sad But True’, y otros más cercanos a la balada o al medio tiempo (‘Nothing Else Matter’, ‘The Unforgiven’), son algunas de las grandes canciones de un trabajo que ayudó a masificar un género de nicho y, hasta entonces, irreductible para sus fanáticos.

Anton Reisenegger: “Habiendo escuchado a Metallica desde sus inicios, tengo sentimientos encontrados con este disco, porque cerró la etapa del metal más extremo para el grupo y lo convirtió en una banda de estadios, pero es imposible negar la clase de temas como ‘Sad But True’ o ‘Wherever I May Roam’. Aquí el metal se transformó en un fenómeno de masas y en un gran negocio, Metallica se convirtió en el grupo más grande del mundo y la escena nunca volvió a ser la misma”.

“Mr. Bungle”, Mr. Bungle.
13 de agosto.


Fue el disco de culto para los rockeros de la época. La banda de Mike Patton consigue debutar a través de un sello grande (Warner) y bajo la producción de John Zorn, el histórico saxofonista de vanguardia y uno de los más estrechos colaboradores del también frontman de Faith No More. Son diez temas y más de 73 minutos de una música delirante y compleja, llena de cambios de tiempo y que se insinúa promiscua al pasar por el jazz, el tecno europeo, el metal y el funk setentero. Este fue el disco que confirmó que se podía ser experimental sin perder el sentido del humor.

Don Rorro (Sinergia): “Me acuerdo que estaba estudiando para una prueba de física para la universidad y alguien llegó con este cassette. Nosotros decíamos ‘¿Qué es esto?’ y creo que esa es la clave. Mr. Bungle fueron los primeros en hacer la diferencia de combinar metal extremo con funk. Y fue súper inspirador. El rock cae mucho en las esquematizaciones, pero aquí se demostraba lo contrario. Fue tan influyente para nosotros como lo fue Florcita Motuda o Sexual Democracia”.

“Ten”, Pearl Jam.
27 de agosto.


La cara más amable y radial del llamado grunge, vino de la mano de un quinteto nacido de un grupo embrionario de la escena de Seattle como fue Mother Love Bone y que, con un nuevo cantante llamado Eddie Vedder, logró amplificar el tramado dramático de este nuevo rock, que sonaba como los viejos clásicos. Canciones del calibre de ‘Black’, ‘Jeremy’ y ‘Alive’, permitieron que este álbum superara la insólita barrera de las 10 millones de copias vendidas y catapultara la carrera de una banda que estableció los patrones más visibles para el rock de los 90.

Héctor Muñoz (Fother Muckers): “Si Nirvana logró romper barreras para el mainstream, Eddie Vedder y los suyos parecían venir desde lo masivo. Nada más lejos de la verdad. Aquí hay una sensación de frescura única que no viene de la novedad, sino del legado. ‘Hijos’ de Neil Young y ‘sobrinos’ de los Who, Pearl Jam dictó pauta sobre cómo podemos entender el rock en el sentido más puro de la palabra. Sin aderezos ni adjetivos. Uno que podría haber funcionado tan bien en 1993 como en 1991”.

“Los Tres”, Los Tres.
4 de septiembre.


Fue el despegue de la mejor banda chilena de esa década. Estos “Tres”, que en realidad eran cuatro y venían de Concepción, tuvieron el impecable mérito de sonar orgullosos como una banda de rock chileno y meter cueca, rockabilly, foxtrot y un montón de otros géneros típicamente locales, pero olvidados hasta ese entonces, en el repertorio radial. Gracias a este álbum se convirtieron en la mejor banda sonora de la democracia y cimentaron una carrera llena de buenos momentos con sus discos venideros. Sin embargo, su verdadera cumbre está acá: en el momento exacto en que empezaron a construir una historia brillante.

Pablo Freire (Primavera de Praga): “Yo tenía nueve años y vivía en Los Ángeles cuando salió. Pero al poco tiempo después lo empecé a escuchar y fue impresionante. Me sentí como identificado y sorprendido. Para mí fue una cosa súper novedosa porque sentía que había un nivel altísimo. En las letras, la cosa instrumental y la composición. Otra cosa que me encantó es que fuese tan chileno y de calidad. Quizás no suena tan bien, en términos de grabación, pero a nivel de canción es insuperable. ‘Pájaros de fuego’ y ‘Sudapara’ son las canciones que más me gustan”.

“Use Your Illusion”, Guns N’ Roses.
17 de septiembre.


Convertidos en tiempo récord en una súperbanda y en el grupo más popular del planeta, los cinco de los Angeles rozan la ambición conceptual con un disco doble de 30 canciones en total, y que repasa todas y cada una de las muchas obsesiones de un líder cambiante e inquieto como Axl Rose. Desde el delirio bélico de ‘Civil War’ hasta las actualización rockera -y para estadios- de ‘Knockin’ on Heaven’s Door’ -original de Bob Dylan-, el conjunto prensó aquí un puñado de cumbres para uno de los pocos discos que de tanto abarcar, si aprieta lo suficiente.

Fat Presley (Devil Presley): “Tenía doce años, había alucinado con Appetite for Destruction, y prácticamente pasaba todas las semanas a preguntar a la disquería si los cassettes habían llegado. Temas como ‘You Could Be Mine’, ‘Perfect Crime’, ‘Coma’ y toda la veta más oscura de los “Use Your Illusion” me volaron la cabeza y la inclusión de teclados, piano, arreglos de orquesta y baladas varias fue algo que me sorprendió, pero a la vez fue mi primer paso a ampliar la paleta musical y salir a algo más allá del hard rock, lo que agradezco enormemente”.

“Screamadelica”, Primal Scream.
23 de septiembre.


Disco fetiche de músicos y de los amantes de la fusión entre rock & roll clásico (no hay que olvidar que hasta ese entonces estos tipos se ganaban la vida replicando a The Rolling Stones) y los timbres sintetizados de la primera electrónica, el álbum apareció en todas las listas de fin de año por su espíritu dance y discotequero, que influyó a gente tan variada como U2 o Soda Stereo. Este fue el registro que definió la modernidad de la época y que puso al Reino Unido en un mapa monopolizado por las corrientes que se cocinaban al otro lado del Atlántico.

Carlos Cabezas: “No sé si fue tan advertido en la época, pero sí me acuerdo perfecto que ese fue un disco que todos los que andábamos metidos en la música escuchábamos en esos días, tratando de ver qué estaba pasando afuera. Tocaba con Electrodomésticos y me acuerdo que en ese álbum estaba la mezcla de la psicodelia y la cosa rocanrolera que muchos estaban buscando hacer algo moderno. Sin duda, fue un clásico moderno”.

“Blood Sugar Sex Magik”, Red Hot Chili Peppers.
24 de septiembre.


Con el guitarrista John Frusciante en estado de gracia y la siempre notable colaboración de Rick Rubin en la mesa, la desfachatada tropa de California entra a los 90 con el mejor álbum de su historia. Uno que definiría el zigzagueante rumbo de su carrera en la década que los convertiría en estrellas. ‘Give It Away’, uno de los sencillos clave, fue solo la punta de lanza de una colección llena de funk urbano y riffs punzantes que animarían a una generación entera a replicar ese sonido.

Pablo Ilabaca: “Lo escuché tanto que después lo repasaba para escuchar por separado la batería, el bajo y las guitarras. Me acuerdo que los conocí en un concierto de Dorso, en unos videos que daban antes del show, y el disco lo encontré en las disquerías Fusión. Creo que es un clásico que está a la altura de uno de Zeppelin o Sabbath. Tiene una mezcla súper simple, pero poderosa y mística. Si no es un disco perfecto, yo creo que es casi perfecto, porque cambió el sonido de todo”.

“Nevermind”, Nirvana.
24 de septiembre.


Este fue el disco que tuvo la osadía de desbancar a Michael Jackson de los rankings y, de paso, cambiar de golpe el folio de una época. Desencantado, con marcado aire punk y repleto de buenos temas. Uno de ellos, ‘Smells Like Teen Spirit’, se convertiría en el himno de la época, nada menos. El trío de Kurt Cobain se benefició del pulso certero de Dave Grohl para su mejor colección de canciones a la fecha. Si es por influencia, este fue el álbum que escucharon todos los rockeros que querían conseguir el manual de lo que había que hacer a futuro. Ese que se basaba en dos principios históricos del rock: soltar las amarras y subir el volumen.

Ángelo Pierattini: “Yo iba en primero medio y me voló la cabeza. Tenía el sonido rockero de las guitarras distorsionadas. Medio punk, si quieres, pero también estaba esa cosa medio beatlesco respecto a la construcción de la canción y las armonías vocales. Yo traduje todas las canciones y creo que Cobain le tomó la temperatura a la época muy asertivamente. Es un disco muy completo y, además, es un álbum de puros hits. Siento que es inevitable, que a nadie deja indiferente”.

“Badmotorfinger”, Soundgarden.
8 de octubre.


El más ruidoso y metalero álbum de Soundgarden fue también el disco que le reveló al mundo los subgéneros que habitaban en la escena de Seattle. Más cercano al metal que al grunge (concepto discutible y que intentó unificar a grupos que solo tenían en común el lugar de origen), la banda de Chris Cornell depuró la fórmula “zeppeliana” de los acordes alterados para revivir el legado oscuro de Black Sabbath y de ese metal inteligente, lejano al cliché y el lugar común, que terminó inspirando a toda una generación.

Álvaro Solar (Protistas): “Mi adolescencia la viví en Puerto Varas y llegué a esa ciudad el año 1994, poco antes de que muriera Kurt Cobain. Una de las cosas buenas era que el rollo grunge allá funcionaba a la perfección por el clima y la naturaleza. Con el Tatán, uno de mis mejores amigos, admirábamos a Soundgarden. Su música me causa una sensación muy particular. Es primaveral, casi colorida, pero a la vez tensa y deprime. Con Tatán pasábamos las tardes escuchando Badmotorfinger, compartiendo los audífonos y fumando pichos”.

“Achtung Baby”, U2.
19 de noviembre.


Este es el clásico álbum que nació de la desesperanza y que surgió de una crisis casi terminal. Poco después de superar un conflicto que estuvo a punto de disolver a la banda, los irlandeses se encerraron durante once meses en Dublín y Berlín para terminar un álbum que los convertiría en el conjunto más popular del planeta. Para los que todavía arrugan la nariz con lo que significa U2 en el mundo del pop, no es malo que revisen clásicos indiscutibles como ‘One’ o ‘Ultraviolet (Light My Way)’ en uno de los mejores discos del grupo.

Alfredo Lewin: “Fue una reinvención que, en esa época me pareció antojadiza, porque no conocía a Bowie ni lo que significaba conceptualmente ir a Berlín a grabar un disco toda esa fuerte iconografía europea. Yo pasé de este disco y me conecté recién con Zooropa, pero tiempo después empecé a entender Achtung Baby y a este nuevo U2 que renunciaba a su perfil más política para abrazar la modernidad de una década”.

Menciones honrosas.
“Trompe Le Monde”, Pixies.
“Arise”, Sepultura.
“Loveless”, My Bloody Valentine.
“Spiderland”, Slint.
“Pretty on the Inside”, Hole.
“No More Tears”, Ozzy Osbourne.
“Slave to the Grind”, Skid Row.
“Blind”, Corrosion of Conformity.
“Green Mind”, Dinosaur Jr.
“Leisure”, Blur.
“Wretch”, Kyuss.
“Blue Lines”, Massive Attack.
“Gish”, The Smashing Pumpkins.
“Sailing the Seas of Cheese”, Primus.

Mauricio Jürgensen.

Publicado en revista Rockaxis 97, enero/febrero 2011.



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