The Cult

1985. Beggars Banquet

A mediados de los años 80, el rock había evolucionado hacia una criatura fracturada. Subgéneros como el glam metal, el thrash, el New Wave, el goth y el college rock crearon una confusa subcultura de cliques musicales. Mientras los fans del hair metal rechazaban cualquier cosa con tintes New Wave por considerarlo "afeminado" (irónicamente, dado su aspecto andrógino), los seguidores del rock alternativo veían a los fanáticos del cock rock como neandertales.

En este contexto, The Cult surgió como una banda difícil de categorizar. Aunque provenían de la escena goth con su encarnación previa, Death Cult, su secreto mejor guardado era su amor por el rock clásico. Con "Love", su segundo álbum lanzado el 18 de octubre de 1985, The Cult no solo redefinió su sonido, sino que también abrió camino para la fusión de géneros que influiría en bandas como Jane’s Addiction, Smashing Pumpkins y Alice in Chains.

El encargado de dar forma al sonido de Love fue Steve Brown, conocido por su trabajo con artistas tan dispares como Wham!. Aunque su elección pudo haber sido sorprendente, resultó ser el colaborador perfecto, añadiendo capas de atmósferas sonoras a las guitarras serpenteantes de Billy Duffy y realzando la poderosa voz de Ian Astbury. El resultado de esta sociedad capturó tanto la energía visceral del rock clásico como la profundidad emocional del goth, equilibrando los extremos de ambos mundos.

El álbum abre con 'Nirvana', una declaración de intenciones. Con un conteo inicial apenas susurrado por Astbury que da paso a un riff enérgico y baterías de estilo disco, cortesía de Mark Brzezicki (quien reemplazó temporalmente al problemático Nigel Preston), la canción establece el tono vibrante y audaz de "Love". Las letras de Astbury reflejan la naturaleza catártica y transformadora de la música en vivo: "I don’t think there’s an easy way out of here / But when the music is loud, we all get down!".

El primer gran éxito del disco, 'She Sells Sanctuary', se convirtió en un fenómeno. Con su icónico riff de inspiración oriental y las vocales expansivas de Astbury, esta canción no solo dominó las radios de rock en el Reino Unido, sino que también conquistó pistas de baile. Es un tema multifacético que encapsula el espíritu del álbum: dinámico, cautivador y universal. Por su parte, 'Rain' -otro de los sencillos destacados-, comparte una estructura de acordes similar al track anterior, pero adopta un tono más agresivo. Duffy entrega aquí uno de sus solos más feroces, mientras que la interpretación vocal de Astbury exuda una intensidad casi visceral. 'Phoenix', en cambio, lleva al oyente a un viaje psicodélico. Con Duffy sacando todo el provecho posible de su pedal wah-wah, Astbury pinta imágenes visionarias: "Like a kiss from the lips of Ra that burns on / The pleasures getting wilder, circling ever higher / A servant of desire".

Entre las piezas más introspectivas se encuentra 'Brother Wolf, Sister Moon', una balada gótica impregnada de la estética de un western crepuscular. En esta canción, Astbury explora su fascinación por la cultura nativa americana a través de letras que evocan rituales espirituales: "Embrace the wind with both arms / Stop the clouds dead in the sky / Hang your head no more and beg no more / Brother wolf and sister moon, your time has come". El tema homónimo es una de las piezas más ambiciosas del álbum, con una duración de más de cinco minutos. Con un riff espectral y un ritmo marcado por un hipnótico cowbell, la canción es un ejemplo perfecto del equilibrio entre atmósfera y fuerza que define al álbum. Por otro lado, 'Hollow Man' es oscuro e introspectivo, que parece explorar la vulnerabilidad y el aislamiento humano, mientras que 'Revolution' combina una estructura melódica accesible con letras cargadas de evocación espiritual. El cierre del álbum llega con 'Black Angel', una pieza sombría y melancólica que parece narrar una tragedia marítima. Las imágenes poéticas de Astbury capturan la desolación de un marinero condenado: "The sirens call a sailor to die / Enchanted by the sound, his desires have been found / He’s turning old, he shall never return / Sail on to the eternal reward."

El éxito de "Love", que vendió 2,5 millones de copias, preparó a The Cult para el estrellato internacional. Sin embargo, este logro no estuvo exento de críticas. La prensa británica, especialmente feroz, no les perdonó su amor por Led Zeppelin y Jimi Hendrix, ni su estética retro. Como recordó Astbury en las notas de la edición remasterizada del álbum: "Llevaba una camiseta de Jimi Hendrix y me consideraban un freak esotérico. La prensa simplemente no lo entendía. Era tabú porque nadie quería admitir que el punk había muerto." Sin embargo, esta resistencia pareció alimentar la actitud desafiante de la banda. Su siguiente álbum, "Electric" (1987), producido por Rick Rubin, llevó su sonido hacia un territorio aún más audaz, difuminando aún más las líneas entre el rock de estadios y el alternativo.

El impacto de "Love" se extendió más allá de las ventas. Inspiró a una nueva generación de músicos, desde los primeros días de Guns N' Roses, hasta las influencias visibles en la escena grunge de los 90, con bandas como Soundgarden y Mother Love Bone. "Love" no es solo uno de los mejores álbumes de los 80, sino una obra que rompió las barreras entre géneros y subculturas. En sus canciones, metaleros, góticos y punks encontraron un terreno común, una experiencia musical que demostraba que la buena música no necesita etiquetas. Para los fans de The Cult, Love sigue siendo una joya atemporal, una obra que captura la magia de una banda en su mejor momento creativo. Es, sin duda, un disco que merece ser celebrado, revisitado y compartido por generaciones.

Matias Arteaga S.