Bush

2025. earMUSIC

Si hay algo que este 2025 ha dejado claro en esto que va del año, es que los 90 volvieron con todo. Más específicamente en territorio del Reino Unido, que parece vivir una suerte de segundo aire en clave nostálgica con el retorno estelar a los estudios de Pulp, Suede e incluso la antes impensada reconciliación de Oasis, que ha sido todo un fenómeno por sí solo. Un verdadero festín para la Generación X, servido en bandeja de plata para el deleite de quienes vivieron su juventud durante esa rara, cambiante y bella década. Sin embargo, en medio de este juramento a la bandera de la Union Jack, es que también encontramos una anomalía fascinante y un eterno expatriado que prefirió las franjas y estrellas: Bush.

Conjunto liderado por Gavin Rossdale, cuyo éxito encontró cobijo en Estados Unidos, desconectándolos de la escena que los vio nacer y calibrándolos hacia un sonido diseñado para aquellas radios que los catapultaron como auténtico fenómeno cultural al otro lado del charco, donde desde el post-grunge habitaron un espacio liminal. Ese que no era del todo rock, ni metal, ni punk, y que tras tres décadas de trayectoria, no solo se han consolidado como íconos de ese territorio ambiguo, sino que incluso se les reconoce como uno de sus más vanagloriados arquitectos.

Sumémonos entonces a este carnaval revival y entreguémonos, con la mejor disposición, al décimo capítulo discográfico de Bush: "I Beat Loneliness". Un disco, a grandes rasgos, bastante atrevido, en el sentido de que se dispusieron a trascender las fronteras habituales de su sonido para internarse en terrenos de texturas electrónicas y cadencias más reposadas, sin renunciar a su sello de calidad. "Lo que siento es que aborda las luchas comunes que todos tenemos", declaró Rossdale sobre este LP, cuya producción comparte con Erik Ron (Bad Omens, Panic! At the Disco), una colaboración que desde el segundo uno deja entrever esa búsqueda deliberada de sonoridades atingentes ya mencionadas, y de concebir la soledad como un lenguaje universal.

El tema de partida, 'Scars', es un buen ejemplo de la afirmación antes afirmada, puesto que tiene un ritmo electrónico vibrante, casi como un sistema nervioso artificial, hasta que irrumpe un riff de carga mecánica y un estribillo expansivo, hecho a la medida de multitudes. El track titular sigue un camino similar, continúa en esa misma frecuencia. Es decir, guitarras metálicas de alto octanaje, crescendos melódicos que suenan a pura grandilocuencia, en el mejor sentido, y versos que abren la puerta a una intimidad más explícita e introspectiva. Temazo que sí o sí no se debe pasar por alto.

'The Land of Milk and Honey' es el gancho más instantáneo del álbum. Igual de rabiosa que las demás, pero con un coro infeccioso que se instala en la cabeza como si hubiese estado ahí desde siempre. El punto álgido acá es el solo, que actúa como un subrayado catártico que fluye muy a tono con el tema. 'We’re All the Same on the Inside' sostiene un pulso feroz, sostenido por una sección rítmica implacable en manos de la batería de Nik Hughes y Corey Britz en el bajo, quienes aquí despliegan una auténtica demostración de fuerza y precisión. Es uno de los cortes más musculares del disco, y también uno de los más recordables. 'I Am Here to Save Your Life' se confiere un estribillo más denso, que, lejos de frenar el tempo del trabajo, le da más contundencia, más materia, más multidimensionalidad.

El primer sencillo, '60 Ways to Forget People', es simplemente una oda al sacrificio y una declaración de principios sobre la concentración férrea que exige el impulso de querer ser mejor. O al menos, así lo expresaron el propio Rossdale y Traynor al referirse a este corte. Un estallido post-grunge, preciso y abrasador, que también yace en 'Love Me Till the Pain Fades', aunque en un carácter más sobrio, y que poco dura, porque en 'Everyone Is Broken' Bush se desató, regalándonos quizás uno de los momentos más divertidos del álbum, gracias a ese gruñido sacado del "Razorblade Suitcase" (1996), que te invita a recordar con ellos el desenfreno juvenil de sus primeros días.

'We Are Of This Earth' y 'Don’t Be Afraid' marcan el inicio del descenso emocional y nostálgico con que la banda empieza a despedir este intenso viaje al centro de los noventa. Lo hacen con una intimidad mucho más lenta y emotiva, donde hablan tanto de la destrucción como del amor. Destaca en ambas el particular tratamiento de la batería, que se suplementa con guitarras etéreas y voces lánguidas. 'Footsteps in the Sand' parte con una falsa calma, que de improvisto te sacude telúricamente y te golpea con un buen remezón sónico, para así darle paso al cierre que llega de la mano de 'Rebel With A Cause', muy en la nota. Este track redentor nos transporta de vuelta a los comienzos -en todos los sentidos posibles-, y completa así la colección, dándonos una razón para darle una segunda repasada a esta obra.

Lo que a todas luces pretendía ser una amalgama de las distintas épocas de la banda, con aires de progreso y madurez, está lejos de ser el disco más ambicioso de su carrera, y se asienta más bien en un terreno de cercanía y familiaridad. "I Beat Loneliness" da la impresión de ser un pacto tácito con los fieles de sus primeros días, y ofrece una compañía musical necesaria, cómplice, justamente al funcionar como una herramienta para combatir ese aislamiento del que tanto habla el disco. Y el título se cumple como una profecía, porque está repleto de vida, no de soledad, y esa a veces es la forma de compañía que más falta hace.

Bárbara Henríquez