John Scofield: una música sin edad

 

-He estado tocando con Combo 66 durante dos años y creo que es una de las mejores bandas que he tenido. He tocado con Bill Stewart durante muchos años y lo considero uno de los mejores músicos de jazz, sin importar el instrumento. De hecho, fue él quien había trabajado con Gerald y Vicente y los recomendó para el proyecto. Conozco a Gerald desde siempre porque soy amigo de su padre y se ha convertido en mi tecladista favorito para trabajar. Lo mismo te puedo decir acerca de Vicente Archer, que nos mantiene a todos juntos con el bajo brindando un gran ritmo y una interpretación creativa en todo momento. Tenía 66 años cuando hice el disco y así es como obtuve el nombre. ¡Ahora tengo 67!

 

-Pese a que provienes del mundo del jazz, en tu música dialogan géneros como el funk, el blues, el soul e incluso, el drum & bass ¿Qué reflexión podrías hacer sobre tu estilo como compositor y guitarrista?

 

-Soy un músico de jazz que creció en el surgimiento y auge del rock and roll de los 60, en los que el blues y el soul tenían una importancia tremenda. Aquellos sonidos siempre han sido parte de mi música. Antes que nada soy un guitarrista, lo que significa que además del jazz, siempre he escuchado una gran variedad de música. Creo que es así para cualquier intérprete de las seis cuerdas. 

 

-En tu trayectoria trabajaste con grandes referentes del jazz. Entre ellos, Chet Baker, Gerry Mulligan, Charles Mingus, Gary Burton y Miles Davis. ¿Qué nos puedes contar sobre estos grandes músicos y de cómo influyeron en ti como artista, instrumentista y creador?

 

-Estoy convencido que la mejor forma de aprender a tocar jazz, es juntarse con músicos que toquen mejor que tú. He sido muy afortunado de trabajar con muchos de los grandes como los que nombras. Cuando interpretabas una canción junto a ellos, escuchabas sus solos y eso te hacía ejecutar un mejor solo a ti e ibas creciendo como músico y sabías donde estabas parado. Es diferente a solo aprender música estudiando o escuchando música, aunque, obviamente, aquello también es importante.

 

-Otra de tus colaboraciones importantes, es la que hiciste con Medeski, Scofield, Martin & Wood. Ahora al revés que en la pregunta anterior ¿Cómo fue trabajar con estos músicos más jóvenes y ser parte de una agrupación del Groove y originalidad de Medeski, Martin & Wood? ¿Hay nuevos planes junto a ellos?

 

-En estos momentos no tengo planes de trabajar con MM&W, pero tengo el sentimiento de que volveremos a tocar juntos, lo que, por supuesto, me gustaría mucho. La verdad es que no veo gran diferencia al tocar con músicos más jóvenes. Aunque amo la energía de la juventud, debo decir que una vez que cierro los ojos y me involucro en la música, no importa la edad ni de ellos ni la mía ni la de nadie. Y en realidad, mucho de los músicos más jóvenes con los que tocó, ya no lo son tanto.

 

-Tras tu salida de la banda de Miles Davis a mediados de los 80, comenzaste con fuerza con tu trabajo solista, con discos de la importancia de “Electric Outlet y “Still Warm” ¿Qué recuerdas de aquellos años, en los que te convertiste en uno de los guitarristas más respetados del mundo del jazz?

 

-Solo te puedo decir, que estoy muy orgulloso de los discos de fusión que grabé para el sello Gramavision en la década 80. Al escucharlos a la distancia, mis composiciones me siguen gustando. Además, estoy muy contento de haber escrito aquella música mientras, paralelamente trabajaba con músicos como Miles, Billy Cobham y George Duke. Tal vez sin la influencia de ellos, habría sido un guitarrista más estándar y menos interesante de lo que creo me convertí. 

 

 

-¿Cuáles dirías que fueron tus influencias más importantes para dedicarte e la música? Me refiero a músicos en general y también, en específico, a guitarristas.

 

-Te podría decir que, en general, fue la música la que me capturó. Me enamoré de la música a muy temprana edad y fue lo suficientemente ingenuo para no cuestionarme el hacer una carrera como profesional. Simplemente, me pareció que era mucho más divertido que tener un trabajo normal o regular. Nunca pensé que llegaría tan lejos como lo he hecho. Se me hace difícil decirte que guitarrista o instrumentista fue mi más grande influencia, porque fue toda la música la que me agarró. 

 

-También trabajaste con el fallecido guitarrista John Abercrombie ¿Cómo fue grabar con él y qué sentimientos tienes o tuviste tras su muerte a mediados de 2017?

 

-John fue un amigo muy querido y cercano, que fue muy generoso conmigo cuando era muy joven y daba mis primeros pasos en Nueva York. En aquellos años, él ya era un grande en la escena del jazz de aquella ciudad. Fuimos muy amigos hasta su muerte en 2017 y lo extraño muchísimo. Un gran músico y un gran ser humano. El disco que hicimos juntos no fue exactamente lo que queríamos, pero estuvo bien al final. ¡El productor sintió que sus opiniones eran más importantes que las nuestras!

 

-En 2005 lanzaste el disco “That's What I Say: John Scofield Plays the Music of Ray Charles”. ¿Qué es lo que te apasiona de la música de Charles y cómo fue el trabajo de llevar su música a un formato más jazzero? ¿Qué otros músicos fuera de la órbita jazz te han interesado y te gustaría hacer algo parecido a lo que hiciste con Charles?

 

-La música de Ray Charles abarca el jazz, el country y, por supuesto, el soul. Había mucho que elegir de su repertorio para interpretarlo en mi formato. Amo sus discos, como también me gustan una gran cantidad de artistas de diversos géneros. En este momento no puedo pensar con qué otro artista me gustaría hacer algo parecido. La mayoría del tiempo, prefiero hacer mi propia música.

 

-Uno de tus roles importantes ha sido el de educador y formados de nuevos músicos ¿Qué ha significado esta labor para ti y cómo ves a las nuevas generaciones de músicos del jazz en Estados Unidos? Pienso en nombres como Kamasi Washington y Robert Glasper, solo por dar dos ejemplos.

 

-Kamasi y Robert han recibido un gran interés de la prensa y me gusta la música de los dos, pero hay muchísimos grandes instrumentistas en Estados Unidos y en todo el mundo. Solo espero que tengan la oportunidad de grabar y girar tanto como lo he hecho yo en mi carrera, porque creo que el mundo de la música es más difícil ahora. Con respecto a mi rol de educador, la verdad es que no enseño guitarra sino que a improvisar y a trabajar en ensambles, que es en lo que creo aporto realmente para que los estudiantes de música realmente exploren y generen sus propias voces artísticas. No estoy seguro lo que significa para mí enseñar. Me preocupa la cantidad de personas jóvenes que quieren ser músicos profesionales, muchos más de lo que era en mi época, hace 45 años. Te lo digo porque ahora veo que es cada vez más difícil hacerse un espacio propio, en un ambiente que se hace cada vez más pequeño.

 

 

-Otro de tus proyectos recientes es el disco “Hudson”, que editaste en 2017 junto a Jack DeJohnette, John Medeski y Larry Grenadier. ¿Qué nos puedes contar de aquella experiencia, que tiene que ver mucho con el lugar geográfico de Estados Unidos donde ustedes crecieron?

 

-Sí, tocar con Hudson fue grandioso, porque amo tocar con aquellos músicos. Me alegra además haber interpretado melodías de la “generación Woodstock”, porque aquello nos dio una inclinación musical diferente y creo que hicimos un buen trabajo al personalizar esa música. ¡A todos nos gustan los hippies! Claro, esa región de Nueva York donde vivimos es muy hermosa y alejada de la gran ciudad, pero a la vez, lo suficientemente cerca de Nueva York y sus grandes aeropuertos, lo que nos permite disfrutar lo mejor de ambos mundos.

 

-Finalmente, ¿qué nos puedes anticipar del show que darás en Chile el próximo 10 de junio?

 

-Principalmente tocaremos canciones del álbum “Combo 66”, pero también algunos viejos temas míos como ‘A Go Go’ y tal vez, algunos estándares de jazz. Planeamos hacerlo como siempre y esta banda ha estado junto el tiempo suficiente, como para permitir una interacción instintiva. ¡Somos una máquina bien engrasada!

 

Héctor Aravena A.