Tigran Hamasyan: la cualidad narrativa y ceremonial de la música

El pianista estadounidense de origen armenio Tigran Hamasyan, se ha convertido en una de las revelaciones del jazz contemporáneo, a través de su única fusión que combina elementos de la tradición jazzística norteamericana, con música tradicional armenia y un abanico de estilos actuales, que confluyen en una propuesta que ha renovado y entregado aire fresco a la música instrumental.

 

Con una obra que debutó en 2006 con “World Passion”, grabado cuando solo tenía 17 años, Tigran ha ido demostrando su versatilidad musical y artística, con discos de diversa índole como “A Fable” de 2011, “Shadow Theater” de 2013, “Mockroot” de 2105, “An Ancient Observer” de 2017 y los más recientes “The Call Within” de 2020 y “StandArt” de 2022, todos editados por sellos del prestigio de Verve, ECM y Nonesuch. 

 

Sus seguidores no solo han ido creciendo en estos años, sino que también grandes músicos de la tradición jazzera han elogiado su trabajo. El fallecido Chick Corea, señaló que Tigran es “un artista maduro, grande y profundo”, mientras que Herbie Hancock dijo: “Impresionante, Bow, Tigran, tú eres mi profesor”. El pianista Brad Mehldau también tuvo elogios para Hamasyan, indicando que “Tigran realmente me atrapó, de una manera genial”. Y el percusionista indio Trilok Gurtu, quien tiene en común con Tigran el haber fusionado la música tradicional de su país con jazz, opinó que “él toca piano como un raga, es el próximo Keith Jarrett”.

 

Con todo este catálogo en sus espaldas y con un creciente respeto de los fans y del mundo de la música en general, el pianista llega por primera vez a Chile, en un contexto de una gira sudamericana que también incluye Brasil y Argentina, para presentarse en dos fechas: el miércoles 24 de mayo en el Teatro Nescafé de las Artes de Santiago y al día siguiente, en la Terraza Trotamundos de Quilpué. Tuvimos la oportunidad de conversar en extenso y sobre diversos tópicos con el pianista, compositor y líder de banda, antes de su arribo a nuestro país. 

 

-En tu música es muy interesante el cruce que haces, principalmente, entre folk armenio y jazz de tradición estadounidense. ¿Cómo ves que conviven y se unen en tu trabajo ambas tendencias y, en este contexto, qué importancia tienen para ti las músicas vernáculas y tradicionales de distintas partes del mundo?

 

-Toda música folclórica de cualquier parte del mundo es un pozo de conocimiento profundo y verdaderamente inspirador. Al ver cuán diversa es la música folclórica armenia, solo puedes imaginar que la música está hondamente arraigada en las personas de donde vengo. Hasta unos 100 años, la música temprana tenía un propósito y era más ceremonial. Gran parte del trabajo y de la actividad diaria estaba acompañada de música. 

 

En Armenia, cada parte del proceso de elaboración del pan tiene su canción de acompañamiento. Hay cantos de trabajo, cantos de arado, lamentaciones de muertos, bailes para todo tipo de ocasiones y festividades, canciones de cuna, cantos de pastores, cantos de cuentos, cantos épicos, etc. Esto significó que, hasta la industrialización y modernización de nuestro mundo, la música tenía un tipo diferente de significado y valor. Las personas que canalizaron y crearon estas canciones eran los improvisadores de jazz de esos tiempos. La música era muy interactiva y había una enorme cantidad de creatividad en proceso sucediendo. 

 

Estas canciones y melodías todavía están en los corazones de la gente y en raras ocasiones salen algunos cantantes/bailarines y se puede escuchar a personas sencillas, “no músicos”, cantando y bailando canciones folclóricas, como si los espíritus de sus antepasados regresaran por un segundo. Desafortunadamente, la música folclórica en todo el mundo se ha convertido en una especie de artefacto de museo, pero, sin embargo, está viva en muchas formas diferentes de música que existen en la música moderna ahora.

 

-Además del mencionado folk armenio y el jazz, en tu obra conviven otras tendencias como la música clásica, la música sacra, la electrónica, el rock progresivo, el hip hop, etc. ¿Cómo ves que estas tendencias actuales conversan o dialogan en tu obra con otras músicas cuyas raíces históricas son muy remotas y tienen siglos de historia?

 

-Creo que, en cierto modo, estas tendencias actuales de géneros y subgéneros son la nueva música folclórica de hoy en día. Una vez que tienes una visión, la música folclórica puede coexistir muy bien en estos diferentes estilos. Lo más importante es mantenerse fiel al contenido de la composición y comprender profundamente la música folclórica para elevarla en lugar de “usarla” por una razón de que es una tendencia que está de moda. La música folclórica realmente no necesita nada exterior, así que si quieres reinterpretarla o crear nuevas canciones folklóricas, ellas necesariamente tienen que venir de la tradición y la melodía en sí misma no puede salir de una fuente externa.

 

 

-En occidente, en general, es muy poco lo que se conoce de la música armenia. A grandes rasgos, qué nos puedes contar de aquella tradición musical, con nombres sobresalientes como el de compositores Arno Babajanian y Avet Terterian.

 

-Bueno, es un tema largo, pero para resumirlo brevemente, el armenio tiene una historia musical y artística muy rica. Ya he mencionado los muchos subgéneros que contiene la música folclórica armenia. Algunos de estos géneros solares como los cantos de arado, los cantos para hacer el pan, los lamentos de los muertos, los cantos de pastores se remontan a épocas muy antiguas. Hay un libro muy interesante traducido al inglés, llamado “Armenian monodic music, History and Theory” de Kristapor Kushnaryan, en el que pueden sumergirse en todos los aspectos de la teoría e historia musical armenia. 

 

Hay muchos compositores que han dejado una herencia musical increíble. Mesrop Mashtots del siglo V fue el inventor del nuevo alfabeto armenio y fue un lingüista, compositor, teólogo, etc. Grigor Narekatsi del siglo X, fue un poeta, teólogo y compositor conocido por su obra maestra “Libro de lamentaciones”. También escribió y compuso cantos/baladas, llamadas tágh, que son muy elaborados y ricos en su naturaleza, llenos de ingenio literario y compositivo. Sus obras han sido una influencia para muchos de los escritores y compositores armenios que le precedieron. Otro compositor medieval fue Nerses Shnorhali del siglo XII, quien hizo grandes reformas musicales en la liturgia de la iglesia apostólica armenia y nos dejó verdaderas joyas de la música sacra.

 

Voy a saltarme algunos siglos y mencionar algunos compositores relativamente nuevos y también contemporáneos. Komitas fue un musicólogo, compositor, arreglista, poeta, etc. y es una gran influencia para mí. Ha viajado por toda la Armenia histórica y ha escrito más de tres mil canciones populares armenias y ha arreglado algunas de ellas para coro, piano solo, voz y piano. También recopiló y publicó la primera edición de canciones populares kurdas, además de arreglar la santa misa armenia, llamada Patarag, para un coro de cuatro voces. Su ciclo pianístico, titulado “Siete canciones para piano” es una obra maestra única. Recomiendo encarecidamente también escuchar a estos compositores: Nikoghayos Tigranyan, Tigran Mansurian, Edvard Mirzoyan, Vahram Sargsyan, Aram Hovhannisyan, Vache Sharafyan y Michel Petrossian.

 

-Y específicamente en relación al piano. ¿Cuáles dirías que son tus principales referentes e influencias en aquel instrumento y los músicos que te inspiraron para decidirte a dedicarte a las teclas?

 

-Herbie Hancock, Thelonious Monk, Sonny Clark, Chick Corea, Hank Jones, Keith Jarrett y muchos otros.

 

-Tu disco debut “World Passion” de 2006, lo editaste cuando tenías 18 años. ¿Qué recuerdos tienes de ese álbum en particular y cómo lo sientes ahora, con la perspectiva del paso de los años?

 

-Tengo grandes recuerdos de ese disco. Fue grabado en 2004, cuando tenía 17 años y estaba a la mitad de mi primer año en la Universidad del Sur de California, USC. Fue una experiencia que me cambió la vida grabar por primera vez esas “nuevas” composiciones y arreglos con influencia armenia con Francois Moutin, Ari Hoenig, Ben Wendel y Ruben Haroutyunyan. He escrito muchas composiciones y he hecho grabaciones de ellas antes, pero todas eran melodías influenciadas por el bebop, que tal vez algún día publique.

 

-En 2022 el sello Nonesuch lanzó el disco “StandArt” con interpretaciones de grandes jazzistas estadounidenses. Entre los músicos con los que grabaste el disco, está el saxofonista Joshua Redman, quien se presente en Chile cuatro días antes que tú, el 20 de mayo. ¿Qué nos puedes contar de la escena jazzística estadounidense a la que perteneces? ¿Cuál es su nivel de cohesión? ¿Es posible hablar de una escena con interrelaciones y contactos mas o menos cotidianos y contundentes?

 

-¡Es fantástico que Joshua esté en Chile 4 días antes! Él es una gran inspiración para mí. Creo que la escena del jazz es realmente genial en estos días y muy amplia. Algunos nuevos artistas muy inspiradores dan forma a nuevos sonidos y van pavimentando el camino. Me interesan artistas que lleven al público a su propio mundo y lo empujen a descubrir cosas frágiles y en cierto modo complicadas, pero haciéndolo con naturalidad, sin esfuerzo y sin seguir modas. 

 

Soy un gran admirador de artistas como Ambrose Akinmusire, Sullivan Fortner, Charles Altura -aunque no hace mucho bajo su nombre-, Immanuel Wilkins, Ben Wendel, Harish Raghavan, Nate Wood, Walter Smith III, Fabian Almazan, por nombrar algunos. Siento que todos estos artistas también están inspirados en diversas formas de música y puedes escucharlo en sus obras. 

 

También escucho muchos géneros diferentes como metal, electrónica, música antigua europea, música tradicional de todo el mundo, música clásica, hip hop, etc. y sé que todos los artistas que pertenecen a los géneros mencionados anteriormente también escuchan jazz. Así que todo está ultra conectado y esto es algo bueno, pero también muy desafiante para que los jóvenes artistas se concentren, escuchen su voz interior y sigan una visión.

 

-Entre 2002 y 2016 recibiste numerosos premios por tu trabajo. ¿Qué tan importantes son estos reconocimientos para ti? Aparte de los obviamente positivo, ¿ves algún elemento negativo en estos premios, que te puedan llevar a cierta complacencia o excesiva seguridad en tu trabajo?

 

-No veo nada negativo en recibir premios a menos que no tengas el control de tu ego. Incluso si obtienes un premio, esto no significa nada en términos de lo que estás haciendo como artista y lo que crearás a lo largo de muchos años. Entonces, si dejas de trabajar en ti mismo y pierdes tu camino, entonces podría “culpar” a los premios, pero si sigues tu visión y trabajas incansablemente, los premios llegarán y pasarán.

 

-En tu concierto en Chile, vienes a presentar tu más reciente disco “The Call Within” de 2020. ¿Qué nos puedes contar de la composición, la estética musical, el sonido y lo que buscaste musicalmente en aquel álbum?

 

-Para cada composición que escribo y cada álbum que hago, el desafío es convertirlo en algo personal y empujarme constantemente hacia el horizonte de nuevos descubrimientos mientras me mantengo fiel a lo que se siente bien con respecto a mi posición actual como compositor y como ejecutante. La idea del disco “The Call Within” era grabar un álbum que consistiera principalmente en melodías escritas para mi trío. Me gusta contar historias y la idea de que la música tenga esa cualidad narrativa y también ceremonial. Se remonta a que la música es una forma de contar una historia, como en el caso de los juglares antiguos/medievales, como la música religiosa o como el bebop que enseñó Barry Harris, en el que cada frase es como hablar y la composición es como contar una historia. 

 

Entonces, en el caso de este álbum, cada composición tiene esta calidad narrativa e historias detrás de las melodías. Todos mis álbumes tienen una especie de continuidad y el contenido de muchas de las composiciones ha sido un progreso de trabajo de años de desarrollo de ideas. Por ejemplo, la mitad de las melodías de la pieza ‘Vortex’ las escribí en 2005 cuando todavía estaba en la Universidad, pero me llevó algunos años desarrollarla y, finalmente, hace dos años, sentí que “esta composición se podía hacer y lanzar al mundo”. Así que es difícil decir qué canción fue la primera. Supongo que el contenido más antiguo en el registro es ‘Vortex’.

 

-Finalmente, ¿qué nos puedes adelantar del show que harás el 24 de mayo y también sobre los músicos que componen tu trío?

 

-Tocaré con el bajista Marc Karapetian y el baterista Arthur Hnatek. Interpretaremos, principalmente, composiciones del álbum “The Call Within”, pero también algunos “éxitos” de mis discos anteriores.

 

-Muchas gracias por tu tiempo Tigran. Te esperamos en Chile.

 

Héctor Aravena A.