Bill Laurance: una comida de diez platos

Compositor, dotado pianista y tecladista, productor e integrante de Snarky Puppy, Bill Laurance se ha transformado en uno de los músicos británicos más interesantes de la actual escena jazzera. Desde sus discos para piano solista, pasando por sus tríos y sus álbumes con grandes orquestas, su nombre no ha dejado de crecer desde que debutó como solista con el álbum “Flint” en 2014, en una obra que ha dado sus frutos a través de la última década con lanzamientos como “Aftersun” (2016), “Live at the Philharmonie, Cologne” y “Cables”, ambos de 2019 y el más reciente “Affinity” de 2022, tan solo por nombrar unos pocos.

 

Sus facetas como artista son múltiples. Si, por un lado, ha fusionado el jazz con la electrónica, por otro, ha trabajado con el icono del folk rock estadounidense recientemente fallecido David Crosby -hizo la música para el documental de su vida y carrera “Remember My Name”-, así como también compuesto música para distintas películas. Además, se ha caracterizado por sus interesantes posturas sobre la tecnología, la ciencia, el cambio climático y el Brexit, con una mirada personal de los asuntos políticos. 

 

Laurance junto a su trío se presentan este 15 de junio a las 20:30 horas en el Club Chocolate de Santiago, con el saxofonista Edén Carrasco como show de apertura, en una nueva fecha de Stgo Fusión. Tuvimos la oportunidad de conversar con el músico inglés, sobre diversos tópicos.

 

-Hola Bill, muchas gracias por tu tiempo para conversar con nosotros. En tu trabajo, has fusionado el jazz con la música electrónica, en un proceso que pareciera ser natural en el mundo contemporáneo y que comenzó con el jazz fusión inaugurado por Miles Davis a fines de los 60. En numerosas entrevistas has manifestado tu entusiasmo por el uso de la tecnología en la música. En tu caso, ¿cómo conjugas ambas experiencias sonoras y estilísticas?

 

-Siento que la electrónica es realmente una parte muy importante de mi paleta de colores. Supongo que soy de la opinión de que debemos abrazar el tiempo en que estamos y aunque toda la conversación sobre la inteligencia artificial es un poco alarmante, también se siente como una inevitabilidad de la que tenemos que ser conscientes. Por eso creo que estilísticamente siempre me interesa todo tipo de profundidad en la música. Se trata de la combinación de diferentes estilos y la ruptura de las barreras y los límites entre ellos.  Para mí la música es música y ahí es donde reside su magia, justamente, cuando dos estilos se encuentran. Puede que una canción en un principio se escuche como una balada, pero más adelante una batería muy dura junto a una pista de bajo, lo convierten en otra cosa.

 

Eso es lo que hacemos cuando realizamos un show, tratamos de cubrir un amplio espectro estilístico y llevar al público a ese viaje con nosotros. Creo que la evolución en términos de tecnología es sólo en la trayectoria que estamos y la música debe incorporar estos avances. Hay una pista que vamos a tocar en Santiago llamada ‘Singularity’, que es un tema central de mi disco conceptual “Cables” y que habla sobre el crecimiento exponencial de la tecnología. Hay un momento en la composición en la que estoy tocando el teclado y mi objetivo es hacer que este suene como si estuviera explotando, porque estoy tratando de tomar literalmente este concepto de la tecnología y asumiendo el control. Creo que es interesante que el arte sea una especie de reflejo de la conversación acerca de si el crecimiento exponencial de la tecnología es una cosa positiva o negativa. 

 

Por supuesto, en muchos sentidos es positivo, ya que ha creado muchos aperturas y oportunidades para la gente de todo el mundo, pero, al mismo tiempo, existe la era de la información, y quizás demasiada de esta pueda ser algo malo y de lo que hay que tener cuidado. Hay un optimismo y luego hay una especie de oscuridad. Ambas visiones están constantemente en desacuerdo y ahí, justamente, está el interés para mí.

 

-Además de tu trabajo como solista, eres parte de la banda de jazz fusión y funk Snarky Puppy. ¿Cuál dirías que es la diferencia fundamental entre trabajar como un músico solista en contraste con un ensamble tan numeroso como Snarky Puppy?

 

-Esa es una gran pregunta. Pienso que en última instancia todo recae en el artista, así que como el músico solista que soy yo, es mi voz, es mi visión. Así que se trata de cómo esa voz y esa visión se manifiestan en el escenario en el contexto de Snarky Puppy. Soy una de las 16 voces del ensamble y se trata de cómo equilibrar aquello dentro de ese marco. Estoy particularmente emocionado por esta gira porque es mi música, son mis composiciones y, por lo tanto, se siente mucho más personal, pero, obviamente, la colaboración es una gran parte de ser un artista y de crecer. 

 

-Justamente a finales de enero lanzaste el álbum “Where You Wish You Were Here” con Michael League, líder de Snarky Puppy. ¿Qué nos puedes decir sobre este trabajo colaborativo, la composición, la estética y la grabación de ese disco?

 

-He tenido la suerte de trabajar con Michael League en este disco a dúo donde fue, en gran medida, una articulación. Hay dos voces, por lo que estábamos solo ambos a la hora de coescribir todas las canciones y ver el tipo de grabación que queríamos. Diría que las similitudes con todos estos proyectos es la libertad, eso es lo que estamos buscando en el escenario y eso es lo que es afín a todos los proyectos que hago. Cuando estamos actuando estamos respondiendo al momento, a cómo nos sentimos, a cómo el público está recibiendo la música. Por lo tanto, es sólo dejar que la música te diga qué tocar, esa es la similitud que hay entre todos ellos. Pero como te digo, como artista en solitario mi objetivo es hacer que la gente se sienta como si hubieran tenido una comida de diez platos, no una comida de dos platos, porque tengo tantas influencias e intereses como artista y estoy tratando de incorporar todos esos elementos en mi show.

 

-Una facetas interesantes como músico, es la de compositor de bandas de sonido, área en la que debutaste en 2018 con la música para la película “Un Traductor”. ¿Cómo enfocas la composición a la hora de crear música que tiene un correlato fílmico? Me imagino que es muy distinto que componer música, digamos, personal… 

 

-Definitivamente, es una maravillosa oportunidad escribir partituras para una película, porque es una disciplina muy diferente, en la que el papel del músico queda en última instancia en el proceso. Cuando compones música para películas, lo que haces es reforzar la historia y a los personajes que ya existen, eso hace que tu rol sea muy diferente, en el sentido de que realmente se trata de la química con el director. Creo que tu trabajo es realizar la visión del director, por lo que tu conexión con él es fundamental. Es una maravillosa experiencia, muy diferente a la de escribir discos en solitario, en la que ya hay una historia. Todo lo que tienes que hacer es reforzar esa historia y puedes profundizar en la caracterización. Recuerdo el personaje del niño de Rusia que sufre de exposición a la radiación y decidimos investigar sobre los instrumentos folclóricos rusos y encontramos esta antigua arpa rusa que terminamos usando como su instrumento característico para su personaje. Me encantó investigar sobre eso y simplemente ir a buscarlo. Además, la música que he hecho para el cine ha influenciado de vuelta al trabajo que hago como solista. 

 

Cuando estoy haciendo un disco en solitario estoy tratando de crear una especie de película para mí sin los efectos visuales y, en cierto modo, tengo como objetivo hacer que el oyente se sienta como si hubiera visto una película sin verla realmente. La idea es ser un medio de transporte hacía el público: los tomas donde estén y los llevas en un viaje a través de todo tipo de emociones y sensaciones. Ese es mi objetivo como artista. Trabajando en la música instrumental, siento que hay más espacio para hacer eso. Las voces son más específicas, te dicen más dónde estás. En cambio, la música instrumental tiene más espacio para la interpretación en ese sentido y sí, realmente disfruto el reto de hacer un disco que sirva como escapismo para el público.

 

-Trabajaste de cerca con el legendario cantautor estadounidense David Crosby, quien lamentablemente falleció hace muy poco, a mediados de enero de este año. ¿Qué sentimientos tienes por su partida y cómo fue el trabajo que hiciste con él?

 

-Un individuo asombroso. Tan inspirador y genuino, un verdadero rey de nuestra historia de la música. Quiero decir, una de las cosas que me inspiró particularmente fue que su sentido de lo vocal era para él como hablar. Realmente, gran parte de su música fue impulsada por causas políticas y él pensaba que es nuestra responsabilidad hacer eco acerca de las cosas que nos importan. Así que aquello, era una gran parte de su música y de quién era él como ser humano. Recuerdo que hizo un concierto y alguien twitteó después de que había hablaba mal de Donald Trump durante todo el show, que le había encantado su espectáculo, pero que dejara a Trump fuera de él por favor. Entonces Crosby contestó al tweet y dijo que no volviera a su concierto nunca más. 

 

Él nunca fue tímido a la hora de hablar de esas cosas. Yo siempre he sido reacio a hablar de causas políticas, pero él me ha inspirado a intentar ser un poco menos discreto en el escenario y hablar más de ello. Por ejemplo, ahora hablo sobre el Brexit en los conciertos y fue un completo desastre, especialmente en Europa. A veces digo: “Espero que nos dejen volver cuando el país se dé cuenta de que todo era un montón de tonterías”. Antes solía huir de eso pero, ahora, gracias a Crosby, soy más asertivo en relación a temáticas que nos importan como sociedad.

 

 

-Claro, de hecho, es conocida tu posición fuertemente crítica frente al Brexit. ¿Qué efectos negativos y consecuencias aprecias con la salida de Reino Unido de la Unión Europea y qué conclusiones sacas del pensamiento pro Brexit mayoritario que existe en tu país?

 

-Si, entre sus muchas consecuencias, por ejemplo, para los músicos, las giras son mucho más complicadas y casi imposibles de realizar para los artistas que están empezando. Hay músicos independientes que no tienen el presupuesto para pagar visados adicionales. Si estás en la parte inferior de la cadena alimentaria, todo comienza a crecer a la derecha. Todo es un montón de mentiras, es exasperante. En última instancia, es algo que se deriva de tal vez un viejo sentido de derecho o del imperialismo o este tipo de ideas de que porqué el inglés es el idioma universal o el más conocido en el mundo. Al estar en una isla, existe este sentido de derecho, así que creo que esto tal vez se trata de un sentido de orgullo. 

 

Hasta cierto punto puedo entenderlo, pero creo que si seguimos así, las próximas generaciones serán todas, definitivamente, devastadas. Creo que hay esperanza para el futuro del Reino Unido, solo si volvemos a entrar en Europa. Culturalmente hemos perdido mucho, mucha gente se ha ido, muchos amigos míos británicos se van a la Europa continental porque están hartos del Reino Unido, es devastador, pero creo que no podemos esconder la cabeza en la arena, tenemos que ser activos y conscientes de lo que está pasando y ver cómo cambiar las cosas. 

 

-Pasando a otro tema, ¿qué nos puedes comentar de tu colaboración con la WDR Big Band de Colonia, con quien has tocado en vivo y editaste el álbum “Live at the Philharmonie, Cologne” con composiciones tuyas arregladas por Bob Mintzer, sobre todo, conocido por Yellowjackets?

 

-Fue una experiencia sorprendente. Cuando originalmente concebí estas composiciones fueron pensadas para ser tocadas con un gran conjunto, lo que es bastante raro, porque casi siempre compongo para un trío o incluso como músico solitario. Así que fue una especie de sueño hecho realidad. Bob Minzer, el saxofonista, y la increíble Big Band hicieron la mayoría de los arreglos y, honestamente, les entregaron un nuevo tipo de vida a las piezas. Ellos pusieron mi música en un ambiente de big band y realmente se las arreglaron para articular la grandeza que yo estaba buscando y eso fue simplemente glorioso. 

 

Haberlo presentado en Colonia con una audiencia en vivo y haberlo grabado para el disco fue increíble. Estaban también algunos de los mejores solistas de la WDR. Cuando encuentro un proyecto como ese, después me gusta ir al otro extremo del espectro, así que mi lanzamiento más reciente, es un álbum de piano solo. Me mantengo creando y cambiando las postas de la meta, y es como ir de uno a otro, como ahora. El próximo disco en el que estoy trabajando es un álbum de orquesta de cuerda, en el que, curiosamente, no hay una orquesta de cuerda. Tampoco hay sección rítmica y a su vez las cuerdas sí son la sección rítmica. Es la cosa más clásica que he hecho, es como una especie de pieza de Steve Reich de sonido clásico contemporáneo, así que cada proyecto es una oportunidad de responder a una estética diferente.

 

-Finalmente, ¿qué nos puedes adelantar sobre el concierto que dará el próximo 15 de junio en Santiago, en que vendrás a presentar tu último disco “Affinity”?

 

-Será música de todo mi catálogo, con temas de cada disco. La idea es hacer un espectro completo, incluyendo piezas del disco más reciente. Habrá mucho diálogo, pero mi esperanza es que el público se vaya sintiendo como si hubieran tenido una comida de diez platos, que sea un viaje completo y que sientan que lo que escucharon fue único para esa noche. Ese es mi objetivo, hacer que cada show sea muy específico. Quiero que el público realmente se pierda en la música.

 

Muchas gracias Bill, te esperamos en Santiago.

 

*Entradas disponibles en Puntoticket.

 

Preguntas, edición y nota: Héctor Aravena.

Entrevista: Jean Parraguez.

Traducción: Carlos Acevedo.