Jacob Collier: ''La música es lo que más necesita el mundo hoy''

Seis años desde su última visita, Jacob Collier regresó a Chile con la energía que lo caracteriza, tras un recorrido que lo ha llevado por distintos rincones del mundo. Productor, multiinstrumentista y artista inclasificable, habla sobre la emoción de volver, sus experimentos musicales en vivo, el concepto de mejora constante y la relevancia de hacer música en tiempos donde lo efímero convive con lo eterno.

Con seis premios Grammy bajo su brazo, pareciera que los elogios nunca fueron un fin en sí mismos, sino un reflejo inevitable. En la mente del músico con alma de niño, el juego que dio color a su vida se transformó en una construcción laboral que hoy es identidad, y que no deja de expandirse.

El niño prodigio que erige su refugio en Londres quizá no alcance a dimensionar que, al otro lado del mundo, el frío se cuela entre las paredes, especialmente en una ciudad como Santiago. Entre relatos íntimos y celebraciones de la diversidad, Jacob despliega algo más profundo que música: confirma que el arte sonoro es más que empatía. Sobre ello conversamos con este joven de espíritu lúdico, que en cada lugar que pisa deja su corazón, abraza, aprende y musicaliza.

- Jacob, bienvenido de nuevo a Chile. ¿Cómo te sientes en este regreso?
- Estoy muy emocionado de estar aquí. Han pasado seis años desde la última vez que vine, y creo que este show ya está agotado, así que será una vibra increíble. Llegamos ayer, comimos algo en la noche y dormí largo. Me desperté muy tarde, como a las tres de la tarde, porque hemos estado trabajando mucho en las últimas semanas. Toda la banda y el equipo están felices de estar finalmente en Chile.

- En tu show en Lima sorprendiste al público tocando 'El Cóndor Pasa'. ¿Cómo surgió esa idea?
- Este año he estado disfrutando el reto de aprender canciones locales en cada país. En Colombia, por ejemplo, toqué 'La Tierra'. Cuando investigué para Perú, mucha gente me mencionaba la misma canción, y sentí que 'El Cóndor Pasa' lleva dentro el espíritu del país. La aprendimos y fue un momento maravilloso, porque es también una de mis favoritas.

- Cuando entré al teatro para conversar contigo, tuve la suerte de escuchar el ensayo de 'Gracias a la Vida', de Violeta Parra. Sin duda una canción que guarda entre sus acordes algo más que la belleza de la identidad local de Chile, ¿por qué elegiste esta canción?
- Cuando estuve investigando y conversando con la gente, me di cuenta de que esta es la canción a la que todos apuntan. Es prácticamente un himno nacional y transmite el espíritu de Chile. Por eso la aprendimos, junto con otras canciones. Para mí será un momento muy especial y divertido, porque además es una de mis favoritas. Sé que a todos les gusta, y eso lo hace aún más maravilloso.

- Me gustaría consultar por tu presentación en Glastonbury el 2023, la gente lo sigue recordando como un momento único. ¿Qué significa para ti mirar atrás y revivirlo?
- Fue un momento enorme. Para mí, uno de los aspectos más importantes de ese festival fue su historia. Como inglés, el festival de Glastonbury siempre ha tenido un gran peso. Además, experimenté algo nuevo: lo había hecho en mis conciertos, pero nunca en un festival así de grande. Ese día había 30.000 personas bajo el sol, todas cantando. Me emocioné mucho, porque no solo el festival era especial, también mostró que la música le pertenece a todos, incluso si no eres músico.

- Hay algo que me llama mucho la atención de tu trabajo y es que en cada show hay algo irrepetible, como si en cada show buscaras mejorar algo aunque suene muy difícil. ¿Cómo lo logras?
- Creo que todos estamos mejorando todo el tiempo. Para mí, tocar en vivo significa encontrar en cada concierto algo que pueda ser un poco mejor. Hoy, por ejemplo, en la prueba de sonido estuvimos aprendiendo una canción y cambiando detalles en otra. Nada está nunca terminado. Yo siento que aprendo más rápido en el escenario que en el estudio.

- Como productor, ¿qué opinas del presente de la música, donde el streaming, TikTok y la viralidad parecen cambiarlo todo?
- Creo que no ha existido un momento más emocionante para hacer música que 2025. Es el mejor tiempo de la historia, porque todo es posible y porque el mundo necesita la música como nunca. La música une de un modo que nada más en el planeta logra.

La tecnología siempre ha cambiado la música: al inicio, cuando se grababa por primera vez, muchos pensaban que no debía hacerse, que solo había que tocar en vivo. Pero grabar se volvió un arte, y todo cambió. Ahora pasa lo mismo: canciones más cortas, ritmos más rápidos… Para mí, ser artista es contar historias, y hoy existen miles de formas de hacerlo: en una canción, en un escenario, en un video, en una foto, en una clase. Amo 2025 porque hay infinitas maneras de ser artista, después de todo la música es lo que más necesita el mundo hoy.

- Tu proyecto "Djesse" parece una saga musical, casi como una biblioteca de canciones. ¿Cómo nació esa idea?
- Después de "In My Room" quise un reto mayor: crear un álbum de cuatro volúmenes, cada uno con un mundo sonoro distinto. El primero fue orquestal, el segundo acústico, el tercero electrónico y el cuarto centrado en la voz humana, con 100.000 personas cantando. Fue ambicioso, pero lo logré. Para mí significó dos cosas: una celebración y también una educación.

- Incluso la identidad visual de "Djesse" cambia entre volúmenes, ¿cómo construiste la identidad visual de este proyecto?
- Sí, cada uno me exigió algo diferente, también en lo visual. Para el cuarto volumen, con tanta gente involucrada, quise una identidad a gran escala. La portada es una escultura de vidrio con 30 capas, dentro de las cuales hay recortes de personas, instrumentos y objetos, como un mosaico.

- Has colaborado con artistas de todo el mundo. ¿Cómo nacen esas conexiones?
- Muchas comienzan con una amistad. Con Chris Martin nos conocimos hace seis años, pero recién hicimos una canción juntos en "Djesse Vol. 4". Con Camilo nos vimos en Japón, luego en Los Angeles, y de ahí nació 'Mi Corazón'. Es muy lindo tocarla ahora en esta gira, porque el público latinoamericano la recibe con tanta alegría.

- Hablemos de 'Little Blue', una de las canciones más especiales de ese volumen.
- Esa canción tardó tres años en completarse. El verso lo tenía hace tiempo, pero el coro lo terminé después. Normalmente pienso que un coro debe crecer, ser explosivo, pero en 'Little Blue' se hace más pequeño, más íntimo. Fue un aprendizaje precioso.

Con la sonrisa abierta y la certeza de que cada acorde puede convertirse en un puente entre mundos, Jacob Collier despide la conversación recordando que la música no se mide en cifras ni en premios, sino en la capacidad de abrazar lo diverso y lo humano. Su alma de niño sigue jugando con sonidos que, al expandirse, nos recuerdan que la empatía también puede ser una melodía. Esta noche, en Santiago, será el turno del público de devolverle ese abrazo en forma de coro multitudinario.

Karin Ramírez Raunigg