Green Lung: Londres, cementerios y heavy rock

A propósito de “Necropolitan”, su nuevo álbum, Scott Black conversó con Rockaxis sobre la evolución sonora de Green Lung, la influencia de Uriah Heep y el desafío de combinar órganos y guitarras de alta ganancia. El músico también profundizó en el concepto del disco, inspirado en los grandes cementerios victorianos de Londres, la experiencia de grabar en los legendarios Rockfield Studios, el presente de la escena stoner/doom y las posibilidades de una futura visita a Latinoamérica: “Siento que es un lugar muy importante para el metal”, confiesa el músico británico. 

 

“Necropolitan” se siente como el disco más ambicioso de Green Lung hasta la fecha. ¿Estás de acuerdo?

 

Es curioso, porque en cierto modo queríamos hacer algo más directo y con una sensación más cercana al vivo que en nuestros trabajos anteriores. Habíamos adoptado un enfoque muy maximalista y centrado en el estudio, especialmente en “This Heathen Land” (2023), que fue un álbum muy denso, con muchas capas. Habíamos llevado ese concepto tan lejos como queríamos, haciendo una música muy cinematográfica.

 

Entonces, la idea era cambiar un poco de dirección, ¿no?

 

Claro, nos preguntamos cómo podíamos conseguir que el nuevo disco transmitiera la sensación de estar viendo a Green Lung en vivo. Para eso, arreglamos las canciones pensando en los cinco integrantes tocando juntos en una misma sala. Grabamos gran parte del álbum de esa manera. Hay muchas menos capas y seguimos un enfoque similar al que utilizaban las bandas de los años 70 que grababan en Rockfield, donde registramos el disco.

 

¿Cuál es la ventaja de esta aproximación en términos compositivos?

 

Cuando eliminas buena parte de los arreglos modernos y dejas simplemente una guitarra, un órgano, un bajo y una batería, ocurre algo interesante. Naturalmente, la música se presta para riffs grandes y momentos mucho más técnicos y progresivos. Por eso, estoy de acuerdo contigo: es más ambicioso musicalmente. También es más complejo desde el punto de vista compositivo porque sonoramente es mucho más sencillo. Eso significa que tienes que compensarlo de alguna manera. De lo contrario, terminarías sonando como Blue Cheer o los Sex Pistols (ríe). Este proceso exigió nuestros músculos creativos de una forma diferente a “This Heathen Land” (2023).

 

Hablando de las influencias de los años 70, al escuchar “Necropolitan” (2026) pensé mucho en Uriah Heep. Cuando aparece un teclado en este tipo de hard rock, la referencia inmediata suele ser Deep Purple, pero en Green Lung se percibe más el espíritu de Uriah Heep. ¿Era algo que buscaban intencionalmente?

 

¡Me alegra mucho que menciones a Uriah Heep! Tienes razón, todo el mundo suele hacer referencia a Deep Purple. Me encanta Deep Purple, pero Uriah Heep fue una influencia enorme, especialmente por la forma en que utilizan el órgano y por su interacción con la guitarra. También nos interesaba el desafío de combinar un órgano con un sonido de guitarra más moderno. Si escuchas a Uriah Heep o a Ritchie Blackmore en Deep Purple, las guitarras tienen muy poca ganancia; no poseen ese sonido gigantesco. En Green Lung, en cambio, las guitarras tienen un sonido enorme. Utilizamos varios amplificadores, muchísima ganancia y sonidos extremadamente densos. Eso nos obligó a cambiar el enfoque.

 

¿Hubo otra fuente de inspiración, además de Uriah Heep, en el uso del órgano?

 

Sí, nos fijamos en las secciones de metales en el jazz, el soul y otros estilos. Al igual que un órgano, es un sonido enorme que puede apoderarse de la mezcla apenas entra. Por eso hay que utilizarlo con mayor moderación. Puedes tener una canción como ‘Necropolitan’, en la que hay una enorme cantidad de órganos, pero en el resto del álbum lo tratamos casi como una sección de metales.

 

Precisamente, una de las cosas que más llama la atención es el protagonismo que ha adquirido el órgano respecto de los primeros discos de Green Lung. En los trabajos más recientes parece tener una función mucho más importante dentro de la composición.

 

Sí. Creo que parte del desafío estaba justamente en encontrar una manera diferente de utilizarlo. Queríamos conservar ese elemento clásico del rock de los años 70, pero al mismo tiempo hacer que funcionara con el sonido de guitarra que tenemos actualmente. No queríamos simplemente reproducir lo que hicieron otras bandas. La idea era tomar esa influencia y encontrar una manera propia de incorporarla al lenguaje de Green Lung.

 

Algunos medios han descrito a “Necropolitan” (2026) como una “carta de amor al Londres gótico”. ¿Estás de acuerdo con esa descripción?

 

Green Lung siempre ha estado muy vinculada al mundo rural. Nos interesa mucho el folclore de la Inglaterra bucólica y pastoral. Con este disco queríamos mostrar que ese folclore, esas tradiciones populares y todo lo que representan, también existen en la ciudad. Somos las personas quienes construimos esas tradiciones y les damos vida, no necesariamente el suelo o la tierra, aunque ambos siguen siendo importantes. Queríamos que el álbum funcionara como un testimonio de un folclore y una cultura vivos, cambiantes y en constante evolución.

 

¿Cuál es la temática central?

 

Más específicamente, son los siete grandes cementerios de Londres, construidos durante la época victoriana tardía. Durante la Revolución Industrial, la población de Londres creció de manera explosiva y no existía la infraestructura necesaria para atender tanto a la población viva como a la cantidad de personas que morían. Por eso construyeron los llamados Magnificent Seven. Fueron concebidos como monumentos permanentes al poder y la influencia del Imperio británico. Representaban esa visión anglocéntrica, propia de la época victoriana, sobre Inglaterra y el poder. Sin embargo, apenas unas décadas después de su construcción, esos grandes monumentos habían caído en el abandono, estaban deteriorados y prácticamente en ruinas. Hay algo muy poético en esa arrogancia: construir estructuras que supuestamente debían perdurar para siempre y ver cómo terminan abandonadas y desmoronándose, al mismo tiempo que el Imperio británico comenzaba también a desmoronarse. 

 

 

‘Dance to the Grave’ y ‘Ozymandias’ son los ejemplos más representativos, ¿no?

 

Exacto, son una reflexión sobre la naturaleza transitoria de los imperios. Es la idea de que la humanidad cree que está construyendo algo que perdurará frente a la naturaleza, el tiempo y la eternidad, pero no podemos hacerlo. Todo termina desmoronándose. La impermanencia es el único factor verdaderamente constante. Es nuestra verdadera naturaleza.

 

Hablemos ahora del sonido del disco. Trabajaron con el productor Tom Dalgety, quien anteriormente había trabajado con bandas como Ghost y Opeth. ¿Cómo surgió esa relación?

 

Tom se puso en contacto con nosotros justo después de “Black Harvest” (2021) porque quería trabajar con la banda. Terminó mezclando “This Heathen Land” (2023) y, a partir de ahí, la relación evolucionó.

 

¿Cómo es trabajar con Tom?

 

Es un verdadero placer trabajar con él. Es una persona muy divertida, humilde y amable, especialmente considerando todo lo que ha hecho profesionalmente. También es excelente en el plano musical. Es un verdadero mago del sonido y consigue que las cosas suenen increíbles. Si le dices que quieres un sonido de guitarra como el de ‘Symptom of the Universe’ de Black Sabbath, puede conseguirlo y colocar el micrófono exactamente donde corresponde. También es alguien con quien puedes intercambiar ideas de composición. Una de las cosas fantásticas de trabajar con él es que dedica mucho tiempo a la preproducción. Antes de entrar al estudio, trabaja con nosotros en demos y hace sugerencias.

 

¿La forma de trabajar de Tom les facilitó el trabajo en el estudio?

 

Claro, fue, con diferencia, mi experiencia de grabación favorita con Green Lung. Además, estar en un lugar tan legendario fue muy inspirador. Tom y nosotros también tenemos gustos similares en cuanto a sonidos de guitarra. Queríamos que sonaran extrañas, pero en el buen sentido, como las de Brian May o Tony Iommi. Ambas tienen mucho carácter, casi un tono nasal, con un realce de medios que las guitarras de metal ya no suelen tener. Tom es exactamente el tipo de productor capaz de hacer algo así. Mientras otros podrían escuchar una guitarra extraña y preguntarte si puede sonar  como James Hetfield, él entendió perfectamente lo que buscábamos y todas nuestras referencias.

 

El estudio al que haces referencia es el Rockfield Studios, un lugar legendario donde trabajaron Black Sabbath, Queen y muchas otras bandas. ¿Cómo fue enfrentarse a un estudio con tanta historia?

 

No soy una persona escéptica, pero tampoco suelo dejarme llevar demasiado por el romanticismo. Sin embargo, con Rockfield fue diferente. Apenas llegué, me dejé llevar por el romanticismo del lugar (ríe). Realmente tiene una atmósfera especial. Incluso sin conocer su historia, creo que cualquiera podría darse cuenta de que es un sitio extraordinario. Es un lugar muy particular porque todavía funciona como una granja. Puedes estar grabando y de pronto tener que repetir un overdub porque se escucha una vaca mugiendo de fondo (ríe). ¡Hay animales por todas partes! La familia que ha administrado el lugar durante todo este tiempo es maravillosamente excéntrica. Además, el estudio está tan aislado que no puedes hacer otra cosa que entregarte completamente al proceso creativo.

 

Hay bandas que mencionan que aislarse es bueno de vez en cuando. ¿Lo fue para Green Lung en esta oportunidad?

 

Sí, fue muy bueno para mantener el foco y concentrarse en una sola cosa. También me gusta que, a pesar de ser un estudio magnífico y legendario, no tiene ese carácter clínico que poseen algunos estudios de alta gama, donde sientes que vas a romper algo o estás un poco incómodo. Rockfield se siente como un hogar, de una manera realmente encantadora. Es un lugar maravilloso para grabar y disfruté muchísimo estar allí.

 

Hablemos un poco de la escena del stoner/doom actual. Green Lung ha participado en festivales importantes como Desertfest London, la cumbre del estilo. ¿Crees que sigue existiendo una audiencia fuerte para este tipo de sonido?

 

Es difícil saberlo. Tengo la sensación de que el punto máximo de popularidad del estilo fue hace aproximadamente una década. Si piensas en Orchid, Blood Ceremony, The Sword, Witchcraft y todas esas bandas, parece que ya pasamos ese momento de mayor auge, ¿no? Incluso con las bandas históricas, da la impresión de que estamos llegando al final de una era. Me encanta Sleep, por ejemplo, pero con la salida de Matt Pike de la banda, se siente demasiado distinta.

 

 

¿Hay alguna banda contemporánea que te interese dentro del estilo?

 

Sí, hay bandas muy interesantes. Slomosa y Castle Rat son dos buenos ejemplos. Tienen una conexión muy marcada con los años 70 y con lo retro, aunque en Slomosa las influencias no están tan ancladas en esa década. También hay bandas como Elder y REZN sacando discos fascinantes. Quizás las agrupaciones más enfocadas en lo retro ya no sean tan populares como antes, pero la escena ha evolucionado hacia algo mucho más progresivo. Green Lung, por supuesto, sigue siendo una banda profundamente influenciada por los años 70. Somos grandes revivalistas de esa época. Lo alentador es que, a pesar de que quizá esa estética ya no esté tan de moda, Green Lung continúa creciendo en popularidad.

 

Ese crecimiento también debe sentirse entre los seguidores. ¿Cómo ha sido ver que los fans que los acompañaron desde el comienzo siguen creciendo junto a ustedes?

 

Es algo que me llena de humildad. Cuando comienzas una banda piensas en lo que quieres hacer musical y creativamente, pero no necesariamente imaginas las consecuencias de llegar al punto en el que estamos ahora. En Reino Unido y Europa estamos llenando clubes bastante grandes, pero para nosotros es importante seguir siendo accesibles para los fans. Por eso hacemos nuestro mejor esfuerzo para firmar autógrafos después de los conciertos y organizar encuentros. Creo que es muy importante tener un contacto real con ellos, en lugar de verlos simplemente como una masa frente a la que estás tocando. 

 

¿Qué es lo mejor de seguir construyendo esa conexión con los fanáticos?

 

Lo más bonito de ver crecer nuestra base de seguidores es que la primera fila, cuando encabezamos Desertfest en mayo, estaba llena de personas que reconocía de conciertos de hace tres o cuatro años. Eran los mismos que estaban allí cuando solo tocábamos para unas 50 personas. Conozco sus nombres. Incluso hay una persona que me envía una postal cada Navidad. Es una comunidad. Estamos muy agradecidos por ese apoyo y nos sorprende que la música que nos encanta hacer conecte con la gente de esta manera.

 

En Latinoamérica existe una comunidad muy similar, aunque probablemente a una escala diferente. ¿Han pensado en extender las giras hacia esta parte del mundo?

 

Nos encantaría. Nuestro baterista habla español con total fluidez, así que creo que disfrutaría muchísimo una gira por Latinoamérica. Ha estado en algunos lugares de la región, aunque no en demasiados. A mí también me encantaría conocerla. Siento que Latinoamérica es un lugar muy importante para el metal. Iron Maiden, por ejemplo, puede tocar ante cientos de miles de personas. Es uno de esos lugares donde el metal todavía está en el epicentro y conserva una gran importancia cultural.

 

¿Está muy difícil la situación para salir de gira?

 

Sí, es bastante caro, especialmente cuando estás comenzando. Se necesitan varios años y muchas giras para construir una base de seguidores desde cero. Pero quiero que Green Lung sea una banda internacional. El próximo año volveremos a Estados Unidos para nuestra segunda gira, y ahora quiero que podamos llegar a todos los lugares que sea posible. El metal es una familia internacional. Me encanta viajar a lugares que se sienten remotos, como un pequeño búnker en Polonia, y encontrar allí a personas que conocen tus discos y aman el mismo tipo de música que tú. Es maravilloso.

 

Para cerrar, Scott, ¿qué mensaje te gustaría enviar a los seguidores latinoamericanos de Green Lung?

 

Fue un placer conversar con ustedes. A todos los lectores de Rockaxis, ¡queremos llegar a Chile! Esperamos que disfruten el nuevo álbum tanto como nosotros.

 

Pablo Cerda S.