Wolf Alice: Sin resentimientos

(Publicado originalmente en revista #Rockaxis216, junio de 2021)

 

La banda inglesa está de vuelta con un nuevo álbum, “Blue Weekend”, que los tuvo en confinamiento antes que empezara la pandemia y con el que pretenden replicar el éxito del aplaudido “Visions of a Life” (2017). Sobre este trabajo y el presente y futuro de una de las bandas indicadas como las promesas de la isla británica, conversamos en exclusiva con el baterista Joel Amy y el bajista Theo Ellies.

Por Bastián Fernández

2020. Antes que todo el mundo se encerrara producto de la pandemia, los miembros de Wolf Alice estaban en su propio confinamiento creativo en Bruselas, Bélgica. No sabían qué dirección tomar, ni se sentían cómodos con quienes eran. De las risas, la efusividad y la alegría del día en que se ganaron inesperadamente el Mercury Prize por “Mejor Álbum” en 2018 –frente a un triste Noel Gallagher–, poco quedaba.

Al cuarteto del norte de Londres no le quedó más que mirarse, conversar, sacar todo afuera y experimentar. Para eso había permiso. Su sello, Dirty Hit y su aliado en las perillas, Markus Dravs (Arcade Fire, Coldplay, Björk), les dieron total libertad para trabajar, tanto en tiempo como en sonido. Algo que cuesta ver en los tiempos del streaming, donde siempre hay que estar liberando material (y lo más rápido posible).

En “Blue Weekend”, su más reciente álbum, ese ímpetu reflexivo está presente en todas las canciones. Si en su anterior trabajo “Visions of A Life” (2017) todo era subir y bajar, ahora la tendencia es mantener la calma. Respirar, adentro y hondo. Explorar y contar pausadamente, más que gritar. «Sin resentimientos, cariño», como canta delicadamente Ellie Roswell en ‘No hard feelings’, uno de los adelantos del álbum que resume de manera perfecta el tono de su tercer larga duración.

El sintetizador y el piano son los grandes aliados de la banda en esta nueva etapa. Canciones como ‘How can it make ok?’ o ‘The last man on the Earth’ son prueba de ello. Ambas llegan al clímax sin que las guitarras revienten tus oídos, para darle espacio a que la voz de Roswell llene todo el espacio. Y aunque ‘Play the greatest hits’ y ‘Smile’ ponen la cuota de punk y distorsión con la que el cuarteto se hizo un espacio en la escena, lo cierto es que son las únicas canciones que recuerdan al viejo Wolf Alice. «Este disco tiene muchas escenas, te puedes imaginar las cosas al escuchar las canciones. Es como ver una película», comenta el baterista Joel Amy.

- ¿La nueva estética sonora de este disco se dio de forma natural o buscaron hacer un álbum con un toque cinematográfico?
- Joel Amy: Es lindo escuchar eso de que es cinematográfico, me gusta. Cuando Ellie me mando los demos podía ver las canciones mientras las escuchaba, especialmente ‘Smile’. La veía en mi cabeza. No lo hicimos a propósito, pero naturalmente este álbum tomó ese blanco y negro.

- El paisaje que crean es como el de un día nublado, reflexivo, con un groove muy oscuro...
- JA: Bueno, acá siempre está nublado (ríe). Ahora está lloviendo. Ojalá cuando vayamos allá no esté así. Pero sí, es un álbum un poco oscuro, el peso se lo lleva el groove. Es algo lento, pero funciona bien. No queríamos ser predecibles con este nuevo material.

- ‘The last man on the Earth’ fue sorpresiva. No es una canción que suena parecida a su trabajo anterior. Las guitarras ya no toman el protagonismo.
- JA: Sí, es algo inesperado. No queremos encerrarnos solamente en una forma de hacer canciones o que la gente crea que Wolf Alice es un tipo de música. También teníamos ganas de experimentar, hacer algo novedoso.

- ¿Cómo fue ese proceso, teniendo en cuenta el éxito de su anterior álbum? ¿Estuvo presente el miedo de que a la gente no le gustara la nueva apuesta sonora?
- JA: Todo empezó cuando nos encerramos a tocar. Necesitábamos conectar como una banda de cuatro piezas, recordarnos que somos amigos cercanos, que amamos hacer música juntos y poner toda la experiencia de los años anteriores en la caja. Eso es lo más importante: crear cosas juntos. Hay momentos en los que escuchas lo que haces y te preguntas «¿esto es suficiente para la gente?». Para mi eso desaparece cuando estás orgulloso de lo que creas, de las melodías. Eso es lo más importante, lo demás es secundario. La gente conecta con las canciones honestas, las sienten suyas.

 

Azul es el color

El nombre “Blue Weekend”, además de ser muy cinematográfico, según cuenta Amy, hace referencia a que en un fin de semana todo puede cambiar. Algo que para la banda tiene mucho sentido, ya que durante sus veintes todo ha cambiado. «Ha sido como vivir en una montaña rusa'', expresa el baterista. Y viendo su trayectoria, tiene sentido. Según contó Theo Ellies, bajista del grupo, en los Mercury Prize de 2018, ellos eran los raros de la escena inglesa. Hasta les advirtieron que no iban a triunfar. De hecho, el mismo Ellies hace unos años dividió su vida entre ser actor, tocar en Wolf Alice y hacer música para películas, como las canciones que creó para la olvidable “Trainspotting 2” (2017). Había que financiar el proyecto.

En cosa de meses, con ‘Visions of a Life’ pasaron de ser un número de apertura en los festivales a estar en las primeras líneas. Incluso cerraron una de las noches del prestigioso Reading and Leeds en 2018. Ya no más bares de mala muerte, ni malas pagas por subirse al escenario. Estaban viviendo por fin el lado feliz de la industria musical, después de varias puertas cerradas. Para Ellis, el color azul tiene esa dualidad que ha tenido su carrera. «Es un color que está ligado a la tristeza, a lo melancólico, como también a lo hermoso y feliz. Todo eso es algo que está muy presente en nuestra música e historia», confiesa.

- ¿Cómo llegaron al nombre de "Blue Weekend"?
- Theo Ellies: Estábamos en Bruselas grabando el álbum y Ellie dijo: «el próximo fin de semana azul podríamos visitar el bosque». Allá, como que el cielo se pone de ese color, es un espectáculo muy particular y hermoso. Deberías verlo algún día, es algo difícil de explicar, muy imponente. Nos influenció mucho en nuestro estado de ánimo. Luego pensamos, «oh, eso suena cool». A mi me encantó. Conversamos y concluimos que tal vez era un buen título para el álbum, también por lo que significa ese color. Siento que resume muy bien lo que sentimos y expresamos en este trabajo. Creo que es una mezcla entre tristeza y esperanza. En conclusión: azul es el color y el fútbol es el juego (ríe).

- El sonido del álbum también va en esa dirección, es triste pero reconfortante. Todo parece estar muy balanceado, en especial la batería y el bajo, ninguno se roba el protagonismo.
- JA: ¡Oh sí! El bajo y la batería fue lo primero que se hizo para este álbum. No lo encontramos rápido, nos tomó tiempo.
- TE: Sí, fue algo que nos costó y llevó meses, a diferencia de la voz que estuvo lista en dos semanas. Volvíamos a las partes, no nos convencían del todo. Fue un proceso muy lento, tuvimos que pulir todas las capas. Recuerdo que algunas canciones las volvimos a retocar una vez todo grabado, en eso Markus nos ayudó mucho.
- JA: Recuerdo cuando Markus estaba balanceando el bajo y la batería de ‘The last man on the Earth’ y decía «esto es cool». Rara vez uso esa palabra para definir algo, menos en público, así que fue bastante especial. Siento que es un groove que encaja perfectamente. Está muy bien equilibrado.
- TE: Estamos orgullosos de lo que logramos.

- Hay un sonido muy noventero en estas canciones, sobre todo en el bajo. ¿Lo buscaron o es algo que al tocar solamente fluye?
- TE: No lo sé, pero sí puedo decirte que cuando estuve haciendo el bajo me di cuenta que si toco ciertas cuerdas puedo llegar a esa vibra. Markus ayudó mucho en eso, él fue un gran apoyo y guía en el proceso. Usé algunos pedales de distorsión que no se utilizan mucho y eso también influyó. Estuve muy concentrado en lograr un sonido especial.

- Ese equilibrio más las atmósferas y las letras arman un paisaje de invierno, pero uno muy íntimo. Es fácil imaginarse eso al darle una mirada completa al álbum.
- TE: Tiene momentos lluviosos, eso es seguro. Creo que es un viaje en la oscuridad, en algunos momentos hay destellos de luz, lo que permite ver más cosas durante el camino y al final hay una puesta de sol cálida, reconfortante. Siempre sale el sol. Así definiría lo que pasa en “Blue Weekend”.
- JA: También está la pandemia, eso definitivamente cambió todo y el cómo interpretamos las cosas. Nosotros ya estábamos encerrados antes porque estuvimos componiendo, pero cuando pasó esto, no sé, es algo que inevitablemente afecta.

Un futuro incierto

Los shows de streaming han sido la opción de la industria musical para seguir “cortando tickets”. De esa tendencia Wolf Alice también ha sido parte, de hecho, esta entrevista se realizó cuando la banda estaba armando su set para su presentación en Glastonbury. Pero su vuelta a tocar con público está fijada para el verano europeo. Tienen la fe en que todo saldrá bien y que las fechas se podrán realizar. En el Reino Unido ya se han hecho conciertos sin distanciamiento social y de momento son todo un éxito. Algo que da esperanzas para que en este lado del mundo vuelvan los conciertos tal cual los conocíamos.

De todos modos, en Wolf Alice son cautelosos y no adelantan nada. Van paso a paso, pero lo que sí dejan en claro son sus intenciones de visitar Sudamérica.

- ¿Saben algo de Chile o Sudamérica?
- JA: Queremos ir apenas podamos y las condiciones estén. Nos han dicho que debemos tocar allá, así que queremos vivir esa experiencia. Y si algo nos ha permitido la pandemia, es hablar con gente de esos lados, saber que nos esperan, y conocer que hay interés por lo que hacemos, así que estamos muy agradecidos de eso. Esperamos ir muy pronto, ojalá cuando esté soleado.