Cardinals: Heridas abiertas desde Irlanda

Conversamos con la banda sobre “Masquerade”, su primer álbum, en el que mezclan historia, gaitas, postpunk y desamor. Un viaje musical que resume el ADN musical de las bandas salidas de esta parte del mundo en los últimos años.

 

Bastián Fernández

Fotos: Steve Gullick

 

¿Cómo descubrir música fuera del algoritmo? Esa es una de mis preguntas constantes y también una de mis obsesiones del último año. El oficio de la música es generoso y permite acceder a lugares o conversaciones que para muchos pueden ser solo un sueño. Por razones fortuitas terminé en el camarín de Inhaler luego de su presentación en Sala Metrónomo, en el contexto de los sideshow de Lollapalooza. Aproveché la oportunidad e interrogué a Josh Jenkinson, guitarrista de la banda, sobre qué estaba sucediendo con la música irlandesa. Durante los últimos años el país se ha convertido en uno de los sitios más importantes de los sonidos alternativos con exportaciones como Fontaines D.C y Kneecap. Lo convencí de darme nombres que están alejados de la lupa del algoritmo y anotó un listado de proyectos underground de su país en las notas de mi celular. Uno de los que dejó inscrito fue el de Cardinals.

 

Les seguí el rastro para saber si era una vil estrategia de relaciones públicas o realmente un proyecto en ascenso, como comentaba Jenkinson. Durante 2025 fueron tomando notoriedad, incluso su coterráneo Grian Chatten de Fontaines D.C. destacó su potencia en vivo e iniciaron el año siendo una de las apuestas de NME y Rolling Stone como uno de los proyectos a los que hay que poner atención en 2026.

 

A casi un año de esa fortuita conversación, inicio sesión en Zoom para conversar con Cardinals. Su álbum debut “Masquerade” ha cumplido la expectativa: DIY Magazine le entregó cuatro de cinco estrellas, al igual que NME y The Irish Times. Oskar Gudinovic (guitarra) y Aaron Hurley (bajo) saludan desde el otro lado del mundo. Sobre el hype que comienza a construirse a su alrededor, ponen paños fríos de inmediato al decir que solo se están centrando en el día a día. Lo más complejo fue –cuentan– guardar las canciones por ocho meses para lograr un buen lanzamiento. Responden todo con frases cortas. Son de esos artistas a los que, por ningún motivo, hay que hacerles preguntas que lleven a respuestas cerradas para que la entrevista no se acabe entre monosílabos. 

 

Explican que ven el mundo digital como un momento extraño para hacer música. Además, entre el streaming, la debacle del formato físico, los acontecimientos bélicos y otros estímulos, dicen que cuesta encontrar una voz propia para poder destacar en el océano musical. Sumado a eso, está la inexorable comparación con otras propuestas postpunk salidas de su país. Fácil es caer en la tentación de copiar el molde creado por Fontaines D.C. La clave de su apuesta está en el acordeón y la gaita, los que se mezclan con guitarras y bajos oscuros para crear paisajes sonoros densos, fríos como la nieve, pero con hooks adictivos como una Guinness. 

 

Su debut “Masquerade” es una apuesta por el postpunk duro, que encuentra en instrumentos que son parte de la identidad de Irlanda su sello distintivo. Son canciones que no pudieron ser creadas en otra parte del mundo. La banda expone las heridas de su país en canciones como ‘The burning of cork’, la que habla sobre la brutalidad de los ataques del Imperio Británico, con una tensión que conmueve, cautiva y destruye. Si hay un punto que une la explosión musical del país que vio crecer a U2 es esa búsqueda por el orgullo nacional. Reescribir la historia desde la cultura y cuestionar lo que aparece en los libros. Un mensaje sobre cómo la memoria colectiva también se construye de manera activa desde el arte.

 

En su primer LP, además de memoria, también hay espacio para canciones con vocación masiva, como ‘St. Agnes’, que presenta estructura de folk, pero logra convertirse en una animada canción de rocanrol. ¿El punto más alto? La canción homónima, que muestra su lado más pop, simple y brillante. Sonidos depresivos e invernales que encuentran calma en medio de la lluvia. 

 

El concepto que forma el álbum es la dualidad y contradicciones de diferentes situaciones de la vida. Una forma de aceptar que todo convive en una nebulosa gris. Explican que la portada, que es una obra de Oda Sutherland –artista noruega con raíces irlandesas– fue una inspiración para componer las canciones. Detallan que dieron con la obra en una exposición de la artista en Londres, luego la contactaron para poder usar su creación como la carta de presentación de su primer álbum. «Tiene que ver mucho con la idea de dos lados de una misma moneda. Los colores contrastan, pero conviven en el mismo mundo», afirman. 

 

 

El álbum habla de la complejidad y las pruebas de la vida. ¿Por qué era importante explorar estos temas en este primer álbum?

 

Aaron Hurley: Todos venimos de fuera de Cork y nos mudamos juntos a la ciudad con 18 o 19 años. El disco recoge ese sentimiento de enamorarse de una ciudad desde fuera, descubrirla juntos, navegarla, vivir cosas buenas y malas.

 

Oskar Gudinovic: También, trata de la gente que conocimos allí: amigos, personajes, experiencias. No es solo sobre nosotros, sino sobre la experiencia en general y lo que pudimos observar.

 

¿De dónde viene la influencia de su sonido? Se escuchan cosas de los setentas y ochentas, pero también de bandas actuales.

 

AH: Todos tenemos gustos muy distintos. Uno escucha a James, otro electrónica, otro acordeón ruso grabado en prisiones soviéticas, otro música folk.

 

OG: Si buscamos un punto común, diríamos bandas como The Stooges, The Jesus and Mary Chain y Led Zeppelin.

 

AH: Si hacemos un “diagrama de gustos” estaría Led Zeppelin en el centro.

 

¿Cómo ha influido el folk, no solo musicalmente, sino en la forma de escribir?

 

AH: Los mejores músicos folk son grandes narradores de historias. Eso es lo importante: contar historias. Nos gustan los buenos autores y poetas, y eso sale de forma natural. Eso es lo que perseguimos. Lo que hace gente como Neil Young o Nick Drake. Muchas canciones nacen con guitarra acústica y suenan muy folk. Luego entran las demás influencias.

 

Si tuvieran que elegir una canción que resuma el espíritu del álbum, ¿cuál sería?  

 

AH: ‘Over at last’, por la dualidad que tiene. Es muy rojo y azul. 

 

OG: Yo diría ´I like you’, porque nos representa mucho como personas. Fue la primera canción que nos hizo pensar, «así queremos sonar». Tal vez no tendrá los mejores números, pero es la que más engloba lo que somos. ‘Over at last’ también, ya que es un momento clave del disco, conecta todo en el centro del álbum. Empieza caótica y termina dulce y emocional. Es un terreno nuevo para nosotros, casi como una canción de progresivo. El álbum no sería lo mismo sin ella.  

 

¿Este disco ha cambiado la forma en que se ven a ustedes mismos como banda?

 

AH: Creo que hemos madurado mucho, tanto creativamente como personas. Somos más seguros de nosotros mismos y más confiados en muchos sentidos. Estamos bastante orgullosos de este álbum y contentos de que salga.

 

OG: Con el EP éramos aún adolescentes y probamos cosas. Había mucha colaboración. Con el álbum, cada uno tuvo que trabajar mucho de forma individual y también como grupo, tomando decisiones como banda y, a veces, aceptando decisiones que no te gustaban. Pero ahora, somos más maduros y colaboramos mucho mejor.

 

Irlanda se ha convertido en un foco del nuevo rock. ¿Cómo ven este movimiento?

 

AH: Es emocionante. Hay más atención internacional, más sellos y managers viniendo. Pero también se siente un poco como buitres, gente que quiere aprovecharse más que disfrutar del arte.

 

OG: Estamos orgullosos de los artistas irlandeses y felices de poder dedicarnos a la música. Antes muchas bandas triunfaban solo dentro de Irlanda. Ahora están llegando al mundo, y eso es genial.