Asia Menor: La arquitectura de la bruma

Publicado originalmente en revista Rockaxis #280, octubre de 2026.

 

El grupo de Temuco publicó “Vaho”, su esperado segundo álbum. Sobre el mar, la nostalgia, el proceso de composición y su visión del concepto de Nueva Escena, conversamos con Jorge Scheuermann.

 

Bastián Fernández

 

Es 2 de octubre, y lejos de ser un soleado día primaveral las nubes se tomaron Santiago. La bruma avanzó y se convirtió en una poderosa lluvia. El sonido de fondo perfecto para esta conversación. Del otro lado de la pantalla está Jorge Scheuermann, voz y guitarra de Asia Menor. Las gotas que ya generan pozas hacen que la distancia entre Temuco y el Barrio República se sienta más corta. Al igual que en sus canciones, Jorge es de voz suave, se toma su tiempo para hablar y toca su pelo cada vez que necesita unos segundos para dar con la respuesta correcta ante una pregunta. La excusa para conversar es “Vaho” (2026), el esperado sucesor de “Enola Gay” (2023), uno de los álbumes clave del circuito alternativo chileno y latinoamericano de la primera mitad de esta década.

 

Cuenta que el proceso se gestionó entre la gira de su exitoso primer LP, momentos muertos de pruebas de sonido y esos respiros que les daba la vida para tomar los instrumentos. Ningún miembro de la banda vive, de momento, exclusivamente de la música, por lo que deben combinar sus horarios laborales con esta doble vida. Lejos de ser una carga difícil de llevar, lo asumen como una bendición: la posibilidad de hacer lo que aman y llegar a personas de todas partes del mundo. Su objetivo, aclara Scheuermann, nunca fue alcanzar la fama mundial, sino desahogarse y darle rienda suelta a su imaginación. La gran inspiración para esta aventura está en el mar, pero el que produce la fría corriente de Humboldt, lejos de esa visión de paraíso tropical asociada al continente que en Chile casi no existe.

 

«Es muy distinta la experiencia de ir a la playa en el lugar donde vivimos. Es un sitio frío, a ratos inhóspito. Tiene algo que te golpea y luego retrocede. En este álbum no hay rabia, pero sí desamparo; queríamos que sonara como el mar recogiéndose», explica.

 

El proceso de grabación tuvo su centro de operaciones en el GAM, gracias a una convocatoria del icónico espacio cultural. Llegaron con maquetas, aunque con nada terminado, solo con la idea del tipo de canciones que querían construir. El camino los llevó a resolver las melodías con la presión encima, recurriendo a la improvisación para dar forma a su segundo LP. «No somos grandes improvisadores. Teníamos moldes para desarrollar motivos y por eso los temas tienen duraciones atípicas para el estándar. No hay una intención explícita de hacer post rock ni nada similar, sino que, al trabajar mediante improvisaciones, se vuelve difícil cortar los segmentos», confiesa.

 

Sobre las etiquetas, prefiere distanciarse del concepto de la Nueva Escena. No cree que estén inventando nada ni revolucionando la música: lo suyo es simplemente rock contemporáneo. Aunque si alguien dice que Asia Menor es art rock, art punk o post rock, tampoco le genera problema. Es solo una forma de nombrar las cosas para que el público pueda entenderlas mejor. Mientras ellos se sientan tranquilos con el resultado de su arte, lo que diga el resto pasa a segundo plano. Lo realmente relevante es que existe una comunidad que resuena con lo que dicen y hacen.

 

A un mes de la publicación, señala que no tiene idea de lo que pasará con “Vaho”. Su única certeza, de momento, es que ha visto un montón de reseñas en medios especializados, tanto de grandes conglomerados como independientes, y que durante las últimas semanas su agenda se ha mantenido intensa por la cantidad de entrevistas solicitadas. Explica que le parece sorpresivo que la gente busque todos los detalles de mezcla del álbum: «hay un interés que no pasó tanto con “Enola Gay”. Lo han tratado como un disco de autor. No sé si esa era la intención inicial, pero es muy lindo que pase eso. Me tiene orgulloso del proceso».

 

Las letras de Asia Menor juegan mucho con lo implícito, ¿qué referentes tienes o qué te inspira a la hora de escribir? 

 

Para este disco leí cuentos, poesía, pero tampoco me considero un gran lector. Escribo más de lo que me resuena. Pueden ser películas, como también conversaciones con mi pareja. Siempre que me preguntan menciono a Jorge Teillier, pero me siento mentiroso porque no sé qué tan inspirado en él está este álbum. Sí tenemos en común hablar del mar, los árboles y un tipo de nostalgia.  

 

 

Sobre este concepto de nostalgia, ¿qué representa para ti? En el mundo de la cultura hoy parece ser todo nostálgico de una forma u otra al leer reseñas.

 

Me considero una persona nostálgica. Pero no me convence ahora, ni cuando era más chico, como un motor creativo. No me gusta revisitar el pasado, resignificar cosas. Me gustan las películas que hablan del futuro o de una posibilidad alternativa. Y en la música también hablo desde la alternativa. Si soy músico es porque también busco eso: otras alternativas. Siento que no hay espacio para la nostalgia, al menos en lo que escribo. 

 

Asia Menor tiene un sonido que hace eco del presente, con lo caótico y distópico que se volvió todo, ¿lo ves de esa forma? 

 

Sí, el presente es distópico, pero no de forma imaginaria. Vivimos en un presente lo suficientemente bizarro que no nos hace hablar del pasado. También me pasa que somos jóvenes, entonces de qué vamos a tener nostalgia. No me gusta la idea de fantasear con un momento donde el mundo fue mejor porque no sabemos cómo realmente fue, no lo vivimos. Eso me lleva no solo a hablar del presente, sino también de futuros alternativos. 

 

Dentro del espíritu contemporáneo, ¿con qué bandas te sientes más identificado o te hacen sentido?

 

Con Niños del Cerro y particularmente con Columpio al Suelo. Sé que es innegable encasillar a Asia Menor dentro del fenómeno de Candelabro y Hesse Kassel, pero somos bandas bien diferentes. En este disco hay mucho de lo que hace Columpios. Hay exploraciones por hacer canciones largas o motivos que no van en la senda del post rock, sino que van por un lado más abstracto.

 

El camino colectivo 

 

En el apostolado de hacer arte en Chile –y en especial desde regiones– hay una cruzada en la que Jorge, junto a otros artistas, ha ido avanzando: el Colectivo Doble Cara. Un espacio para hacer cultura desde la Región de la Araucanía, mejorar las siempre precarias condiciones laborales y servir de puente para llevar a lugares impensados a los proyectos locales. Grupos como Cámara Chilena de la Destrucción forman parte de esta comunidad y, gracias a la unión de fuerzas, no solo logran agotar fechas en Santiago, sino también colarse en espacios de industria como el Festival Fluvial en Valdivia.

 

«La profesionalización de la escena me parece bien, pero a veces se va hacia lados que no son tan cómodos. Por eso hemos preferido hacer oficio; nos hemos equivocado, pero en el último tiempo supimos cómo ordenar todo. Hay cosas que a mí no me interesan, como los teloneros o participar en estructuras demasiado grandes. Eso está perfecto, pero no es lo que me hace sentido ahora. Le hago barra a los proyectos grandes y chicos porque cuando a ellos les va bien, a nosotros también. Solo siento que no podemos poner todas nuestras fichas únicamente en un festival», aclara sobre su visión del trabajo musical.

 

¿Cómo ves lo que está sucediendo musicalmente en Temuco?

 

Acá no tenemos grandes lugares que permitan tocar para grandes aforos. Destaco que existe una solidaridad y compañerismo entre las personas. Hay ganas de hacer cosas, de aprender. Muchos cabros están haciendo management y la misma plata que ganan después la invierten para mejores equipos. Eso ha dado notoriedad. Es un trabajo constante por hacer las cosas bien. No creo que Temuco sea menos precario que el resto del país, pero debe ser de las mejores ciudades donde funcionan las cosas para armar tocatas.