Keith Jarrett

2006. ECM

 

Keith Jarrett es el pianista de jazz contemporáneo por antonomasia. Así lo ha demostrado con su técnica y su feeling en ese precioso instrumento. Quizás sea eso, y mucho más y Jarrett se merece el juicio, de eso no cabe duda. El jovenzuelo que partió bajo el ala de Miles Davis ha evolucionado al nivel de verdaderos monstruos como Herbie Hancock y Chick Corea, por nombrar a algunos contemporáneos a él.

 

Y también, bajo este prisma, está su constante labor creativa, su fuente inagotable de melodías, ya sean tradicionales o vanguardistas. Las ganas inclementes de estar ahí­, siempre alzando la mano con su prodigioso acento en el piano. De hecho, desde el cálsico "La Scala” que el maestro no ha parado de publicar registros, mostrando su sapiencia y categoría que confirma la tesis inicial.

 

Desde el año pasado que Jarrett viene mostrándose en solitario. “Radiance", su placa doble anterior, fue improvisación pura. Casi como en los tiempos del ya mítico "Koln Concert", pero con un mayor grado de madurez y riesgo. "Quiero que mi mano izquierda – comentaba Jarrett a propósito de ese álbum- me cuente historias”. Y ciertamente que lo hizo. 

 

El cedé doble “The Carnegie Hall Concert”, es otra placa en vivo registrada en la presentación del músico en el Isaac Stern Auditorium, en septiembre de 2005. Con una audiencia dividida entre expertos, críticos y público en general, el ahora viejo Keith, nuevamente sorprende con improvisaciones casi en su totalidad, más una pieza estandard. Y el oficio del artista se nota en esta producción, que dadas sus caracterí­sticas, resulta un documento imperecedero no sólo para el jazz moderno, sino también para la música en general.

 

El primer disco de esta entrega se titula "New York" y está dividido en cinco partes. Un homenaje crudo y directo a la ciudad que vio caer un sí­mbolo como las Torres Gemelas, y que en Jarrett y su música, adquiere un significado lóbrego, oscuro, denso pero al mismo tiempo melancólico. Una mención al significado potente que tiene esta ciudad en el convulsionado mundo de hoy; un documento político que el mundo del jazz se habí­a saltado y que el virtuoso pianista se toma por vez primera. No es un panfleto barato, es un homenaje.

 

ECM y el músico se dieron cuenta de esto. No habría otra razón, entonces, de poner en el booklet una foto de los rascacielos newyorkinos, amparados por un cielo en pleno ocaso. Un sí­mbolo poderoso, inflexible, que a través de las cinco partes, tituladas de ‘Part I’ hasta ‘Part V’, responde a muchas sensaciones: ansiedad, frustración, miedo, paranoia, tristeza, desazón, desquiciamiento y también una cierta esperanza. El piano de Jarrett se muestra como un verdadero reflejo de estas emociones, traduciendo a los veloces dedos del músico, quien a su vez, es un receptáculo de dichos sentimientos. No hay ningún track para destacar, pues todos siguen un delicado proceso de continuidad. Todas las improvisaciones, en el mismo escenario, sin ni una preconcepción, son parte fundamental de este “New York”.

 

El segundo disco es aún más ecléctico. La historia de la ciudad de los grandes rascacielos se desvanece, pero su estampa aún se mantiene con los temas‘Part VI’, ‘Part VII’,‘Part VIII’, ‘Part IX’ y ‘Part X’. Estos son, a su vez, una especie de conclusión de la historia, aunque no un drástico término. En efecto, el comienzo con ‘Part VI’ es igual de aterrador y esquizoide que los temas del primer disco. Los veloces dedos de Jarrett corren por las teclas, las percuten con fuerza y desesperación. El pianista se contagia con sus propias improvisaciones y vocaliza unos sonidos guturales.

 

Con diez partes en que Jarrett cubre, prácticamente, todas las posibilidades del lenguaje del jazz, ya sea clásico, con tintes blues, o de avanzada. Y lo mejor falta, pues con ‘The Good America’, track que rebosa en sentimiento y belleza, inicia la última parte de este segundo registro, con una emotividad expuesta al desnudo frente a la audiencia. ‘Paint My Heart Red’ es otra balada en clave standard de belleza indescriptible. El sentido lí­rico del piano de Jarrett, la construcción de las voces son notables. Y destaquemos que esto es sólo Keith. No hay nadie más que él y su piano. De la misma manera aborda al clásico ‘My Song’, tema del álbum del mismo nombre de 1977. Lo curioso es que este corte está arreglado para formato cuarteto, pero Jarrett relee su propia composición y la transforma en una hermosa suite para piano.

 

Finalizando, Jarrett deleita con la notable ‘True Blues’. Como su nombre lo apunta, esto es blues del delta de pura cepa. Lúdico, divertido, expresivo son algunos adjetivos para calificar a este tema. Incluso, esas vocalizaciones medias nasales que Jarrett se despacha se llevan muy bien con el track (a pesar de que a algunos les gustarí­a que se quedase callado), le dan más sabor y la atmósfera de el en vivo. Por último, ‘Time On My Hands’ cierra el elepé. Un standard escrito por Harold Adamson en la década del cuarenta, y utilizado por numerosos músicos, entre ellos Dizzie Gillespie y Sonny Rollins, es elegido por Jarrett para cerrar este fenomenal concierto. La audiencia aplaude a rabiar. Se percibe una madurez, a nivel interpretativo y de composición, que muchos quisieran tener. Keith Jarrett se muestra fresco, con su mente llena de ideas y en plena forma como intérprete.

 

Felipe Kraljevich M.