Disco eterno: Las obras que definieron 1995 - Parte II

Continuamos con este recuento de obras que marcaron pauta durante 1995. Revisa aquí la primera parte.

PJ Harvey – "To Bring You My Love"

Tercer álbum de la inglesa Polly Jean Harvey, lanzado un 28 de febrero de 1995. Con este trabajo, la cantautora británica consolidó su estatus como una de las figuras más originales y poderosas de la música de los 90, dando un giro estilístico respecto a la crudeza blues punk que caracterizó a sus anteriores trabajos.

Aquí, Harvey se adentra en un sonido más atmosférico, oscuro y teatral, con arreglos que mezclan el delta blues con el noise rock y tintes de dramatismo gótico. En canciones como la histriónica ‘Down by the Water’, el oscuro y obsesivo blues de ‘To Bring You My Love’ y la cruda ‘Long Snake Moan, PJ Harvey nos hace atravesar por un lirismo sombrío interpretado por una voz camaleónica que susurra, grita y se lamenta en un terreno sonoro inundado de oscuridad y misticismo, pareciendo, a ratos, ser más un ritual pagano que un álbum de estudio.

 

Garbage – "Garbage"

Entre los rezagos del grunge y la cúspide del britpop, el debut de Garbage resulta un trabajo fresco y provocador. Lanzado el 15 de agosto de 1995, fusiona elementos del grunge tardío con un pop oscuro, electrónico y subterráneo, aunque en todo momento, es un disco accesible y fácil de digerir.

Musicalmente, se mueve entre guitarras distorsionadas y cajas de ritmo frías, junto con un extenso uso de samplers y loops. Entre atmósferas industriales y melodías pop que remiten a The Jesus and Mary Chain, canciones como ‘Vow’, la sensual ‘Queer’ y la masiva ‘Only Happy When It Rains’, hacen del debut de Garbage un trabajo clave en la transición entre el grunge y el pop de fines de los 90, además de ser un punto de referencia en cuanto al protagonismo femenino dentro del rock, con Shirley Manson como una figura icónica.

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Foo Fighters - "Foo Fighters"

Lanzado el 4 de julio de 1995, el primer trabajo de Foo Fighters fue verdadero un punto de inflexión en la carrera de Dave Grohl, quien se desempeñó como baterista de Nirvana hasta la muerte de Kurt Cobain en 1994.

Con un espíritu crudo y directo, guitarras grunge y melodías que se mueven entre la agresividad del punk y la sensibilidad power pop, el homónimo de los de Seattle es inmediato, minimalista y con un instinto melódico que los caracteriza.

En este debut, canciones como la frenética ‘This is a Call’, la rencorosa ‘I’ll Stick Around’ y la beatlesca ‘Big Me’, se enfrentan al caos de ‘Weenie Beenie’, ‘Wattershed’ y ‘Good Grief’. Pero a pesar de los riffs furiosos y la voz rasposa de Grohl, en el disco se esconden melodías dulces que hacen de Foo Fighters, la amalgama perfecta entre actitud punk, sensibilidad pop y canciones accesibles, pero no complacientes.

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Silverchair - "Frogstomp"

Silverchair nació como un fenómeno inesperado. Inspirados por Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden, los adolescentes quinceañeros de Newcastle lograron un contrato discográfico tras ganar un concurso de talentos. Con “Frogstomp”, su primer trabajo profesional, se encontraron de golpe convertidos en la ‘gran esperanza adolescente’ del rock alternativo, etiqueta que les pesaría durante años pero que no impidió su consolidación.

Publicado el 27 de marzo de 1995, el álbum es un trabajo profundamente marcado por la herencia grunge, con riffs pesados, afinaciones graves y una producción cruda que recuerda al espíritu de Bleach de Nirvana o al Badmotorfinger de Soundgarden. Con canciones como el hit ‘Tomorrow’, ‘Israel’s Son’, ‘Pure Massacre’ y ‘Suicidal Dream’, Frogstomp es un testimonio del impacto global del grunge y de cómo su onda expansiva llegó, incluso, hasta adolescentes del otro lado del mundo.

Aunque en su momento muchos lo vieron como una copia juvenil de Nirvana o Pearl Jam, el debut de los australianos sigue siendo recordado por su frescura y la energía cruda que transmitía.

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Elastica - "Elastica"

Cuando apareció Elastica, el debut homónimo de la banda londinense, el britpop estaba en la cima de las listas de éxitos. Sin embargo, el grupo liderado por Justine Frischmann (ex Suede) no se sumó al circo mediático en el que estaban bandas como Oasis y Blur, en cambio, planteó una propuesta distinta: un disco de 38 minutos, conciso y al hueso, que reivindicaba la urgencia del punk y la frialdad del post-punk, pero sin perder lo pegadizo y bailable del pop.

Lanzado el 13 de marzo de 1995, su fuerza radica en canciones como ‘Waking Up’, ‘Stutter’, ‘Line Up’ y ‘Connection’, que, con riffs repetitivos, bases rítmicas secas y la voz de Frischmann cargada de ironía, apatía y provocación, hacen del álbum, un trabajo directo y sin tanta vuelta. En lugar de tener grandes estribillos pomposos, Elastica apuesta por la inmediatez y espontaneidad, evocando a álbumes como “Pink Flag” de Wire o “The Idiot” de Iggy Pop.

Desinhibido y de frente, el álbum no ofrece un manifiesto político ni un relato generacional, pero sí encarna el desencanto urbano de mediados de los 90, traducido en canciones breves y memorables, que terminan funcionando como la radiografía honesta de su tiempo.

 

Oasis - "(What’s the Story) Morning Glory?"

“(What’s the Story) Morning Glory?” es sinónimo de britpop en su punto más álgido. El segundo álbum de los mancunianos, lanzado el 2 de octubre de 1995, es clave para entender la llamada batalla del britpop: La intensa rivalidad comercial entre Oasis y Blur en el marco de los lanzamientos de sus álbumes en 1995. Con este lanzamiento, la banda de los hermanos Gallagher se consolidó como un ícono mundial, posicionándose en el primer puesto de las listas musicales de varios países.

En este trabajo, Oasis muestra una evolución más melódica y acercada a la canción pop tradicional, con claras influencias de The Beatles y The Rolling Stones, y a diferencia de “Definitely Maybe” (1994), con letras que apuntan más a la emoción que a la arrogancia. Además, en “Morning Glory” se encuentran los himnos más populares y coreados de la banda, como la atesorada ‘Wonderwall’, el sencillo principal ‘Roll with It’, las emotivas ‘Don’t Look Back in Anger’ y ‘Champagne Supernova’, la rocanrolera ‘Some Might Say’ y la enérgica ‘Morning Glory’.

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Blur – "The Great Escape"

“The Great Escape” es la otra cara de la moneda de la batalla del britpop. Lanzado el 11 de septiembre de 1995, el álbum mantiene la ironía y el retrato costumbrista de la sociedad británica que Damon Albarn y compañía ya habían desarrollado en “Parklife” un año antes, pero con un tono más burlesco, sardónico y desencantado.

Mucho más sofisticado que el álbum de sus contrincantes, es un trabajo pop con arreglos luminosos, secciones de vientos, sintetizadores y guitarras angulares por parte de Graham Coxon. Líricamente, el cuarto álbum de Blur retrata una visión cínica sobre la rutina, la alienación y el absurdo de la vida moderna en la Inglaterra de los 90.

Si para la batalla, el arma de Oasis era el single ‘Roll with It, Blur atacó con ‘Country House’, una sátira brillante y pegajosa sobre una vida rural idílica, pero llena de aburrimiento y excesos. Dentro de “The Great Escape” se encuentra, también, la contagiosa ‘Charmless Man’, la balada futurista de ‘The Universal’ y la melancólica ‘Yuki and Hiro’, encargada de dar cierre a un disco que pinta un retrato audaz de la cultura inglesa y sus contradicciones, situando a Blur como uno de los protagonistas de la era britpop.

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Pulp – "Different Class"

Lanzado el 30 de octubre de 1995, “Different Class” es considerado uno de los álbumes más significativos e icónicos de la era britpop, con un sonido mucho más sofisticado y sobrio que el de muchas de sus bandas contemporáneas. Tras años de esfuerzo y discos que pasaron relativamente inadvertidos, Pulp logró consolidar la identidad que venían puliendo desde “His ‘n’ Hers” (1994).

El álbum combina pop inmediato, melodías elegantes y una clara herencia del glam rock de los 70, entrelazados con letras desinhibidas sobre sexualidad, desigualdad social y alienación, interpretadas por un Jarvis Cocker teatral, narrativo y profundamente expresivo.

De allí surgen clásicos como ‘Common People’, ‘Disco 2000’, ‘Mis-Shapes’ y ‘Something Changed’, que no solamente definieron el sonido y la personalidad de Pulp, sino que también convirtieron al disco en un retrato irónico y lúcido de la Inglaterra de los 90, capaz de trascender su tiempo y mantenerse vigente como una de las obras más influyentes del britpop.

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Supergrass – "I Should Coco"

En medio de la explosión del britpop, Supergrass lanza “I Should Coco”, un debut desenfrenado que contrasta fuertemente con el tono más melancólico de bandas como The Verve, James o Pulp. En cambio, presenta un espíritu efervescente y despreocupado, junto con la velocidad del punk e influencia de bandas como Buzzcocks, The Kinks o The Jam.

Lanzado el 15 de marzo de 1995 y con canciones como ‘Alright’ (quizás la más rememorada dentro del repertorio de la banda), y las frenéticas ‘I’d Like to Now’, ‘She’s So Loose’ y ‘Caught by the Fuzz, Supergrass se mueve entre el power pop y el garage rock con riffs directos y letras agudas que retratan la vida cotidiana y el aburrimiento suburbano.

Como consecuencia, “I Should Coco”, llegó al primer puesto de las listas británicas y, aunque con una identidad propia que trascendía la etiqueta, consolidó a Supergrass como una banda clave dentro del britpop, debido a su capacidad para capturar la euforia de toda una generación.

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Ramones - "¡Adiós Amigos!"

“¡Adiós Amigos!” es el decimocuarto y último álbum de estudio de Ramones, lanzado el 18 de julio de 1995. Con este disco, los neoyorquinos pusieron punto final a una extensa carrera de álbumes memorables e himnos punk que dejaron una influencia indeleble en la música subterránea, llegando a trascender generaciones.

Musicalmente, no rompe con la fórmula clásica del grupo, pero sí muestra a unos Ramones maduros, conscientes del adiós que estaban dando a su público. Si bien el sonido sigue siendo crudo y acelerado como siempre, cuenta con una producción más limpia que refuerza la faceta melódica del grupo.

Dentro de las canciones más recordadas, están ‘I Don’t Want to Grow Up’, un cover de Tom Waits que se convirtió en sencillo, ‘She Talk to Rainbows’, una composición íntima y delicada de Joey Ramone que muestra el lado más sensible del grupo, y ‘The Crusher’, escrita por el ex bajista Dee Dee Ramone. En ¡Adiós Amigos!, se refleja tanto la esencia característica del grupo, como la diversidad emocional con la que decidieron separarse.

 

Green Day – "Insomniac"

El cuarto álbum de Green Day, lanzado el 10 de octubre de 1995, se entiende a menudo como una respuesta más cruda y furiosa al éxito que habían alcanzado con “Dookie” (1994). Si aquel disco los catapultó al estrellato con un punk rock mucho más accesible, melódico y de espíritu juvenil, “Insomniac” es su reverso: más oscuro, pesado, pesimista y con un sonido deliberadamente abrasivo.

Musicalmente, el álbum es rápido, agresivo y con una distorsión más áspera, en comparación con los tonos de Dookie. En este trabajo, Billie Joe Armstrong endureció sus letras, abordando temas de ansiedad, adicciones y frustración. Canciones como ‘Armatage Shanks’, ‘Brat’ y ‘86’, junto con las recordadas ‘Brain Stew/Jaded’ y ‘Geek Stink Breath’, reflejan ese espíritu inquieto y corrosivo, dando forma a un disco que, lejos de repetir la fórmula del éxito previo, se sumerge en un sonido que reafirmó la identidad punk de Green Day.

 

Blink 182 – "Cheshire Cat"

“Cheshire Cat” resulta un disco clave dentro de la primera ola de pop punk californiano, retratando a la banda en su etapa más juvenil y desenfrenada, antes de alcanzar el estrellato global con trabajos posteriores como “Enema of the State” (1999).

Lanzado el 17 de febrero de 1995, el debut de Blink-182 bebe de la influencia de bandas como NOFX, Descendents y Bad Religion. Con canciones como ‘Carousel’, ‘M+M’s’, ‘Touchdown Boy’ y ‘Wasting Time’, el disco se caracteriza por un punk melódico acelerado con guitarras directas y simples, baterías rápidas y voces alternadas entre Hoppus y Delonge.

Su sonido directo representa a la perfección la etapa más inocente de la banda: sin pretensiones y con ganas de divertirse, algo que marcó la diferencia frente al tono más serio de otros grupos de su género.

 

Rancid - "...And Out Come the Wolves"

En medio de un contexto en que el punk volvía a estar en la mira de la industria gracias a Green Day y The Offspring, Rancid lanzó un disco que supo equilibrar crudeza, energía callejera y accesibilidad melódica. Estrenado el 22 de agosto de 1995, “...And Out Come The Wolves” recorre la inmediatez hardcore, hasta el ska punk heredado de Operation Ivy y el rock & roll primitivo.

Desde el vértigo de ‘Maxwell Murder’, hasta los himnos instantáneos de ‘Roots Radicals’, ‘Time Bomb’ y ‘Ruby Soho’, la banda exhibe una versatilidad poco común dentro del género. Lo notable es cómo, sin perder agresividad, crean canciones con estribillos memorables que podían sonar tanto en la radio como en un club sudoroso. Más allá de la nostalgia, el tercer álbum de Rancid continúa recordando que el punk puede ser abrasivo, y a la vez, profundamente popular.

 

Fun People – "Anesthesia"

“Anesthesia” (1995), el debut de los bonaerenses Fun People, desafía la noción convencional y los límites del hardcore punk: En vez de limitarse a la agresión y velocidad del género, el álbum es un ejercicio de experimentación melódica, con una identidad única que combina furia y ternura en partes iguales, factores que se terminarán por consolidar en los posteriores “Kum Kum” (1996) y “Todo Niño Sensible Sabrá De Qué Estamos Hablando” (1997).

En canciones como ‘Ánimo’, ‘Runaway’, ‘Anabelle’ o ‘Sin Color’, Nekro, Chuli, Gato y Lucas muestran esa versatilidad capaz de pasar de la crudeza visceral al desgarro melódico sin perder coherencia ni intensidad. En conjunto, Anesthesia no solo retrata la urgencia juvenil de una escena subterránea en crecimiento, sino que también instala a Fun People como una banda dispuesta a expandir los márgenes del hardcore latinoamericano, convirtiendo su ópera prima en una declaración de autenticidad y rebeldía creativa.

 

Suarez – "Horrible"

El álbum “Horrible” de Suarez, publicado el 23 de mayo de 1995, es uno de los discos más representativos y radicales del indie argentino de los 90. Dentro de la breve pero intensa discografía del grupo liderado por Rosario Bléfari, este segundo trabajo marca un quiebre respecto a su debut, “Hora De No Ver” (1994): Si en aquel disco el sonido era más lo-fi, etéreo y cercano al indie pop, “Horrible” se sumerge en una estética más oscura, ruidosa y desconcertante, pero a la vez, significativamente expresiva.

Canciones como ‘Algo Difícil’, ‘Falso Ladrido’, ‘Guantes de Piel’ y ‘Prueba de Valor’ condensan esa tensión entre belleza y fealdad, entre ternura y ruido, que define al disco. Entre juegos con la disonancia, silencios abruptos y una producción áspera, la voz de Bléfari aparece como un hilo conductor que oscila entre la dulzura melancólica y la extrañeza inquietante, haciendo de Horrible, un punto clave en la historia del rock alternativo argentino.

 

Soda Stereo - "Sueño Stereo"

Publicado el 21 de junio de 1995, “Sueño Stereo” es el séptimo y último álbum de estudio de Soda Stereo, considerado como uno de los trabajos más ambiciosos y sofisticados del trío argentino. Grabado en Buenos Aires y Mezclado en Londres, el disco consolidó el cierre de una etapa con un sonido maduro y cargado de experimentación, marcando la despedida discográfica de una de las bandas más influyentes del rock en español.

Con guitarras envolventes, programaciones electrónicas, samples y la voz intimista y melódica de Cerati, “Sueño Stereo” se mueve entre el rock alternativo con tintes de trip hop, ambient y dream pop. En canciones como ‘Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revolver’, ‘Zoom’, ‘Pasos’ y ‘Ángel Eléctrico’, se refuerza la idea de un álbum introspectivo, moderno y onírico, con un pie en la psicodelia y otro en el rock de los noventa.

 

Los Fabulosos Cadillacs – "Rey Azúcar"

Lanzado en junio de 1995, “Rey Azúcar” es uno de los álbumes más destacados de Los Fabulosos Cadillacs, con una fusión única de punk rock, ska, reggae y ritmos latinoamericanos con letras que mezclan humor, crítica social y surrealismo. El disco muestra a la banda en un momento de plena madurez artística, estableciendo su propio sonido y su proyección internacional. Fue producido por Chris Frantz y Tina Weymouth, miembros de Talking Heads y Tom Tom Club, quienes aportaron experiencia y sensibilidad al sonido del álbum.

En “Rey Azúcar”, los argentinos incorporan arreglos sofisticados de metales y percusión, contando, además, con contribuciones especiales de figuras clave como Mick Jones (The Clash, Big Audio Dynamite) y Debbie Harry (Blondie), aportando matices que enriquecen la paleta sonora de la banda. Canciones como ‘Mal Bicho’, ‘Carmela’, ‘Saco Azul’ y el cover ’Strawberry Fields Forever’ muestran la diversidad y creatividad del álbum, así como a unos Cadillacs equilibrando innovación y accesibilidad, dejando una marca indeleble en el rock sudamericano.

 

Illya Kuryaki and the Valderramas – "Chaco"

El tercer álbum del dúo argentino formado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, lanzado el 21 de mayo de 1995, consolidó su estilo único, una fusión potente de funk, hip hop y ritmos latinos que los posicionó como una de las propuestas más originales y vanguardistas de la música argentina de los 90.

“Chaco” combina bases funk potentes, pasajes psicodélicos y rimas rap con influencias de soul, reggae y ritmos locales, equilibrando la energía bailable con momentos más introspectivos, demostrando la versatilidad del dúo. Con canciones icónicas como ‘Abarajame’, ‘Remisero’, ‘Chaco’ y ‘Hermoza from Heaven’, el disco refleja una fuerte personalidad artística, con letras que mezclan humor, crítica social y sensualidad, estableciendo a Illya Kuryaki and the Valderramas como innovadores dentro de la escena argentina, abriendo camino a nuevas fusiones dentro de la música latinoamericana.

 

Aterciopelados – "El Dorado"

“El Dorado” de Aterciopelados, publicado el 24 de octubre de 1995, es uno de los discos más influyentes del rock latinoamericano de los noventa, y la obra que consolidó al dúo colombiano –Andrea Echeverri y Héctor Buitrago- como una de las propuestas más originales y relevantes de la región.

Musicalmente, el segundo álbum de los bogotanos combina el estilo alternativo propio de la época con ritmos autóctonos colombianos y latinoamericanos, logrando un sonido híbrido y distintivo. Entre guitarras con tintes de rock alternativo, bases rítmicas cercanas al reggae y el punk, y una sensibilidad pop que le dio proyección internacional, “El Dorado” supo integrar lo local con lo global.

Las letras, a cargo principalmente de Echeverri, exploran temas de amor, crítica social y misticismo, con un tono fresco, irónico y contestatario. Canciones como ‘Bolero Falaz’, ‘El Dorado’, ‘Candela’ y ‘Florecita Rockera’ se convirtieron en himnos, abriendo puertas para la internacionalización del rock en español y haciendo de El Dorado, un disco fundamental de la música latinoamericana de los noventa.

 

Héroes del Silencio – "Avalancha"

A mediados de los noventa, Héroes del Silencio ya era uno de los grupos más exitosos del rock en español, con una proyección internacional inusual para una banda ibérica. Sin embargo, también atravesaban tensiones internas y una presión mediática y artística enorme. Con “Avalancha”, decidieron plasmar un disco más crudo y rockero, que recogiera la energía de sus giras y mostrara una faceta menos enigmática y más visceral.

Lanzado el 18 de septiembre de 1995, el cuarto y último álbum de los zaragozanos fue un éxito inmediato, tanto en España como en el resto de Europa y Latinoamérica. Canciones como ‘Iberia Sumergida’, ‘En los Brazos de la Fiebre’, ‘Deshacer el Mundo’ y ‘La Chispa Adecuada (Bendecida 3)’ son parte de un trabajo directo, contundente y sin concesiones, que mostró al grupo en su faceta más dura y, al mismo tiempo, desgastada. Hoy, Avalancha se escucha como un documento de época y como la confirmación de que Héroes del Silencio no dejó de reinventarse hasta su última embestida.

 

Los Tres – "La Espada & la Pared"

“La Espada & y la Pared” es el tercer álbum de Los Tres, lanzado el 17 de marzo de 1995. Considerado como uno de los discos más importantes del rock chileno de los 90, contó con la producción de Mario Breuer, reconocido por su trabajo junto a Sumo, Luis Alberto Spinetta y Charly García.

Su fusión de rock, blues, cueca y balada les significó una creciente valoración de su trabajo, llegando a convertirse en la banda más importante de los noventa en Chile. Con canciones emblemáticas como ‘Déjate Caer’, ‘La Espada & la Pared’, ‘Tírate’ y ‘Hojas de Té’, su capacidad para integrar tradición y modernidad lo ha vuelto un clásico que sigue influyendo a nivel nacional e internacional.

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Lucybell – "Peces"

Lanzado el 29 de agosto de 1995, “Peces” es un debut fresco y un disco esencial para entender el desarrollo de la música alternativa del país. Con la influencia de bandas británicas como The Cure, Ride, Cocteau Twins o My Bloody Valentine, el álbum resulta una mezcla de rock alternativo con tintes sofisticados de darkwave y shoegaze, pero con una identidad propia que logró conectar con el público local.

Producida por Mario Breuer, la placa transita desde la expansiva y alabada ‘Cuando Respiro en tu Boca’, pasando por la sutil e hipnótica ‘Vete’, la bailable ‘De Sudor y Ternura’, hasta llegar a la sombría ‘Grito Otoñal’, “Peces” es un trabajo lleno de pasajes etéreos creados por guitarras líquidas y sintetizadores atmosféricos que flotan alrededor de la voz profunda de Claudio Valenzuela, estableciendo a Lucybell como una de las propuestas más innovadoras y trascendentes del rock chileno de los años 90.

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Chancho en Piedra – "Peor Es Mascar Lauchas"

Estrenado el 17 de diciembre de 1995, “Peor Es Mascar Lauchas” se convirtió en una carta de presentación fresca, irreverente y auténtica, apareciendo en un momento en que el rock chileno buscaba renovarse tras el fin de la dictadura. Con una mezcla de funk y punk rock, así como con una clara influencia de bandas como Red Hot Chili Peppers, Parliament-Funkadelic y Primus, el debut de Chancho en Piedra es una combinación de riffs pegajosos, líneas de bajo funk y letras cargadas de sátira, ironía y humor.

Con canciones como ‘Guach Perry’, ‘Sinfonía de Cuna’ (una adaptación al poema de Nicanor Parra) y ‘Funky tu Madre’, “Peor Es Mascar Lauchas” es un disco que ayudó a diversificar la paleta sonora de la escena nacional, ya que, a diferencia de propuestas más serias o politizadas, Chancho en Piedra escogió utilizar la ironía, la picardía y el absurdo como herramientas creativas para representar las luces y sombras de la idiosincrasia chilena.

 

Fiskales Ad-Hok – "Traga!"

El segundo álbum de Fiskales Ad-Hok aparece luego de un debut incisivo e inflamable. “Traga” sigue la misma línea que su antecesor, siendo un punk rock crudo y mordaz; pero esta vez, con una producción más sólida, con un enfoque más experimental y con canciones más lentas y pesadas. El resultado es una mezcla entre el sonido filoso y expresivo del post-hardcore, las guitarras graves y espesas del sludge metal, y el descontento social del punk.

Las cabreadas ‘Rio Abajo’ y ‘Carlitos Jesús’ y el pesimismo violento de ‘Eugenia’,‘No Estar Aquí’ y ‘Fuga’ hacen de “Traga” un disco fundamental del punk chileno, capaz de condensar la rabia y el desencanto de una generación que, en pleno retorno a la democracia, encontró en la banda un grito de disgusto y una voz incómoda frente a las promesas incumplidas del país.

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Los Jaivas – "Hijos de la Tierra"

Tras seis años sin lanzar un álbum de estudio, un 22 de octubre de 1995 sale a la luz “Hijos de la Tierra”, trabajo en el que el conjunto viñamarino vuelve a su característico rock progresivo fusionado con folclor latinoamericano, luego de la elegía new wave de “Si Tú No Estás” (1989), disco dedicado a la memoria del difunto baterista Gabriel Parra, fallecido en 1988 luego de un accidente automovilístico.

Esta placa significa un retorno a las raíces de Los Jaivas, aunque sin dejar de lado los sintetizadores y teclados que caracterizaron a su antecesor. Es también, el debut oficial en la batería de Juanita Parra, quien ocupó el lugar dejado por su padre; así como el de Fernando Flores en el bajo, tras la ausencia de Mario Mutis en la grabación de éste.

'Hijos de la Tierra’, ‘En el Tren a Paysandú’ y ‘Tan Lejos del Sol’, son canciones presentes en un disco que generó un reencuentro con el público, así como una reunificación de la banda, marcando no solamente un retorno discográfico, sino una innovación en la energía creativa de la banda sin tener que perder su identidad.

 

Lucas Muñoz Robledo